EScultura 2021

La Asociación Española de Pintores y Escultores ha realizado distintas exposiciones de escultura bajo los títulos de “Tres Siglos de Escultura”, en colaboración de la Fundición Codina y celebrada en distintos espacios expositivos, y “EScultura”, que tuvo como marco incomparable la hermosa ciudad de Toledo.

Frente a la masiva concentración de obra pictórica en los numerosos premios, certámenes y exposiciones que organiza nuestra centenaria entidad, asistimos más que complacidos al resurgimiento de la escultura.

Primero, tímidamente, pero siempre haciendo sentir su peso, llamando la atención por su belleza y recordándonos que requieren también una muestra específica en la que los artistas que contemplan esta disciplina, cuenten con un gran evento que les aporte visibilidad y acerque el difícil arte de la escultura a la sociedad y la opinión pública.

En este ámbito y con esta sensibilidad, convocamos ahora una nueva edición de la exposición “EScultura”, que tendrá lugar en los meses de noviembre y diciembre de 2021, en el Centro Cultural Sanchinarro, que en otras ocasiones ha acogido grandes eventos de la AEPE.

En esta ocasión, contaremos con obras de artistas del siglo XX, pero nos centraremos en las de los escultores contemporáneos, arropados por los grandes maestros, que también tendrán presencia en la muestra.

Una magnífica exposición a la que invitamos a participar a cuantos hagan de la escultura una forma de expresión plástica que aúna estética y el arte de las formas, rindiendo así homenaje a la larga tradición escultórica que posee España, y por la que es reconocida en el mundo entero.

A pesar de la dureza de los momentos que vivimos, la Asociación Española de Pintores y Escultores continúa encabezando la agenda artística y cultural de una España paralizada, en la que muestras como la que vamos a realizar, siguen siendo imprescindibles y demuestran que por algo llevamos ya 111 años haciendo arte y cultura.

“EScultura” es una apuesta segura por la calidad en la que todos, sin ninguna excepción, conquistamos prestigio, arte y maestría.

Desde nuestra histórica y privilegiada situación, como una entidad de la categoría que atesora y de ámbito nacional, y como no podía ser de otra forma, la Asociación Española de Pintores y Escultores capitanea una exposición que se convertirá en el acontecimiento cultural y artístico del año 2021, puesto que las obras expuestas ofrecen la realidad de un pasado glorioso, un presente maravilloso y un futuro más que prometedor.

Una espléndida oportunidad para presentar lo mejor del arte de la escultura de la mano de la Asociación Española de Pintores y Escultores, que me honra especialmente representar, contando con la colaboración de la Fundición Codina, y de muchos otros implicados que solo vienen a añadir para que el resultado sea perfecto.

La labor de comisariado de la muestra correrá a cargo de Mª Dolores Barreda Pérez, Secretaria General de la Asociación Española de Pintores y Escultores, crítica de arte y alma máter de nuestra entidad, que aportará su experiencia y dedicación para hacer que las diferentes obras de los grandes genios del pasado, convivan con las más vanguardistas y actuales en una simbiosis única como la que sólo una institución como la nuestra sabe hacer.

José Gabriel Astudillo López

Presidente de la Asociación Española de Pintores y Escultores

 

 

 

Bases EScultura Sanchinarro 2021

BOLETIN DE INSCRIPCION EScultura Sanchinarro 2021

 

EScultura. A la vanguardia de la plástica en España

Del 5 de noviembre al 9 de enero de 2022

Inauguración: jueves 11 de noviembre de 2021, 19 h.

Centro Cultural Sanchinarro

Lunes a Domingo: 10 a 21 h.

Princesa de Éboli, s/n / Alcalde Conde de Mayalde, 28050 Madrid

Metro: Vicente Blasco Ibáñez, Virgen del Cortijo  (Metro Ligero 1)

Bus: 174, 173, 172L, 172 SF

 

 

11 de noviembre de 2021

Inaugurada la exposición

EScultura,

a la vanguardia de la plástica en España

El 11 de noviembre de 2021 quedó inaugurada la exposición «EScultura, a la vanguardia de la plástica en España»,  que organiza la Asociación Española de Pintores y Escultores en el Centro Cultural Sanchinarro de Madrid, y que podrá visitarse hasta el próximo día 9 de enero de 2022.

El acto de inauguración ha estado presidido por el Concejal del distrito de Hortaleza, Alberto Serrano, que ha estado acompañado por los servicios culturales del distrito y por Juan Manuel López-Reina, Vicepresidente de la AEPE, y por los Vocales de la Junta Directiva Antonio Téllez de Peralta, Carmen Bonilla Carrasco, Ana Martínez Córdoba y Fernando de Marta.

De izquierda a derecha: Antonio Téllez, Alberto Serrano, Puente Jerez, José Luis Manzanares, Juan Manuel López-Reina y Fernando de Marta

 

Además, estuvo presente el Gerente de Tritoma Gestión Cultural, José Luis Manzanares, así como numerosos artistas participantes en la muestra, como José Luis Fernández, Puente Jerez, Odnoder, César Orrico, Lola Santos, y numerosos amigos que no han querido perderse un acontecimiento tan importante en el mundo del arte y de la escultura.

La Asociación Española de Pintores y Escultores ha realizado distintas exposiciones de escultura bajo los títulos de “Tres Siglos de Escultura”, en colaboración de la Fundición Codina y celebrada en distintos espacios expositivos, y “EScultura”, que tuvo como marco incomparable la hermosa ciudad de Toledo.

Frente a la masiva concentración de obra pictórica en los numerosos premios, certámenes y exposiciones que organiza nuestra centenaria entidad, asistimos más que complacidos al resurgimiento de la escultura.

Primero, tímidamente, pero siempre haciendo sentir su peso, llamando la atención por su belleza y recordándonos que requieren también una muestra específica en la que los artistas que contemplan esta disciplina, cuenten con un gran evento que les aporte visibilidad y acerque el difícil arte de la escultura a la sociedad y la opinión pública.

En este ámbito y con esta sensibilidad, nació una nueva edición de la exposición “EScultura”, que se celebra durante los meses de noviembre y diciembre de 2021, en el Centro Cultural Sanchinarro, que en otras ocasiones ha acogido grandes eventos de la AEPE.

De izquierda a derecha: José Luis Manzanares, Ana Martínez, Carmen Bonilla, Juan Manuel López-Reina y Antonio Téllez de Peralta

 

La exposición cuenta con obras de artistas del siglo XX y XXI, pero se centra básicamente en las de los escultores contemporáneos, arropados por otros grandes maestros, que también tienen presencia en la muestra.

