El 4 de noviembre se inaugura el VI Salón de Dibujo, Grabado e Ilustración

La Sala de Exposiciones del Centro Cultural “Nicolás Salmerón” de Chamartín acoge desde el día 3 y hasta el próximo día 12 de noviembre, el VI Salón de Dibujo, Grabado e Ilustración que organiza la Asociación Española de Pintores y Escultores, para el que se han seleccionado un total de 18 obras, de entre más del centenar presentadas, y en la que participan reconocidos autores de esta disciplina.

Pero además, esta exposición va a presentar obras de dibujantes e ilustradores cuyos fondos se encuentran en la propia entidad, como manera de dar un reconocimiento a estas disciplinas que siempre han contado con autores de primera línea en el mundo artístico nacional e internacional.

En este caso, habrá obras de Lorenzo Aguirre, Araceli Martín Aparicio, César F. Ardavín, B. Mauro, Luis Bea y Pelayo, Francisco Catalá Carrión, Mª José de Córdoba, Laura López Castellanos, Javier Ortas, Rafael Pellicer y Emilio Pina Lupiañez.

Al acto de inauguración asistirán el Presidente de la Asociación Española de Pintores y Escultores, José Gabriel Astudillo, el Vicepresidente de la entidad, Juan Manuel López-Reina, la Secretaria General, Mª Dolores Barreda Pérez,  el resto de miembros de la Junta Directiva, además de la Concejala Presidenta de Chamartín, Sonia Cea Quintana, acompañada de los servicios culturales del distrito.

En el acto de inauguración de la muestra tendrá lugar el fallo del jurado y entrega de premios, puesto que la convocatoria cuenta con tres galardones honoríficos: la Medalla de Dibujo Marceliano Santamaría Sedano, la Medalla de Grabado Francisco Esteve Botey y la Medalla de Ilustración Eulogio Varela Sartorio, como merecido homenaje a los maestros fundadores de la centenaria entidad.

Los artistas seleccionados en esta ocasión para integrar la exposición del VI Salón de Dibujo, Grabado e Ilustración de la AEPE, son:

Joaquín Alarcón

Aquafonía Toñi López

Arantzazu Arregi Uriarte

Juan Carlos Atroche Medina

Jimena Aznar Rodríguez Pardo

Fernando Ayelo Hernández

Martina Cantero

Pilar Cortés

Karfer Eguía

Francisco José Franco Ramírez de Arellano, Arellano

Alba García Fraga

Alberto Izcara Esteban

Antonio Izquierdo Ortega

José Pelaez

Alicia Sánchez Carmona

David Sánchez Sánchez

Arturo Tejero

 

 

VI Salón de Dibujo, Grabado e Ilustración de la AEPE

3 a 12 de noviembre de 2021

Inauguración: jueves 4 de noviembre de 2021, 19 h.

Sala de Exposiciones del

Centro Cultural Nicolás Salmerón

Junta Municipal de Chamartín

Calle Mantuano, 51

28002 Madrid

De lunes a viernes: De 9 a 13’30 y de 16 a 19 h.

Metro: Concha Espina (línea 9), Prosperidad (línea 4), Cruz del Rayo (línea 9)

Bus: 16, 29, 52

 

 

 

Los Directores de la Gaceta de Bellas Artes de la AEPE

Por Mª Dolores Barreda Pérez

Los Directores de la Gaceta de Bellas Artes

de la Asociación Española de Pintores y Escultores

 

En el número correspondiente al mes de octubre, abordamos la biografía del último artista que da nombre a las Medallas que otorga la Asociación Española de Pintores y Escultores.

Muchas han sido las propuestas que he valorado para abordar otra serie de biografías de artistas relacionados con la centenaria entidad.

Como quiera que en años anteriores la Gaceta de Bellas Artes ya emprendió la tarea de dar a conocer la vida de los Presidentes de la AEPE, referentes indiscutibles en el mundo del arte en la España del siglo XX, me ha parecido más oportuno emprender la tarea de divulgación de una faceta menos conocida de la historia de nuestra institución, como es la de presentar las biografías de quienes dirigieron la Gaceta de Bellas Artes.

Nos encontramos con personajes ilustres, prestigiosos y afamados, algunos completamente desconocidos, pero en todos los casos, auténticos profesionales de sus respectivas ocupaciones, que bien merecen unas líneas y son parte de la historia del arte de España y por supuesto, de la historia de la Asociación Española de Pintores y Escultores.

Me propongo recuperar la memoria de quienes un día, tuvieron en sus manos gloria, ocasión y anhelos por hacer del proyecto común de la Asociación de Pintores y Escultores, un referente indiscutible en el mundo del arte de España.

cabecera 1

 

Nacimiento de la publicación

La España de principios del siglo XX comienza con la pérdida de Cuba, Puerto Rico y Filipinas. Una derrota que supone una importante crisis de identidad para la política de la Restauración, y la necesidad urgente de construir una conciencia nacional desde una perspectiva moderna, equiparable al resto de países europeos.

Los cambios de todo tipo en la España de 1900 afectan a la política, a la sociedad, la economía y por supuesto, a la cultura y al arte.

La diversidad estética que surge en estos primeros años, a los que muchos llaman la “Edad de Plata” de la cultura española por el gran número de artistas surgidos, hará inevitables cambios en la forma y en el fondo del mundo del arte.

Los artistas españoles encuentran en París el lugar ideal donde más cambios se están produciendo en las tendencias plásticas, si bien en el arte oficial continúa predominando el academicismo, el historicismo y el eclecticismo.

Poco a poco, los propios artistas van asimilando la modernidad y el rupturismo, eclosionando en las vanguardias, caracterizadas por una innovación estética.

Pero los artistas también sienten la necesidad de agrupar sus fuerzas y desvelos, para defender sus intereses materiales y artísticos, para fomentar todas las manifestaciones del Arte por medio de exposiciones, para prestarse un mutuo apoyo, para hablar del arte, para tramitar los asuntos del arte que a todos atañen y están en manos de funcionarios ajenos al arte.

Y con ese espíritu, se funda la Asociación de Pintores y Escultores en 1910, bajo el reinado de Alfonso XIII, que tanto apoyo prestó a la institución.

Una entidad que necesitaba dar voz a sus ideales y que vio la necesidad de contar con una revista oficial de arte, que se ocupara en exclusiva de los temas artísticos y culturales, pero sobre todo de las artes plásticas.

La Gaceta de Bellas Artes nace así como revista mensual, con el deseo de dotar a los artistas de un medio específico, respondiendo a la necesidad de contar con todo tipo de informaciones relativas a las bellas artes.

Una idea novedosa y vanguardista, valiente, que nacía frente a los gigantes que en la época se publicaban, revistas ilustradas como Nuevo Mundo, Mundo Gráfico, Alrededor del Mundo, Blanco y Negro y La Ilustración Española y Americana (La Esfera, otro de los referentes de la época, nació en 1914).

Pero frente a ellas, era necesario contar con una publicación en la que la información específica de las artes plásticas, representara la referencia cultural por antonomasia para los artistas y amantes de las bellas artes de España y en la que además, tuvieran cabida otro tipo de manifestaciones y notas culturales literarias, con artículos, poesías, colaboraciones, críticas de arte e informaciones varias.

Portada número 1 Gaceta Bellas Artes

 

La Gaceta de Bellas Artes

La Gaceta de la Asociación de Pintores y Escultores, nació como órgano de información y comunicación de la entidad, fundada en abril de 1910, coincidiendo con la primera Asamblea General de la misma, celebrada en julio del mismo año.

En el primer número, correspondiente a julio de 1910, se publicaban los motivos de la fundación de la Asociación de Pintores y Escultores, especificándose que “Se compromete también la Asociación a crear un “Boletín o Gaceta” de información general de arte, en donde se dará cuenta al propio tiempo de la marcha administrativa de la Sociedad, y en cuya “Gaceta” se obligan, para evitar toda preferencia o apasionamiento, a no ocuparse en elogio ni en censura de ninguna obra de los asociados”.

Esta publicación que actualmente, como la muestra lo indica, será únicamente de información, puede ser pasado algún tiempo una revista de importancia grande y de excepcional interés. Puede, conservando el fin para que fue creada, ser una publicación de extensa información artística, dándole aquí a la palabra información el más amplio sentido que puede tener, abarcando todo cuanto al Arte se refiera reproduciendo obras y dando cuenta de ellas por cuantos medios pueda disponerse.

Órgano oficial de los artistas españoles, todos han de prestarle su auxilio; y con elementos de tal fuerza, es incalculable medir la importancia y transcendencia que en el arte puede llegar a tener”.

Y después, transcribía los estatutos fundacionales.

 

Breve historia de la Gaceta de Bellas Artes

Inicialmente se llamó Gaceta de la Asociación de Pintores y Escultores, a imitación del nombre de la Gaceta de Madrid, que era el entonces boletín oficial del Estado del que tomaba algunas de las noticias de interés para los asociados.

Salió a la calle incluso antes de la primera Junta General, bajo la dirección de Ceferino Palencia Tubau en calidad de Redactor Jefe, que ya en el segundo número figuró como Director.

A partir de 1921 se llamó «Gaceta de Bellas Artes» continuando la numeración empezada en 1910.

Salió con regularidad hasta 1936 y en 1944 se reanudó la publicación, compitiendo con otras publicaciones especializadas, de manera que se ha mantenido en el tiempo, con diversos paréntesis de variada fortuna, habiendo totalizado ya unos 742 números (el último publicado correspondiente a los meses de agosto y septiembre de 2021) cargados de comentarios y de interesante información sobre el arte en España y aún fuera de ella.

La importancia de esta publicación reside en que se llegó a editar ininterrumpidamente durante veinticinco años, y si bien ha atravesado etapas diversas, desde ser la referencia del mundo artístico en años en los que apenas existían este tipo de publicaciones en España y en la que colaboraron desinteresadamente importantes escritores y críticos de arte, hasta centrarse prioritariamente en aspectos de interés asociativo, hoy en día aún se mantiene como publicación de referencia de las actividades de los socios.

En 1912 se pretendía convertir a la Gaceta en una revista moderna, pensada para la gente de la calle y no sólo para los asociados, más enfocada a la opinión y que se llamaría «Por el Arte».

En 1916 tuvo algunas modificaciones, pues pasó a ser quincenal, incorporó un resumen de temario en primera, cambió la cabecera y dejó de salir al público para distribuirse solamente entre los asociados y entes oficiales y artísticos.

En 1917 se mantenía quincenalmente con distribución gratuita a los socios, celebrando en julio de 1918 su número 100.