Una magnífica exposición en la que participan quienes hacen de la escultura una forma de expresión plástica que aúna estética y el arte de las formas, rindiendo así homenaje a la larga tradición escultórica que posee España, y por la que es reconocida en el mundo entero.

A pesar de la dureza de los momentos vividos, la Asociación Española de Pintores y Escultores continúa encabezando la agenda artística y cultural de España, en la que muestras como esta, siguen siendo imprescindibles y demuestran que por algo la AEPE lleva ya 111 años haciendo arte y cultura.

Tal y como comenta José Gabriel Astudillo, Presidente de la Asociación Española de Pintores y Escultores, “EScultura es una apuesta segura por la calidad en la que todos, sin ninguna excepción, conquistamos prestigio, arte y maestría. La AEPE capitanea una exposición que se convertirá en el acontecimiento cultural y artístico del año 2021, puesto que las obras expuestas ofrecen la realidad de un pasado glorioso, un presente maravilloso y un futuro más que prometedor”.

Es esta –continua Astudillo- una espléndida oportunidad para presentar lo mejor del arte de la escultura de la mano de la Asociación Española de Pintores y Escultores, que me honra especialmente representar, contando con la participación de socios, amigos y amantes de la escultura”.

La labor de comisariado de la muestra correrá a cargo de Mª Dolores Barreda Pérez, Secretaria General de la Asociación Española de Pintores y Escultores, crítica de arte y alma máter de nuestra entidad, que aportará su experiencia y dedicación para hacer que las diferentes obras de los grandes genios del pasado, convivan con las más vanguardistas y actuales en una simbiosis única como la que sólo una institución como la nuestra sabe hacer.

La exposición cuenta con un total de 45 obras de 33 escultores diferentes, y en ella se podrá ver desde el busto que Juan Cristóbal realizó a Zuloaga, hasta el reciente busto que José Gabriel Astudillo ha realizado a Francisco Pradilla, pero también están presentes obras de creadores como José Luis Fernández, autor de las estatuillas de los Premios Goya, o la apuesta taurina de Puente Jerez, sin olvidar a clásicos de la escultura como José Llimona o Coderch y Malavia, Pedro Quesada o José Manuel Martínez Pérez.

La muestra podrá visitarse hasta el próximo 9 de enero de 2022.

Los artistas participantes son:

Pedro Anía Gérez

Anónimo (Zíngara)

Anónimo (San Jorge)

José Gabriel Astudillo

Marta de Cambra

Martina Cantero Jiménez

Coderch & Malavia

Georges Charles Coudray

Juan Cristóbal

George Demange

Federico Echevarría

Carmelo Esteban

Jeny Fernández Pérez

Diego Fernández

José Luis Fernández

Kike Gordillo

Juanchi (Juan Antonio González Saiz )

Josep Llimona Bruguera

José Manuel Martínez Pérez

Javier de Mota

Julio Nuez

Fiona Olimpia

Odnoder (Pablo Redondo Díez)

Pedro Quesada

Juan Francisco Pérez-Rosas Hidalgo

Puente Jerez

Teresa Romero

Cristina Sánchez

Lola Santos

Antonio Sanz Vélez

Antonio Téllez de Peralta

Miguel Vedia Ortega

Puri Villafranca

 

Aquí podéis descargaros el catálogo digital

Catalogo EScultura. Sanchinarro 2021

 

 

 

 

 

EScultura. A la vanguardia de la plástica en España

Del 5 de noviembre al 9 de enero de 2022

Centro Cultural Sanchinarro

Lunes a Domingo: 10 a 21 h.

Princesa de Éboli, s/n / Alcalde Conde de Mayalde, 28050 Madrid

Metro: Vicente Blasco Ibáñez, Virgen del Cortijo  (Metro Ligero 1)

Bus: 174, 173, 172L, 172 SF

 

Breve dossier de los artistas participantes

Pedro Anía Gérez

Procedente de una familia de canteros, con estudios de delineación, comenzó a realizar figuras y pequeñas obras desde muy joven. Profesor de cantería en escuelas municipales como la de Huesca y Morillo de Tou, comenzó a trabajar la piedra y a presentar obras a distintos concursos y certámenes.

Desde 2001se dedica por entero a la escultura, impartiendo importantes cursos de cantería y talla en piedra.

En sus obras aligera la piedra, intentando transmitir vida y movimiento por medio de cintas y otros elementos geométricos, tallando formas que parecen imposibles, que invitan a ser acariciadas, tocarlas y comprobar que son posibles.

En 2013 obtuvo el Premio Reina Sofía de Pintura y Escultura que organiza la Asociación Española de Pintores y Escultores.

Anónimo (Zíngara) Escuela austríaca de principios del siglo XX

Austria tuvo importantes artistas plásticos, poco conocidos, con formación clásica y representantes del romanticismo que recorrió toda Europa. En cuanto a la escultura del siglo XIX, en la que domina aún el neoclasicismo, también destacan importantes artistas como Leopold Kiesling,  Franz Xaver Messerschmidt, recordado por  esculpir una serie de bustos de sí mismo representando exageradas expresiones faciales, Franz Anton Zauner, Leopold Kissling o Johann Nepomuk Schaller.

La escultura presente en esta exposición es una raro ejemplo de neoclasicismo con unos matices que la acercan increíblemente al novecentismo, pese a tener un siglo de diferencia. Denota una fuerte influencia de las terracotas de Friedrich Goldscheider, fundador de la que es considerada como la mejor fábrica europea de terracota modernista

Anónimo (San Jorge). Casa Esteva y Cía

La casa Esteva y Cía realizaba todo tipo de esculturas de delicada factura de estuco y detalle modernista.

En 1901 se inauguró el Salón Hoyos, Esteva y Cía. en la calle Cardenal Casañas. Este comercio era fruto de la asociación del ebanista Joan Esteva con la casa Hoyos, previamente dedicada a las reproducciones artísticas en la calle Paradís.

Joan Esteva, que a veces aparece como Esteve, había sido socio del Faianç Català (Loza Catalá) en 1899, colaborando en el amueblamiento de la tienda de cerámicas de la Gran Vía.

El local abierto en 1901 tenía una atractiva fachada de ladrillo de colores vivos y hierro repujado y el interior estaba decorado con paneles modernistas pintados por Hoyos.

En un principio, se anunciaba la exposición de artistas antiguos y modernos, y es en 1906 cuando se tienen noticias de exposiciones individuales con cuadros de A. Utrillo y continúan en 1907 con pinturas de Roig y Soler, Graner y Brull, fotografías artísticas de A. Pisaca, grabados de Anglada-Camarassa y paisajes y retratos de F. Sardà.

De la muestra de Graner se hizo ecoIlustración Catalana , por la que sabemos de las veinte obras presentadas en el subsuelo de la tienda, lo que nos hace pensar en la posibilidad de un espacio habilitado especialmente. El nombre de la casa cambió con el paso de los años: en 1906 aparece como Esteva Figueras y Sucesores de Hoyos en la calle Santa Anna, 6; en 1908, en una muestra de J. Llaverías, se refiere como Ca l’Esteva a la última dirección, que no sabemos si se trataba de una sucursal de la antigua o de un nuevo establecimiento.

Aparte de las galerías, durante el Modernismo algunos ebanistas y decoradores tuvieron un papel importante en la difusión del consumo de arte. El concepto de arte global propagado por W. Morris y las Arts and Crafts había favorecido que la preocupación artística se extendiera a todos los objetos que conformaban un interior y, de rebote, que algunos de estos profesionales ofrecieran pinturas y esculturas entre las obras originales de su repertorio. Como norma general creemos que sus salas de exhibición presentaban los cuadros y esculturas entre los otros objetos o como parte de un ambiente amueblado.

La casa Esteva y Cía se convirtió en un prestigioso establecimiento especializado en la construcción de marcos y molduras, ubicado en el Paseo de Gracia, y terminó realizando reproducciones y objetos decorativos de ebanistería, muebles y lámparas, como las diseñadas por Gaspar Homar o Joan Busquets.

 

José Gabriel Astudillo

Nacido en Madrid, en 1953, este pintor y escultor, profesor de Dibujo y de Historia del Arte es Master en Museología, estudios de post-grado, por la Southern Mississippi University (Institution of Spain), y tiene distintas especialidades de restauración de pintura y escultura por la Escuela de Arte y Antigüedades de Madrid.

Desde muy joven se relaciona con el mundo artístico de la capital, frecuentando el Ateneo y el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Director y propietario de la Galería de Arte “El Círculo de Tiza”, ejerce también una labor de promotor cultural y comisario de exposiciones.

Pintor de numerosas intervenciones artísticas en iglesias y catedrales españolas, cartelista de distintos acontecimientos repartidos por toda la geografía nacional, retratista acreditado, escultor con obra en la ciudad de Madrid y distintas colecciones particulares, restaurador de innumerables obras pictóricas y escultóricas, algunas de las cuales se pueden observar en la capital, su obra está presente en innumerables producciones cinematográficas y televisivas.

Su pintura se caracteriza por la pureza de las formas y el color como herramienta, mientras que su escultura es fiel al modelo y llena de ritmo y movimiento, sin abusar de detalles pero formal, dinámica  y de texturas suaves.

Desde el año 1980, fecha de su primera exposición, ha participado en varias muestras colectivas en toda España y, de forma individual y continuada, ha expuesto en diferentes ciudades de las dos Castillas, Andalucía y Madrid.

Como escultor, posee distintas obras colocadas en ciudades como Madrid, Zaragoza y Roma, obras figurativas en las que la sencillez de las formas y la elección de los temas, reflejan la especial sensibilidad de la vida cotidiana.

Entre los premios y distinciones recibidos caben destacar la Medalla “Eclessia et Pontífice” 2007, concedida por Su Santidad el Papa Benedicto XVI, el Premio Nacional de Artes Plásticas 1994 a la gestión cultural y promoción de las artes de la Revista “Correo del Arte”, la Medalla de Oro de la ciudad de Niza 1990.

Es además, Socio de Honor de la Asociación Española de Pintores y Escultores, Socio de Honor de la Asociación Nacional de Acuarelistas, Socio de Honor de la Asociación Nacional de Belenistas, Socio de Honor del Ateneo Madrileñista, Socio de Honor de la Asociación Nacional de Críticos de Arte, etc…

Ejerce también labores de comisariado en exposiciones como la antológica de Juan Barba, de Eduardo Naranjo, Cristóbal Toral, Evaristo Guerra, Santiago de Santiago, Serafín Rojo, y es llamado asiduamente como Jurado en Premios Nacionales e Internacionales, como el Art Jonction International de Niza, de la Cátedra Goya de la misma ciudad.

Realiza una intensa tarea cultural de promoción del mundo de las bellas artes, presentando importantes exposiciones a nivel nacional.

De la numerosa Bibliografía en la que aparece destacaríamos la “Historia de la Asociación Española de Pintores y Escultores (1910-1993)”, de Fernando de Marta Sebastián. Madrid, 1994, “De Madrid al cuplé. Una crónica cantada”, de Olga María Ramírez Ramos. Ediciones La Librería. Madrid, 2001, “Varas y bastones de la Villa de Madrid”, de Ángel del Río. Editorial Temas de Hoy. Madrid, 1994, “Cuentos del Retiro”, de Ángel del Río. Ayuntamiento de Madrid, 1990, y su última producción cinematográfica, “Las Cajas Españolas”, de Alberto Porlan, en la que colabora con distintos bocetos y dibujos, además de otras producciones televisivas como series y telenovelas de producción española.

Desde el año 2008 hasta 2012 fue Presidente de la Academia Libre de Arte y Letras de San Antón, y actualmente es el Presidente de la Asociación Española de Pintores y Escultores.

Marta de Cambra

Nacida en Barcelona y Doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, ha participado en numerosos exposiciones individuales y colectivas,  nacionales e internaciones. Su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas por las que ha recibido diversos premios, como el Premio de Escultura de la Diputación de Segovia,  Ministerio de Agricultura, Pesca y Alimentación, la Medalla de escultura Mateo lnurria, 73 Salón de Otoño,  XXVIII Premios Francisco Ginés de los Ríos o la Mejora de lo calidad educativa.

Compagina su labor artística con lo docencia como profesora de Enseñanza Secundaria y Profesora Asociada de la Facultad de Bellas Artes de la UCM.

 

Martina Cantero Jiménez 

Nacida en Santa Cruz del Valle (Ávila) y residente en Madrid, en 1977 participa por primera vez en una exposición a partir de la cual prosigue y diversifica sus actividades artísticas alternado diversas técnicas pictóricas con incursiones ocasionales en campos como la cerámica artística y el grabado en linóleo y el metal y más recientemente en escultura en materiales diversos.