Al inicio de los años veinte, en España solo existían dos publicaciones dedicadas al arte: la Gaceta de Bellas Artes y la revista MUSEUM, en la que se anunciaba la Gaceta de la AEPE, pero que duró poco tiempo en el mercado. Es verdad que aparecieron otras como la que editaba la Sociedad de Amigos del Arte, pero no estaba dirigida al gran público.

En 1920, coincidiendo con el Primer Salón de Artistas Independientes, el Salón de Otoño, la Gaceta editó un número extraordinario de veinte páginas, manteniéndose ya este tamaño en los siguientes.

Un año después, en 1921, la revista pasó a llamarse definitivamente Gaceta de Bellas Artes, subtitulada: “Órgano oficial de la Asociación de Pintores y Escultores”, a partir del cual se retomaba la idea de la época en que apareció bajo el título de «Por el Arte».

El 15 de diciembre de 1923 quedó registrado el diseño de marca «para distinguir una publicación periódica, revista ilustrada con la denominación Gaceta de Bellas Artes completada por un dibujo de adorno formado por rasgos artísticos combinados con dos figuras de animales fabulosos». Registro de marca de la propiedad industrial que conserva la institución en su Archivo Histórico “Bernardino de Pantorba”.

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En 1924 contenía grabados y dibujos, siendo visada por la censura militar del momento.

Los cambios de estructura y formato de la revista, corresponden en general a los cambios de Director, que busca un mejor servicio a un mejor precio.

En 1929, se anuncia la aparición de la revista «Plástica», abierta a todos los amantes del arte, buscando que sea más profesional y popular y que dirigiría Manuel Abril.

Pero «Plástica» no llegó a aparecer después de estar preparado el primer número, debido primero a huelgas en artes gráficas y luego la enfermedad del señor Abril… si bien la Gaceta tuvo un profundo cambio, adaptándose al estilo de otras revistas ilustradas de la época, y siendo, desde mayo de 1931, de periodicidad mensual.

Hacia 1934 era la única revista de arte con salida frecuente y periódica que se publicaba en España y logró un prestigio e interés, siendo muy solicitada desde el extranjero.

abril-de-1935

Durante la guerra civil dejó de publicarse. Fue un paréntesis que duró hasta 1944, donde retomó el número 459, e incluía numerosas ilustraciones y la intención de tener una periodicidad trimestral que finalmente no pudo cumplirse.

En 1949, y tras muchas gestiones, volvió a retomarse la edición a finales de 1954, con el número 463, para seguir saliendo con carácter bimestral, hasta su número 473, correspondiente al primer trimestre de 1957.

Tras los periodos de publicación de 1976 y posteriormente de 1987, se llegó a un largo paréntesis que en 1970 se vino a cubrir con un Boletín Informativo, que era más que boletín, un ensayo, tímido en el nombre, pero decidido en su contenido, para intentar reflotar la revista, publicándose veintitrés números hasta 1979.

Un nuevo intento gestionado en 1986, y gracias a una subvención del Ministerio de Cultura llegó a poner en la calle, cuatro números entre 1987 y 1989.

A finales de 1989 se comenzó a publicar puntual y mensualmente un díptico, a veces tríptico, que se llamó “Suplemento informativo de la Gaceta de Bellas Artes”, que por su extensión tenía que reducirse exclusivamente a esas labores de difusión de las actividades asociativas, sin fotografías ni otros elementos, pero que fue muy bien acogido por los socios por su eficacia informativa.

En 1995 comenzó una nueva época de la Gaceta, editada a todo color, manteniéndose en paralelo el “Suplemento Informativo”, mucho más flexible en su formato y contenido y que se distribuía exclusivamente para los socios, en tanto que la Gaceta de Bellas Artes renació con vocación de llegar a otros sectores más allá de la propia AEPE.

La comunicación con los socios continuó mediante el Suplemento informativo que siguió saliendo mensualmente con bastante puntualidad y en él se informó a los socios con anticipación el calendario de actividades del año, de premios obtenidos por nuestros asociados y de otras noticias de interés relacionadas no sólo con la Asociación sino, en general, con el arte.

A partir de 1998 se mantuvo únicamente el “Boletín informativo de la Gaceta de Bellas Artes” con diez u once números al año. Se mantuvo con 4 páginas hasta 2000, pero más tarde se incrementaron a 6 y a 8 no siendo fijo el número de ellas.

De 2005 a 2008 la Gaceta mantuvo 6 páginas, que en 2011 se incrementaron hasta 12 y se empezó a llamar Gaceta, prescindiendo del término Boletín, y a llevar otros contenidos.

En 2011 y 2012 pasó a 16 páginas.

A finales de 2013 se había solicitado colaboración de los socios en el Boletín y ya se publicó alguna, siendo el deseo incrementarlas en la medida de lo posible.

En 2014 la media de páginas rondó las 40, con muy buena aceptación por parte de los socios. Y pasó a llamarse Gaceta de Bellas Artes, suprimiendo el apelativo Boletín aunque la edición fuera modesta. Se distribuía a todos los socios por correo junto a otras informaciones más puntuales.

Se incluyeron, en blanco y negro, fotografías representativas de nuestras actividades lo que hacía años había dejado de hacerse por los altos costes que representaba entonces pero que ahora era accesible por las técnicas digitales. Y se insertaron algunos anuncios, siempre que no fueran competencia directa con nuestras actividades.