Su intensa actividad creadora le ha permitido participar con éxito certámenes y concursos, obteniendo distintos premios y galardones como el Primer Premio de Pintura del X Certamen de Navalcarnero en 2004 y el Primer Premio de Pintura del Ayuntamiento de Pozuelo de Alarcón en 2007.

Ha realizado una quincena de exposiciones individuales y participado en más de un centenar de colectivas, manteniendo obra en importantes colecciones privadas, de instituciones y museos.

Coderch & Malavia

Coderch&Malavia es un proyecto de escultura en el que el cuerpo humano es el centro del discurso plástico. Un universo de formas significantes en torno a la figura humana idealizada. Y un horizonte claro: la Belleza como herramienta diaria de trabajo. Joan Coderch y Javier Malavia se unieron en 2015 para realizar obra de escultura en la que una técnica depurada conduce el trabajo desde el modelado de taller a la pieza definitiva fundida en bronce.

Joan Coderch nació en Castellar del Vallés, Barcelona (1959) y se licenció en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona en 1984. Javier Malavia nació en Oñati, Guipúzcoa (1970), y se licenció en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de Valencia en 1993. Tras conocerse descubrieron sus afinidades artísticas que los llevó a embarcarse en este nuevo proyecto que sigue la línea de maestros de la figuración como Maillol, Rodin, Marini y Bourdelle.

Parte de la originalidad de su labor reside en su forma de trabajo ya que elaboran sus obras a cuatro manos, compartiendo la creación de las piezas.

Su proyecto destaca por la honestidad y la autenticidad: exploran diferentes actitudes humanas frente a la vida, donde está muy presente el mimetismo con la naturaleza, la búsqueda de la emoción a través de la obra, la muestra de los sentimientos que gobiernan al hombre, el encuentro entre figura y actitud, y la mezcla de la belleza y la disciplina. El ser humano es el centro de su arte.

Desde sus comienzos, Coderch y Malavia han logrado posicionarse como artistas figurativos destacados. Han recibido el Premio Reina Sofía de Pintura y Escultura en 2017 y el Primer Premio en la 14ª edición del Concurso ARC International Salón, en 2019. También figuran entre sus distinciones la Medalla de Escultura Mariano Benlliure, el TIAC Art Prize o el Arcadia Contemporary Award.

Además del reconocimiento nacional e internacional, su trabajo forma parte de colecciones privadas en varios países de Europa, Asia y América, exponiendo regularmente en Francia, Estados Unidos (Miami), México, Italia, Grecia, Berlín, Amsterdam. La Coruña, Barcelona, Granada, Ibiza, Madrid, Valencia o Málaga.

Georges Charles Coudray

Nacido en París, Coudray se formó como discípulo de Ambroise Thomas y Alexandre Falgiere. Exhibió sus obras en el Salón de Otoño de París desde 1883 y hasta 1903.

Se especializó en estatuas, bustos y medallones con retratos, frecuentemente de inspiración oriental. Trabajó en bronce, terracota, mármol, yesos y otros materiales con los que mostraba gran versatilidad.

Alcanzó gran notoriedad con obras de tipo orientalista, de delicada belleza y carácter melancólico y finisecular.

Las obras con las que alcanzó una mayor fama fueron “Aquila”, “Les Nenuphars”, “Iris”, “Tahoser”…

Juan Cristóbal

Nacido en Ohanes, Almería, en 1897, pasó su adolescencia en Granada, donde inició sus estudios en el taller de Nicolás Prado Benítez  y en la Escuela de Artes y Oficios.

Becado por el ayuntamiento de Ohanes para entrar como aprendiz en el taller de Mariano Benlliure, su verdadera formación tuvo lugar en el Museo de Reproducciones Artísticas,  donde copió a los clásicos griegos, romanos y renacentistas. Comenzó a ser conocido en 1917, año en el que expuso en el Ateneo de Madrid.

En 1922 logró el Primer Premio de la Exposición Nacional de Bellas Artes, que volvió a conseguir en 1927.

Expuso su obra en múltiples ocasiones, tanto individual como colectivamente. Destacan la exposición organizada en 1958 en la Biblioteca Nacional de Madrid, la de 1972 en el Círculo de Bellas Artes o la celebrada en el Palacio de Carlos V de Granada.

En los últimos años de su vida, instaló su estudio en Ávila,  donde vivió y trabajó hasta morir en Cadalso de los Vidrios el 19 de septiembre de 1961.

En Madrid se encuentran varias obras en distintos parques como en el de San Isidro, con su Monumento a Goya, y en el Parque de las Vistillas, el Monumento a Ignacio Zuloaga cuya única reproducción se exhibe en la muestra.

George Demange

Demange (1865-1945) artista francés que realizó una serie de atletas de diferentes disciplinas deportivas, con motivo de los Juegos Olímpicos de 1900 que se llevaron a cabo en París.

Eran esculturas realizadas en calamina en las que popularizó los distintos deportes olímpicos que se practicaban a principios del siglo XX, como el corredor, futbolista, el jugador de rugby…

En este caso, el Jugador de Rugby es una escultura de calamina (carbonato de cinc) y son más escasas que las de bronce. Su fundición suele ser de estaño, plomo y calamina (cinc), las más comunes son las realizadas en la época de Napoleón. Durante la Revolución Francesa no era fácil encontrar bronce, ni latón, ni cobre. Son piezas maravillosamente realizadas, no pesan, son muy duras (lo que obliga a tener aún más cuidado ya que con un golpe se puede romper), después para dar vistosidad a las figuras se les daban un baño de color. La calamina se utilizó mucho a finales del XIX y, sobre todo, principios del XX en esculturas de Art Déco y Art Nouveau. Son de color blanco pero se pueden encontrar también de color dorado o marrón.

Federico Echevarría

Este arquitecto de Bilbao, de larga tradición artística familiar, ha pasado su vida absorbiendo ideas sobre el color y la composición.

La arquitectura que ha desarrollado durante más de cuarenta años tiene en común, con su pintura y su escultura, la búsqueda del movimiento y el dinamismo de la obra para recrear unas coordenadas espaciales flexibles.

Con influencias del expresionismo abstracto, hay también algo de clásico en su geometría ordenada y en sus obras de apariencia simple y sencilla, hay mucho de planificación y estudio, logrando un hondo diálogo con lo superficial que llega más allá de lo supérfluo.

Carmelo Esteban

Nacido en Soria, sus esculturas son predominantemente abstractas, aunque ha abordado también la figuración en menor medida.

Trabaja con el hierro reciclado dando una nueva vida al metal, como el autor dice: “cálido y frio a la vez” queriéndolo mantener perennemente, con la voluntad de mantener lo que nuestros antepasados elaboraron”

Si el hierro es duro y frio el artista lo transforma hábilmente para transmitirnos emociones y sensaciones que difícilmente nos dejan indiferentes….

En los últimos años ha experimentado una evolución significativa, consiguiendo dos premios nacionales de escultura, dos menciones de honor, varios reconocimientos, así como una veintena de exposiciones en el territorio nacional y tres ferias en Europa, Frankfurt, Milán, Austria.

Jeny Fernández Pérez

Esta arquitecto y artista plastica especialista en escultura, maneja diferentes técnicas escultóricas como el modelado, vaciado en cemento y resina, metal soldado, talla en piedra, papel armado, alambre, técnicas mixtas entre otras.

Su trabajo se fundamenta en la transformación de ideas en algo tangible; algo que se pueda mirar, tocar, sentir, vivir y que sea capaz de generar emociones inesperadas. Esto la mantiene en una constante búsqueda de un estilo que logre la participación activa del espectador en el trabajo artístico y todo ello a través de la escultura.

Actualmente se encuentra completamente volcada en la investigación de la escultura cinética – cromocinetismo y el desarrollo de talleres de enseñanza de arte utilizando la escultura como herramienta didáctica, orientado a niños que cursan la educación primaria.

Ha participado en multiples exposiciones colectivas en la ciudad de San José, entre las que figuran las reaizadas con el colectivo Causa Sorora, Escuela Casa del Artista, Asociacion Nacional de Escultores.

(Fernandiego) Diego Fernández Sánchez

Este poeta del acero y el vacío nos regala preciosas esculturas, rígidas, adustas y severas en las que el acero es el protagonista de una belleza visual siempre en tensión, que tienen sus piezas.

Un acero al que imprime vida gracias a líneas simples y geométricas que crean una apariencia sólida y robusta, pero que encierran una ternura que a todos nos recuerdan y evocan personas, situaciones y momentos difíciles de olvidar.

La monumentalidad envolvente que utiliza como puesta en escena, grandilocuente y  amplia, es en realidad el tributo a la composición en la que se aprecia una especial relación entre el espacio y el tiempo, entre el vacío y la masa, con una particular integración con el paisaje y la naturaleza.

Con una abstracción en pleno desarrollo, pero plenamente asimilada, también hay referencias a lo figurativo en sus obras, con mayor detalle en las calidades tácticas y en las sensaciones que despiertan los materiales utilizados.

Una clara apuesta por el minimalismo y la simplicidad que no significa un menor trabajo ni ejecución, y cuyo sentido simbólico imbuye cada obra.

José Luis Fernández

Del celebrado autor de los premios “Goya” poco puede añadirse.

De estilo escultórico evolutivo, parejo al momento que le tocaba vivir, los materiales que emplea suelen ser maderas, piedras, metales y resinas, pero sobre todos ellos demuestra una gran maestría en su modelado y talla.

Su obra enraíza con la de Brancusi y Henry Moore, pero no puede encajarse en ningún movimiento artístico existente. Su creación evoluciona a través de diversas series que constituyen un estilo propio y personal.

Creador de la fundición ESFINGE, que actualmente se encuentra en Torrejón de Ardoz, uno de los momentos más importantes en su trayectoria profesional fue la exposición antológica “Treinta años de escultura” organizada en el Centro de Arte Moderno Ciudad de Oviedo, que le permitió el encargo de ampliar en bronce una de sus piezas más importantes “La Pensadora” situada frente al Teatro Campoamor, en pleno centro de la ciudad de Oviedo.

Kike Gordillo

Nacido en Pedreña en 1958 y residente en L’Eliana (Valencia), se formó en el centro de Oficios de León, donde realizó cursos de escultura en piedra, cantería y talla directa en madera.

Desde sus orígenes en la pintura, donde mezclaba los colores y materiales para encontrar texturas que le llevaron al camino de la escultura, es ahora con la madera y la piedra cuando expresa su proceso de transformación y búsqueda.

Su obra escultórica, de carácter abstracto figurativo, explora las posibilidades de materiales tan diversos como las maderas de América, Europa y África o piedras areniscas, calizas y mármoles de España.

En sus obras hay formas jugando con el espacio y con el vacío, en un trabajo en el que busca la esencia, quitando lo superficial, para afirmar con fuerza la profundidad y dar forma a lo indefinido.

Curvas y planos, dinamismo… esculpir el espacio y el vacío bajo simplicidad de formas es un trabajo difícil que busca en sus esculturas abstractas, a las que pretende dotar de vida, porque no son frías ni distantes, palpitan bajo el contraste de luces y sombras.

“Quisiera ser capaz de labrar la piedra como lo hace el agua del río con su energía y dejar la huella del tiempo en ella”.

Juanchi (Juan Antonio González Saiz )

En las esculturas de este artista polifacético, la madera, sus calidades y sus propiedades plásticas se convierten en elementos constitutivos. De larga tradición en las vanguardias españolas, la escultura en madera cobra una nueva dimensión en las manos de Juanchi, que mezcla disciplinas diversas, que caminan entre lo escultórico, lo pictórico y lo gráfico, y se combina con aportaciones muy distintas e interesantes.

Visualmente, sus obras aportan el primitivismo, el cubismo y la geometría surrealista de un artista que trabaja a mano y se enfrenta así directamente a las convenciones de un lenguaje difícil que personaliza y modifica y que influye sutilmente, en la regularidad geométrica que cada obra tiene al ser contrastada con las diversas posibilidades de presencia en el espacio.

Josep Llimona Bruguera

Recordado como el escultor catalán más importante del modernismo, Llimona se formó en la Escuela Llotja de Barcelona, ​​obteniendo una pensión para ir a Roma en 1880. Durante su estancia en Italia estuvo influido por la escultura renacentista florentina. Con las obras que envió desde allí obtuvo premios (Medalla de Oro en la Exposición Universal de Barcelona de 1888), así como una gran reputación.

Con su hermano Joan fundó el Círculo Artístico de Sant Lluc, una asociación artística catalana de carácter religioso, ya que los dos hermanos eran profundos creyentes.