El Boletín informativo se mantuvo hasta enero de 2015, y aunque conservando el mismo formato, se presentaba ya en la página web de la centenaria entidad, manteniendo su impresión en blanco y negro y su distribución postal a los socios y entidades e instituciones culturales. Incluía además una serie de biografías sobre los Presidentes de la AEPE.

En enero de 2016 varía nuevamente la distribución del contenido, adquiriendo mayor importancia las informaciones societarias, las convocatorias y el portal del socio, eliminando la relación de exposiciones de todo tipo que se venían incluyendo y ganando peso las imágenes frente a los textos.

La evolución de la Gaceta de Bellas Artes hacia una nueva era digital fue progresiva. Además de su impresión y envío postal, adquiría un mayor protagonismo en la página web de la AEPE, enriqueciendo su contenido y aportando el dinamismo que requería la modernización que la entidad afrontaba.

A ello contribuyó decididamente la creación de otra página web, portal y buscador que bajo el nombre de www.gacetadebellasartes.es vino a volcar todos los contenidos de las gacetas desde su creación, en un proceso de digitalización financiado por Maxam.

El archivo consta de más de 40.000 imágenes digitalizadas, por las que apreciar la rica historia de la Gaceta de Bellas Artes, pudiendo observar además, la evolución de las cabeceras a lo largo de los años o los diferentes periodistas y colaboradores que tomaron parte en la revista.

Ha sido esta una actuación única que ha dirigido la Secretaria General de la AEPE, con la que se ha conseguido preservar todo este patrimonio histórico de más de ciento diez años, al que un grandísimo número de artistas contribuyeron a su creación.

Este legado de incalculable valor artístico, cultural y económico, que está al alcance de todo aquel que esté interesado en indagar en la historia cultural de nuestro país.

La digitalización de la Gaceta de Bellas Artes, a través del portal-buscador www.gacetadebellasartes.es  ha supuesto un enorme beneficio a los cada día más numerosos usuarios, estudiantes, profesores e investigadores de arte… que mediante el acceso online a la revista, están enriqueciendo la historia del arte de España desde 1910.

En enero de 2018 se produjo el último cambio de cabecera, estrenando un nuevo diseño, en el que la pintura de un ojo se asoma desde uno de los huecos de una enorme g minúscula. Una cabecera que apuesta por la serenidad y la elegancia, que hace de la revista ese “ojo” del socio, la ventana a través de la cual poder estar informado en todo momento de todo cuanto acontece en la centenaria institución.

Es un guiño de su Directora por afrontar el desafío de “modernizar nuestra modernidad” con una revista más visual, fácil y digerible, pero sin restarle información societaria de interés general. Cambios de imagen, que no de filosofía esencial.

La sección de biografías históricas sobre las primeras socias de la entidad, así como otros artículos de interés histórico para recuperar la memoria grandiosa de la institución, adquieren más peso e importancia, junto a las actividades de los socios, aunque en general, la información gráfica tiene un mayor protagonismo como elemento complementario de la información que siempre ha caracterizado a la revista.

En marzo de 2020, con el estallido de la pandemia mundial del Covid-19, la Gaceta de Bellas Artes dejó de imprimirse por la paralización de todas las estructuras económicas de España, pero su difusión digital a través de la página web y de su envío electrónico a través de listas de correos que incluían además de socios, a instituciones, organismos, entidades y medios digitales, supuso una transformación lógica que se afrontó con total naturalidad.

Los servicios que en ese difícil año prestó, son evaluables por cuantos hemos pasado un año completamente conectados e interconectados, a través de una revista que no sólo informó del mantenimiento de las actividades societarias en formato digital, de las que la AEPE fue pionera en la red, sino que proporcionó esperanza, ilusión y alegrías a cuantos la compartieron.

Fue un cambio para el que la AEPE estaba preparada, gracias a la profunda modernización lograda en su administración.

Sin haber vuelto completamente a la normalidad debido a la pandemia, la Junta Directiva estudia aún si volverá a publicar en papel la Gaceta de Bellas Artes, aunque tras más de 111 años imprimiéndose, lo lógico sería adaptarse a los nuevos hábitos surgidos tras la pandemia y las nuevas tendencias tecnológicas derivadas del entorno digital.

Así se puede afirmar que la AEPE, como entidad moderna y ecológica, es consciente del impacto que el consumo de papel tiene en nuestro entorno, y por eso se ha propuesto reducir su consumo y contribuir de esta forma a la conservación del medio ambiente, mostrando su compromiso ecológico.

Por último, destacar que a lo largo de su historia, la Gaceta de Bellas Artes ha contado con 47 cabeceras diferentes.

Grandes colaboraciones

A lo largo de más de 111 años de historia, han sido muchas las personas que han trabajado y colaborado en la Gaceta de Bellas Artes de la Asociación Española de Pintores y Escultores. Personajes ilustres tanto de la cultura nacional como internacional, que recoge el portal buscador en diferentes grupos.

Hablamos de pintores, escultores, grabadores, aguafortistas, acuarelistas, profesores, artistas, políticos, conservadores, escritores, historiadores, ingenieros, arquitectos, juristas, médicos, músicos, pedagogos…

Se publicaron artículos, historias, comentarios, poesías… y se citaron y resumieron trabajos de autores de todo tipo, desde Leonardo da Vinci a Picasso, de Emilia Pardo Bazán a Julio Camba, de Elías Tormo a Luis Pérez Bueno… y así, un largo etcétera de plumas brillantes que han dejado su huella en la revista.

Y por supuesto, un hueco destacado para la crítica y los historiadores de arte con nombres como Juan Allende-Salazar, Pablo Álvarez Rubiano, Henry Asselin, Ricardo Baeza, Cecilio Barberán, Enrique Bonet, Juan del Brezo, Antonio Campoy, María Castillo, Ernestina de Champourcin, Joaquín Ciervo, María Correas, Eugenio D’Ors, Natividad de Diego, Ángel Dotor, José Francés, José Ramón Mélida, José Ortega y Gasset, Ramón Pulido, Miguel de Unamuno…

Brillantes y destacados colaboradores que han llenado de contenido una gran revista que ya es historia del arte y del periodismo en España.

Mariano Benlliure fue uno de los colaboradores de la Gaceta de Bellas Artes

 

Planteamiento de trabajo

A partir del mes próximo abordaremos el estudio del periodo bajo el que cada director insufló vida a la Gaceta. Habrá alguno cuya biografía ya se haya descubierto en números anteriores, como la correspondiente a Roberto Fernández Balbuena, a pesar de que estudiaremos los cambios y modificaciones que bajo su dirección sufrió la revista.

Pero veremos también las biografías y las huellas que dejaron los Redactores-Jefe que expresamente aparecieron en las cabeceras de la revista, en su mayor parte periodistas y como tal, profesionales del medio que aportaron su experiencia y enriquecieron la publicación.

Un trabajo que abordo bajo la escrupulosa información obtenida por el Bibliotecario de la AEPE Fernando de Marta Sebastián, contenida en la magnífica obra “Historia de la Asociación Española de Pintores y Escultores 1910-1933 (8 décadas de arte en España”, así como de la propia Gaceta de Bellas Artes, cuya consulta se puede acceder libremente gracias al portal-buscador www.apintoresyescultores.es

Y sobre todo, gracias al apoyo incondicional que tanto la Junta Directiva, encabezada por su Presidente, José Gabriel Astudillo López, que tanto me anima a continuar el trabajo emprendido, como a los socios y amigos de la Asociación Española de Pintores y Escultores, que con sus comentarios y críticas me obligan a trabajar más duro y con más ilusión si cabe.

 

 

Josefina Pérez de la Torre

Por Mª Dolores Barreda Pérez

 

LAS PRIMERAS ARTISTAS DE LA

ASOCIACION ESPAÑOLA DE PINTORES Y ESCULTORES

Desde su fundación en 1910, y después de haber tratado en anteriores números a las Socias Fundadoras de la entidad, y las participantes en el primer Salón de Otoño, vamos a ir recuperando de la memoria colectiva, el nombre de las primeras socias que vinieron a formar parte de la Asociación de Pintores y Escultores.

Josefina Pérez de la Torre

 

PEREZ DE LA TORRE, Josefina    1981  10.dic.1914     RASINES   SALAMANCA 18.ene.2005

Josefina Pérez de la Torre nació el 10 de diciembre de 1914 en Rasines, un municipio próximo a las localidades de Laredo y Castro Urdiales, en Santander.

Por razones de salud, el traslado de la familia a la Castilla reivindicada por la generación del 98, supuso un enorme contraste no solo de paisajes y colores, sino de vida. En Crespos, una localidad de Ávila muy cercana a Salamanca, pasó su infancia, dedicada a leer, sobre todo a Pereda, observar, “sembrando flores, flores blancas, color malva, amarillas, que se morían de sed en los cálidos y secos veranos de Castilla, a pesar de los paseos para regarlas cada día, y se helaban con los tremendos fríos y nevadas del invierno”.

Josefina Pérez de la Torre retratada por Malocha Pombo

 

Comenzó a pintar de niña, actividad que le gustaba mucho y con la que disfrutaba especialmente con una de las monjas del colegio de Madrid en el que estuvo interna. Junto a Sor Sacramento, conoció a alumnas que asistían al estudio de Eduardo Chicharro, Fundador y Presidente de la Asociación Española de Pintores y Escultores.

Su padre, el boticario de Crespos, hubiera deseado que estudiara farmacia, a ella le atraería la  medicina. Allí conocería a su marido, Pablo de Unamuno Lizárraga, en la consulta que éste tenía, como dentista, en la calle Zamora.

Se casó muy joven, en 1934, estableciéndose el matrimonio en Salamanca de forma permanente hasta la década de los setenta.

Allí conoció a su suegro, Miguel de Unamuno, a quien trató estrechamente durante sus dos últimos años de vida. “Yo leía a D. Miguel y creo que su filosofía fue lo que más me gustó, aunque luego, leyendo su poesía, tengo que decir que me encantó”. Josefina siente un gran respeto y admiración a la figura del que fue su suegro; lo adora como persona y como escritor y poeta.

Entre 1935 y 1945 tuvo cinco hijos. El primero, Miguel, todavía pudo conocer y ser conocido por el abuelo quien, meciéndole en sus brazos, sería pintado por la madre del pequeño. En plena guerra civil vendría su segundo hijo, Ramón, seguido por otros tres en la postguerra, Concepción, Josefina y Pablo.

Retrato de Miguel de Unamuno y su nieto Miguel, obra de Josefina Pérez de la Torre

 

Josefina se matriculó en la Escuela de Artes y Oficios de Salamanca en los cursos 1947 al 1949, obteniendo siempre excelentes calificaciones y participando en distintas exposiciones en los años siguientes, alentada por su profesor y amigo Ramón Cuesta.