A mediados de los 90, su estilo ya se dirigía hacia el modernismo pleno. Recibió el Premio de Honor en la Exposición Internacional de Bellas Artes de 1907 de Barcelona.

A partir de 1900 se centró en sus famosos desnudos femeninos, y en 1914 creó, en colaboración con Gaudí, su impresionante «Cristo resucitado».

Su genio artístico también se manifestó en grandes monumentos públicos como la estatua ecuestre de San Jordi en el Parque de Montjuic de Barcelona, ​​así como en obras de imaginería funeraria, como los panteones que creó para varios cementerios.

Además de exponer en Barcelona y otras ciudades catalanas, expuso su obra en Madrid, Bruselas, París, Buenos Aires y Rosario (Argentina). Fue presidente de la Junta de Museos de Barcelona entre 1918 y 1924, y nuevamente desde 1931 hasta su muerte en 1934.

A lo largo de su vida recibió numerosas condecoraciones, entre ellas las otorgadas por los gobiernos de Francia e Italia. También recibió la Medalla de Oro del Ayuntamiento de Barcelona en 1932, en reconocimiento a su extraordinaria labor en el desarrollo de la actividad museística.

La obra de Llimona se conserva en el Monasterio de Montserrat, el Museo Nacional de Arte de Cataluña y el Museo Reina Sofía, entre otros.

Su escultura muestra las características más personales de Josep Llimona: el idealismo naturalista, la inclinación hacia el lado amable de la realidad y, sobre todo, una gran delicadeza y belleza en sus figuras femeninas, siempre esbeltas e inocentes, envueltas por un velo de misterio.

 

José Manuel Martínez Pérez

Reciente ganador del 56 Premio Reina Sofía de Pintura y Escultura, este “Hijo Predilecto” de Lepe es todo expresión, es mucho más que técnica y dominio de la anatomía o de la perspectiva, de las luces y las sombras…, sus esculturas y sus dibujos cuentan historias.

En sus creaciones la vida se abre paso y se detiene para inmortalizar la belleza.

José Manuel Martínez es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla (C.A.P. en Huelva) y en la actualidad es profesor de Anatomía y dibujo del Natural en la Escuela Superior de Dibujo Profesional (ESDIP) de Madrid.

Ha realizado numerosos encargos públicos en su tierra natal entre los que destacan: el monumento al Marinero (2012), el monumento a la Lectura (2009), el monumento a la ancianidad y la Bella (2007), monumento al Fútbol (2006) o el monumento al Agricultor (2002). Su obra puede contemplarse en el Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM) de Barcelona y en el Museo de Arte Contemporáneo de Sicilia (MACS) en Catania. Actualmente es profesor de anatomía y dibujo del natural en la Escuela Superior de Dibujo Profesional (ESDIP) de Madrid.

 

Javier de Mota

Geometría impura y esfuerzo imaginativo, así son las esculturas de Javier de Mota, que rompen el precepto minimalista que exige a los volúmenes esenciales e irreductibles una geometría elemental.

Sus trabajos son irreductibles y esenciales. Pero también contenidos, geométricamente complejos, singulares. Es esa forma escueta la que les imprime especificidad, carácter, humanidad. No se trata de una suma de partes sino de la reducción de una idea hasta dejarla sin partes, condensada, de una sola pieza.

Sus trabajos le hablan al cerebro desde el tacto y desde la relación que establecen con el espacio y el tiempo (el momento detenido de las culturas sustractoras). Pero sus esculturas también dialogan con el tacto a través del ojo. Se palpan con la vista.

Ese tacto visual es el resultado de varias decisiones. La primera es la elección del material, pero también refleja el esfuerzo en el tratamiento del material con que el artista dispone los cimientos de cada trabajo.

Julio Nuez

La obra de Julio Nuez está basada en la dicotomía de los materiales utilizados, hierro y maderas nobles. Buscando formas geométricas abstractas en una interacción con el espacio.

Pero en otras piezas el artista se atreve abstraer del origen de la materia, desvelado geométricas, a conformar composiciones esenciales en sus obras, ideas abstractas en sus visiones.

En su andadura artística, más firme, pasa a formar parte del grupo de Escultura M.T.G. participando en numerosos eventos organizados por el grupo.

Obtiene varias menciones de Honor en su trayectoria artística.

En 2019 recibe Medalla de Escultura «Luis Benedito Vives» del 56º Certamen San Isidro en Madrid.

En 2018 le conceden la Medalla de Escultura «Juan Bautista Adsuara».

Realiza exposiciones individuales en La Granja de San Ildefonso de Segovia y Matadero en Madrid, así como colectivas en la localidad portuguesa de Almeida y en varias ciudades españolas como Álava, Albacete, Ciudad Real, Cuenca, León y Madrid.

Fiona Olimpia

Escultora quien busca la belleza, formas sinuosas y texturas súper pulidas en sus obras. Trata el tema femenino, la libertad, la fuerza y la búsqueda del ser.

Nace en Madrid, en el seno de una familia de cineastas, pintores y fotógrafos.

Ha vivido en varios países, entre ellos USA, Francia, Italia y Escocia.

En California estudia, cine, animación y se especializa en dirección, trabajando en diferentes departamentos en varias películas, anuncios y cortos para cine y TV.

Al volver a España, se instala en Barcelona y decide volver al mundo de las Artes Plásticas. Entra a estudiar en la ESCOLA MASSANA, Procedimientos Contemporáneos de la Imagen. Allí crea instalaciones, mezcla de escultura, fotografía, pintura, video, con objetos cotidianos y de la naturaleza.

Durante esos años en Barcelona participa en varias exposiciones y concursos, gana una mención honorífica, en el concurso convocado por General Europea, SA, atendiendo a la concepción globalizadora del espacio.

Su obra FUEGO, es escogida como una de las mejores de toda la escuela para ser exhibida en La galería La Capella, del Antic Hospital de la Santa Creu, en Barcelona.

Ese mismo año otra de sus obras, REFLEJOS es escogida para ser expuesta en una sala anexa del MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona).

A finales de los años noventa, vuelve a la ciudad de Los Angeles y se inicia en escultura en piedra en el estudio del maestro escultor Robert Cunningham. Allí crea sus primeras piezas en alabastro, mármol y piedra caliza.

En el año 2000 vuelve a Europa, vive en París y Antibes y atiende al estudio del maestro Tiziano en Mougins, Francia.

En el 2005, empieza a escribir cuentos para niños ya ilustrarlos. Se centra los siguientes años en la escritura y en el cine.