A pesar de dedicarse casi por entero a sus hijos, solía salir al campo a pintar, rodeada de niños y paisajes, pero con una vida social que le permitía frecuentar las muestras artísticas y culturales de la Salamanca de esos años.

Josefina Pérez de la Torre retratada por Antonio Torres-Bru

Los estudios que realizó después en la Escuela de Nobles y Bellas Artes de San Eloy de Salamanca, la sitúan en la generación de postguerra de pintoras salmantinas de los años cuarenta como Juanita González, Ludivina Salinas, Consolación Grandes Onís, Arsenia Revilla San Román, Carmen Llorente, María Luisa Hernández, Angelita Cascón Sánchez-Cerrudo, María del Carmen Calzada, María Coscarón o Sofía Hernández.

En 1948 obtiene el Tercer Premio en la Exposición de Educación y Descanso de Salamanca. Un año más tarde, logra el Primer Premio de la misma y además, el Premio Especial (Retrato). En 1950, obtiene el  Premio Especial de Pintura de Salamanca y un año después, el Premio Provincial de Salamanca y el Segundo Premio en la Exposición Provincial de Torrelavega.

En 1955 fallece Pablo de Unamuno. Josefina queda viuda con cinco hijos, y es entonces cuando el patronato de huérfanos de médicos, a través del Colegio de Médicos, sufragó los estudios en una institución, de los dos hijos varones mayores, como alumnos internos en Logroño. Fue una ayuda realmente importante para ella, y permitió que pudieran estudiar la carrera de Medicina.

Anochecer en Salamanca

 

La prensa salmantina publicará noticias de sus obras hasta el año 1956.

En la década de los setenta, Josefina alternará su domicilio salmantino con la ciudad de Cádiz, donde desarrolla además una importante faceta literaria escribiendo poesía y cuentos, que ella misma define como “prosa poética”.

Crucero de la Puerta del Río, Salamanca

Josefina contrae nuevamente matrimonio con un buen hombre que tuvo a gala ejercer como albacea de su producción artística y literaria.

En Cádiz, publicará dos libros en 1986 “Pinceladas” y “7 días en la vida de un escolar y otros cuentos” e intensificará una intensa actividad creativa.

De sus libros se ha destacado siempre su “castellano puro y sencillo con un fondo poético que hasta cierto punto se puede calificar de “juanramoniano” y con un intimismo retrospectivo”.

“A VECES EL ROSAL TIENE ROSAS

tiene hojas, ramas,

las rosas tienen pétalos,

color, perfume.

A veces al rosal

le quedan las espinas solamente”.

Otoño en el río

 

A caballo entre Cádiz, Escocia, donde viven dos de sus hijas, y Salamanca, durante dos décadas realizará una veintena de exposiciones individuales y participará en otras muchas colectivas en diversos lugares de España, además de otras tantas de carácter benéfico y recibiendo la mayor parte de los reconocimientos que obtuvo a lo largo de su vida, como el Primer Premio en la Exposición de Educación y Descanso de Salamanca de 1949, el Primer Premio de las Exposiciones Provinciales de Educación y Descanso de Cádiz de 1976 y 1977, el Primer Premio Ciudad de Rota de 1979, Primer Premio Tema Miróbriga de Ciudad Rodrigo (Salamanca) de 1979,  el Primer Premio Medalla Ruiz Mateos en Rota de 1980, o el Primer Premio Tema el Mar del Casino de Salamanca de 1982…

Paisaje

 

En 1981, Josefina había terminado ya el cuadro más conocido que pintó sobre Miguel de Unamuno y en el que éste aparece junto a su hijo Miguel; el otro, lo terminaría un año después, si bien en ambos se refleja la huella personal que logró plasmar en el lenguaje pictórico, obra que se conserva en la Casa-Museo Unamuno de la Universidad de Salamanca.

En los años noventa, Josefina ya había dejado de pintar. En los últimos ocho años de su vida, un accidente cerebrovascular y la pérdida de visión la apartaron de toda actividad pictórica y literaria.

Falleció en Salamanca el 18 de enero de 2005.

 

«Bruma en Cádiz» y «Vista de Cádiz»

 

Tuvieron que pasar catorce años para que se le dedicara una exposición antológica que se celebró en la Sala de exposiciones del Palacio de la Salina de Salamanca. Comisariada por su hijo Pablo, a la inauguración de la misma acudieron sus mejores trabajos: sus hijos y diez de los 19 nietos de la artista.

La muestra incluyó un catálogo con una biografía sobre su vida y obra, y escritos del académico de la RAE José Antonio Pascual, la historiadora Josefina Cuesta y el experto en arte Ricardo López Serrano.

Gran parte de su trabajo acabó en manos familiares. Hay catalogadas más de 400 obras en manos privadas y más de un centenar de la que se tiene conocimiento por fotografías y que están en manos de coleccionistas de origen desconocido.

Girasoles

El Gitano

Diálogo imposible

Cocina

 

Josefina de la Torre pintó bodegones con flores, paisajes y retratos, especialmente de niños, y maternidades.

Cultivó una rica variedad de géneros: paisaje urbano, rural y marino, retratos, bodegones y una serie de maternidades de exquisita sensibilidad y buen gusto.

En sus retratos se adivina el estudio sicológico que llevaba a cabo la artista profundizando en el alma de los retratados, mientras que en sus maternidades, la atmósfera se impregna de una ternura que nunca resulta empalagosa.