En la actualidad, está trabajando esculturas en diversos materiales: bronce, madera, piedra, barro, cera roja y resina cristal.

Odnoder (Pablo Redondo Díez)

La obra del escultor Pablo Rodondo Díez – Odnoder transmite una mirada personal, diferente y estilizada del arte hacia la espiritualidad.

Sus piezas recogen el concepto romántico de lo sublime, y uniendo la energía espiritual y la narrativa artística, consiguen producir en el espectador la sensación de infinito, de eternidad y de misterio ante la contemplación.

Una obra que refleja este retorno de lo espiritual en la esfera del arte actual, de un profundo proceso de resacralización de la experiencia estética. Más allá de religiones, dogmas y creencias, esta sensibilidad espiritual es una clave esencial para entender el arte de nuestro tiempo, el arte de este artista, y para dejarnos subyugar por el aura que emana de cada una de las piezas que lleva a cabo.

Pedro Quesada

Pedro Quesada escultor y pintor, nació en Madrid en noviembre de 1979. entre los años 2002 al 2011 fué ayudante del pintor y escultor Antonio Lopez. De su formación destacamos: 2006 Licenciado en Bellas Artes en la U.C.M. 2003-06 Ciclo medio de 3 años en la Escuela de Artes y Oficios de La Palma,Madrid.Especialidad de dibujo y escultura 1990-98 Alumno Academia de dibujo «Peña».

53 Premio Reina Sofía de Pintura y Escultura

Juan Francisco Pérez-Rosas Hidalgo

escultor Pérez-Rosas, aborda las formas en distintos materiales, en donde la textura y el volumen aportan gran belleza a su trabajo.

Obras figurativas en las que destaca la sensibilidad de los gestos y las texturas y una fina percepción del volumen y las formas delicadas.

Escultor de la profundidad, especialmente dotado para tallar habilidosamente, trata la masa informe con una técnica que se abre paso al ser guiada por un impulso espiritual, hondamente poético, y que contempla al hombre en sus tribulaciones, con la energía y temperamento necesarios.

La escultura de Pérez-Rosas dejaría de valer si en ella no anidara ese sentimiento dramáticamente humano que la anima. Son figuras esquemáticas en sus rasgos, pero que encierran un impulso de búsqueda vital, en contraposición a la morbidez de la superficie pulida, y de la atrayente plástica.

Puente Jerez

Su nacimiento en Madrid, el 28 de junio de 1963 en la Avenida de los Toreros, hijo del gran pintor taurino Pepe Puente, marcaría su destino. Del padre heredó la pasión por el mismo universo artístico, pero su campo de expresión ganó cuerpo y se materializó en el arte de dominar los volúmenes, hasta llegar a la escultura en bronce, donde encontró su alma creativa.

De formación autodidacta y curiosidad innata, desde muy joven exploró la ductilidad de los materiales y su plasticidad, exponiendo por primera vez con apenas 15 años en el Círculo Mercantil de Madrid, donde sorprendió a expertos y artistas con el poder expresivo de sus esculturas.

Entra a trabajar como escultor en la Fundición Codina, donde aprende y practica los varios oficios en el proceso de realización de la escultura en bronce, produciendo una gran cantidad de obras y explorando distintas técnicas, mientras modula su propio lenguaje expresivo, heredero de la gran tradición escultórica romántica, del plateresco español y de la orfebrería renacentista, a la que une una paleta de texturas, volúmenes y colores que lo conectan con las vanguardias.

Va acotando su universo expresivo al arte de la tauromaquia, con caballos, toros y toreros llenos de fuerza, ímpetu y majestad y un simbolismo de inequívoca modernidad.

“El último escultor romántico de la fuerza y filigrana”, como lo definió el gran escultor y maestro Julio López, inicia una imparable carrera en España, Francia, Colombia, Ecuador y Méjico, alternando exposiciones y creaciones por encargo, más de mil obras, que van expandiendo y diseminando su producción artística, perteneciente mayoritariamente a propietarios privados.

En este periplo destacan las exposiciones individuales en la Primera Feria del Toro de Madrid, en la Plaza de Toros de Cali, Colombia, en la inauguración de las salas de exposiciones Antonio Bienvenida y Antoñete en la Plaza de Toros de las Ventas, en el Club Colombia en Cali, o sus exposiciones durante 5 años consecutivos en los jardines del Hotel Real de Santander.

Teresa Romero

La artista abulense conjuga en sus obras la perfección formal con una notable fuerza expresiva, en obras realizadas en terracota policromada, un material en el que está trabajando especialmente en los últimos años, en piezas de tamaño natural que conforman bodegones escultóricos.

Son propuestas personales y únicas basadas en la idea de explorar mediante los cuerpos geométricos la reinterpretación de una obra pictórica.

Un estilo peculiar, intransferible, realista, delicado en el que cacharros y vasijas, manteles y platos, cobran vida y volumen en un proceso creativo que comienza por una tormenta de ideas y bocetos a partir de los cuales nace el tamaño, el material y las formas y volúmenes que habrá que conseguir para la realización de la obra final.

Cristina Sánchez

Nace en Buenos Aires, hija de padres gallegos.
Desde muy pequeña compaginó sus actividades escolares con estudios de Dibujo y Pintura, Cerámica, y Diseño. Licenciada en Psicología (Facultad de Psicología, Universidad del Salvador) y Profesora de Psicología (Facultad de Ciencias de la Educación y Comunicación Social, Universidad del Salvador), desarrolla su profesión en las áreas Clínica y Educacional y también dicta cátedras en Educación Superior, donde además se desempeña como Rectora.

En la década de los 90 retoma las actividades artísticas que había encarado de niña y adolescente, en paralelo con su quehacer laboral. Asiste durante tres años al Taller de Cerámica del Maestro Ceramista Oscar Gutiérrez Ronchi; realiza estudios de Diseño Gráfico y asiste al Taller de Escultura del Escultor Christian Faccini, participando en Exposiciones Colectivas y realizando tres Muestras Individuales.

Al cumplir cincuenta años deja su actividad profesional y se traslada a España, a Galicia, donde retoma su pasión por el Arte, y ad honorem, desde el Club Náutico Casino de Viveiro organiza un Ciclo de Exposiciones convocando a destacados artistas plásticos gallegos, retomando su actividad escultórica.

En el año 2017 se une a la Asociación de Artistas Plásticos Gallegos (ARGA), y a partir de ese momento encara más seriamente su veta artística, realizando nuevas obras y participando en diferentes Exposiciones Colectivas. Un año más tarde, inaugura su primera Exposición Individual en España, en la sala de ARGA en la ciudad de La Coruña, presentando dieciocho obras.

Lola Santos

La escultura, como la poesía es un arma cargada de futuro ya que su fuerza no se basa sólo en la admiración erudita, sino que consigue cambiar el paso, volver la vista y conmocionarnos durante unos instantes erizándonos la piel. Y es que debajo de cada piedra, de cada granito, de cada  mármol, de cada mole se encuentra un corazón ardiente del que nos quedamos prendados.

Y si hay alguien que sabe transmitir todo eso y mucho más en su obra es Lola Santos una gran  escultora y ceramista perteneciente a la AEPE.

Su inquietud de crear, indagar en el interior de uno mismo, de plasmar y aflorar sus sentimientos y emociones y transmitirlos a los demás a través de un mensaje, una idea o un pensamiento, ha hecho que sus manos dialoguen en una constante conversación con la materia para despertar el latir más sincero y extraer auténticas melodías y poesía de ellas.

A lo largo de su carrera artística y con tanta obra nacida de sus manos, los críticos de arte le han dedicado numerosos elogios ensalzando su trabajo.

 “Obra seria de gran belleza plástica, simplificación de la forma, estilización de la curva,  armoniosa en el movimiento, esbeltez, delicadeza, sensibilidad, feminidad, volumetría

Describen la elegancia y armonía de su escultura reflejando en ella la propia personalidad de la artista.

Artista.. que define su obra.. como figurativa con un toque de modernidad.

Y no es de extrañar porque ha dedicado al arte, a la cerámica y a la escultura más de 35 años  y su obra ha sido expuesta cautivadora  en numerosas y prestigiosas ferias y galerías de arte por España, Europa y EEUU así como ha sido galardonada con importantes y numerosos premios a lo largo de su trayectoria artística.

Lola Santos, una mujer creativa, desenfadada, amable, elegante, trabajadora y constante.

Antonio Sanz Vélez

Principalmente realiza obras de escultura abstracta tanto en madera  (nogal, cedro, olmo,…) como en piedra y mármol (Rosa de Sepúlveda, Macael,…)

Su trabajo es laborioso y planificado. Partiendo del boceto inicial comienza la escultura eliminando las partes sobrantes mediante sierra, radial o gubia.

A continuación va dando forma a la idea inicial, pulen y lija la pieza y determina el acabado, que puede ser con barnices, aceite de linaza,…

Antonio Sanz que, una vez jubilado, parece haber retomado con pasión su vieja afición por las herramientas con las que moldear artesanalmente figuras y objetos de libre inspiración imaginativa.

Escultor autodidacta, toda la obra en su conjunto, transmite la, sin duda, exigente pulcritud creativa con la que el autor debió emplearse en su labor para lograr las formas definitivas de sus armoniosas y relajantes composiciones.

Esculpir formas sobre la piedra o tallar sobre la madera requiere de sólidos conocimientos técnicos, además de imaginación, habilidad, paciencia y gusto estético. Cosas que son propias de auténticos creadores, y más teniendo en cuenta su carácter autodidacta.  De ahí que el mérito de Antonio sea todavía mayor.

 

Antonio Téllez de Peralta

Antonio Téllez de Peralta es un artista multidisciplinar español que trabaja con distintas técnicas, principalmente óleo sobre lienzo en pintura, y múltiples materiales en escultura. Nacido en Badajoz se traslada a Madrid, donde se gradúa como Ingeniero Industrial y posteriormente obtiene el grado de Doctor.

Diplomado en Alta Dirección de Empresas, Diplomado por Oxford Institute for Energy Studies y Master en Trading Financiero, a lo largo de su dilatada carrera profesional ha sido primer ejecutivo en diversas empresas energéticas e industriales.

Atraído desde joven por la pintura y la escultura, comenzó trabajando con lienzos y materias, experimentando continuamente sobre la variación contemporánea de los materiales y las técnicas plásticas.

Graduado en Bellas Artes, obtiene el título de Doctor con una investigación sobre el color y la materia como principales calificativos para objetos y formas, y su posterior interpretación en obras propias repletas de meditados cromatismos y funcionalidades.

Su atracción por la escultura se convirtió en pasión gracias a su amigo y maestro, el catedrático José Luis Medina Castro, que le llevó a iniciar una meticulosa investigación personal y artística, en la que exploró los múltiples enfoques y vertientes con los que materializar su obra, que a menudo incluyen elementos innovadores.

Sus obras, basadas en la experiencia personal surgida de su actividad científica e industrial, y aplicadas a las artes plásticas, han dado como resultado la apertura de otra dimensión en la que abrir una serie de ventanas, reflejo de su pensamiento y percepción, consciente e inconsciente,  desde las que su expresión artística transforma el mundo interior y exterior, ofreciendo innumerables interpretaciones -objetivas y subjetivas- que hablan por sí solas de su arte, en el que vuelca su enorme motivación y satisfacción personal por la obra realizada.

Desarrolla una intensa actividad que le ha llevado ya a participar en más de 70 exposiciones colectivas e individuales, a lo largo de los últimos años.

Miguel Vedia Ortega

Este artista trabaja con todo tipo de materiales reciclados en un proyecto sostenible que llega a todo el mundo pero con el que además, nos abre una puerta a la imaginación para que todos seamos conscientes del potencial creativo que tenemos.

En el mundo del arte, la imaginación es la base de cualquier proceso artístico y pese a que pueda parecer que su trabajo se relaciona con las manualidades o la artesanía, su visión encaja en casi todas partes y es fruto de una obra muy voluminosa que está pensada para todo tipo de público, especialmente a personas relacionadas con el medio ambiente.

Puri Villafranca

Purificación Villafranca es una artista granadina que desde muy joven y casi siempre de forma autodidacta, ha mantenido su actividad creativa.

Estudia Cerámica Artística y Técnicas aplicadas a la Escultura en la Escuela de Artes y Oficios de Granada.

Sus últimas exposiciones individuales las realiza en el Colegio de España en París y en el Centro Cultural Julio Cortazar de Madrid.

Ha participado en numerosas exposiciones colectivas y su obra ha sido seleccionada en certámenes en toda España, obteniendo diversos premios y menciones.

Desde 2015 es parte de la organización de la Feria de Arte de Santafe.

 

 

 

 

 

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