Los paisajes urbanos los resuelve con soltura y facilidad, poniendo bastante más énfasis en los rurales, y alcanzando la plenitud en las marinas, de forma especial cuando como una evocación de Turner, empasta la escena y la sume en una especie de neblina que contribuye a edulcorar la imagen de las playas gaditanas con un juego sutil de la bruma y de la luz. Incluso en algún momento, como señal de plenitud, se permite jugar con la sinopsis y apuntar a la abstracción.

Josefina de la Torre justifica el haber dejado de considerar el bodegón como un género secundario. Utiliza toda clase con maestría y dibujo de alta calidad. Además, sus flores huelen a primavera, sus ramos o sus centros rezuman bienestar y armonía, mientras juega con la composición y la luz, con una agilidad que le permite plasmar la escena de forma accesible y familiar. Son imágenes cercanas, ingenuas y que cualquiera tiene la sensación de haberla visto en su domicilio.

Fue una mujer abierta, alegre, libre, comunicativa, conversadora; apreciaba la vida. Buena persona, agradable de trato, simpática, alegre, sensible, encantadora, recordarán algunas de sus amigas artistas.

Sus autores preferidos fueron Bécquer y sus Rimas, Rubén Darío, José María de Pereda, Neruda, Marañón, Unamuno… Entre sus pintores preferidos, Goya, los impresionistas y la pintura poética o mágica.

La pintura de Josefina Pérez de la Torre siempre fue libre de modas y necesidades ajenas a su propia voluntad.

Su legado descansa y reposa orgulloso en sus hijos y sus nietos, que han seguido la saga pictórica que iniciara aquella niña de carácter alegre y abierto para la que la pintura era su pasión.

Maternidad en rosa

Lactancia en penumbra

Madre embelesada

Siesta en el campo

Josefina Pérez de la Torre y la AEPE

Pese a haberse hecho socia de la centenaria institución, únicamente nos consta su participación en la I Exposición de Pequeño Formato, que organizó la Asociación Española de Pintores y Escultores y se ha convertido ya en tradicional al llegar este mismo año a su edición número 40, y que se celebró del 28 de marzo al 12 de abril de 1980, en la Sala de Arte Eureka, de la calle Caballero de Gracia, 21 de la capital, en donde presentó el óleo titulado    “Maternidad”.

 

Gallinero

Bailarina

 

Retrato de Jaime Pedro y José Ignacio  Fernández Vera

Retrato de Carmen Santos

Retrato de Carmina Unamuno

Josefina Pérez de la Torre  en los años 70

 

Retrato de Miguel de Unamuno

Santiago de Cartes, Cantabria

 

La importancia de nuestros premios

José Gabriel Astudillo López

Presidente de la Asociación Española de Pintores y Escultores

 

La Asociación Española de Pintores y Escultores, AEPE, está a punto de inaugurar y entregar los premios del 88 Salón de Otoño, el certamen artístico más prestigioso y antiguo de los que se convocan en España, que nació de forma firme y decidida, para apoyar y fomentar la creación de los pintores y escultores de España.

El mayor mérito de esta convocatoria es su continuidad en el tiempo y su celebridad, y por supuesto, seguir existiendo pese a las múltiples convocatorias de premios caudalosos y opulentos que compiten en renombre y repercusión, pero no arrastran nuestra historia y nuestros logros.

A través de las 88 ediciones del Salón de Otoño se puede rehacer un completo estudio de la Historia del Arte Español de las ocho últimas décadas a través de las obras premiadas y seleccionadas, y de las tendencias observadas, que han formado parte de los sucesivos salones.

Las últimas ediciones han confirmado el nivel de calidad de obras y artistas, y sobre todo, de coherencia con la realidad artística española, reafirmadas por el elevado número de visitantes que las exposiciones han tenido. Pero si hay algo que caracteriza a este certamen, es el mantenimiento de su objetivo principal: acercar al público el mejor arte actual de la mano de sus creadores.

La riqueza del 88 Salón de Otoño, de las 87 ediciones anteriores, no es casual ni actual; se debe a su propia historia, al trabajo entusiasta de los artistas, a los desvelos y preocupaciones de los organizadores, a la colaboración de las instituciones que vienen prestando su ayuda a una entidad que ha cumplido ya 111 años de historia.

Y fundamental en los tiempos que vivimos, es pensar que el Salón de Otoño es el único certamen nacional de prestigio asegurado, que no concede premios económicos y que más allá de esta característica, sigue contando con la participación de quienes creen en el arte, por encima de todo, y en lo que el Salón de Otoño representa, fruto de una historia tan rica e importante para la vida artística y cultural de España.

La AEPE ha sido la única capaz de capitanear el mundo artístico y cultural de España con sus continuas acciones desde el inicio de la pandemia.

Por eso, tras los momentos tan duros vividos, la fiesta del arte que celebramos en la gala de entrega de premios, es tan importante y especial para todos los artistas de España.

Como ya tratara en un aplaudido artículo nuestra Secretaria General, Mª Dolores Barreda Pérez, nuestro Salón de Otoño es equiparable a otras galas de entrega de galardones artísticos… Pero en nuestro caso, es una gala imprescindible porque nuestras distinciones vienen a llenar el vacío en que el estado Español tiene sumidas a las artes plásticas. Un vacío insufrible que desde el año de la fundación del Salón de Otoño, allá por 1920, está asumiendo nuestra entidad.

Frente a los 19 Premios Nacionales de Literatura, a los 32 Premios de Cine y Audiovisuales, a los 20 Premios más de cine englobados como “Otros premios”, a los 12 Premios Nacionales de Gastronomía, a los 7 Premios de Artes Escénicas y Música, a los 5 Premios Europeos de Medio Ambiente a la empresa, al Premio Nacional de Tauromaquia, a los 4 Premios Nacionales de Innovación, a los 4 Premios Nacionales de Diseño, a los 13 Premios Nacionales del Deporte, a los 11 Premios Nacionales de Investigación, a los 171 Premios de fin de carrera, al Premio Nacional de Arquitectura, al Premio Nacional de Urbanismo, al Premio Nacional de Calidad de la Vivienda…  Frente a los 4 premios Culturales, que incluyen el de Patrimonio Histórico, el de Restauración y Conservación de Bienes, el de Industrias culturales y el de Televisión, frente a los 4 Premios de Arte, que contemplan la Fotografía, el Diseño de Moda, el genérico Premio Velázquez y el también genérico Nacional de Artes Plásticas. Frente a las otras 54 recompensas y medallas de las que solo 3 tienen que ver con las artes plásticas, como son la Medalla de Alfonso X el Sabio, la Orden de las Artes y las Letras y las manidas Medallas al Mérito en las Bellas Artes, que se dan en serie a todo tipo de personas sin ser artistas plásticos…

Pues bien, frente a estos 364 premios, recompensas y medallas, sólo 5 tienen algo que ver con las bellas artes, y mezclan pintura y escultura y performances y fotografía y en fin…. De 364, casi los mismos días que tiene un año, sólo 5, repito, tienen algo que ver con los pintores y escultores.

Frente a todos estos galardones que otorga y dota económicamente el Ministerio de Cultura, la Asociación Española de Pintores y Escultores en su Salón de Otoño, mantiene desde su creación, más de 16 premios específicos de pintura, escultura, dibujo, acuarela, grabado…y lo hace con la cabeza muy alta por llevar el nombre de los fundadores de nuestra institución.

Una institución como la nuestra, sin ánimo de lucro, es la que viene asumiendo en solitario y sin ningún tipo de ayudas esta inmensa labor de promoción de las artes plásticas en España.

Esto y únicamente por esto mismo, es lo que hace del Salón de Otoño, una gran fiesta del arte en la que Madrid se erige como anfitriona de lujo de unos premios cuyo prestigio tiene ganado a pulso en las 88 ediciones que ya ha celebrado.

Y todo ello, lo hemos hecho contando solo con nuestros socios, repartidos por toda España. Lo hemos hecho sin otra ayuda que la de nuestro propio trabajo y esfuerzo, intentando implicar a instituciones como el Ayuntamiento de Madrid, que ha demostrado ser sensible al arte y la cultura; intentando implicar a otras instituciones que no entienden o no quieren entender, que el arte y los artistas puedan tener unos premios dignos y a la altura de un país como el nuestro, repleto de talento y de creadores maravillosos.

Por eso es para nosotros tan importante el Salón de Otoño, con sus premios, su gala, y la asistencia y comprensión, complicidad y participación, de todos los artistas.

Recordando a Pradilla

Convocatoria de la AEPE a todos los artistas

SACRAMENTAL DE SAN JUSTO DE MADRID

1 de Noviembre de 2021, 12 h.

Pº de la Ermita del Santo, 70, 2011 Madrid

 

 

El acto de homenaje al pintor español, que fuera Director del Museo del Prado y Director de la Real Academia de España en Roma, Francisco Pradilla y Ortiz, tendrá lugar el lunes 1 de noviembre de 2021, fecha exacta del centenario de su fallecimiento.

Será una actividad que convoca la Asociación Española de Pintores y Escultores, con su Presidente, José Gabriel Astudillo López, a la cabeza, y que cuenta con el apoyo de la familia Pradilla, así como de las instituciones y organismos implicados en la celebración del Año Pradilla, del que venimos informando puntualmente.

El acto comenzará a las 12 de la mañana y consistirá en la ofrenda de unas flores, la lectura de necrológicas y el rezo de un responso ante su tumba, situada en el Cementerio Sacramental de San Justo de la capital de España, donde fue enterrado.

Cerrará el acto el Presidente de la Asociación Española de Pintores y Escultores, José Gabriel Astudillo López, «quien hará en su discurso un recorrido por la obra de este grandísimo artista».

La AEPE invitada al 75º Aniversario de Naciones Unidas y la UNESCO

El 25 de octubre de 2021, con motivo de la celebración del 75 ANIVERSARIO DE LA FUNDACIÓN DE NACIONES UNIDAS Y LA UNESCO, se ha celebrado un importante evento en la sede de Caixa Fórum en el que importantes personalidades, científicos, instituciones y grandes pensadores, entre los que se encontraba invitada de forma especial la Asociación Española de Pintores y Escultores, que ha estado representada por su Presidente, José Gabriel Astudillo López y por el Vocal de la Junta Directiva Antonio Téllez de Peralta, se han debatido distintas opciones sobre cómo la humanidad en su conjunto afronta una serie de amenazas – algunas de ellas de carácter irreversible por primera vez en la historia – y, por ello, resultan indispensables algunos cambios radicales a escala global en la gobernanza del mundo y en el comportamiento humano.

Antonio Téllez de Peralta, Federico Mayor Zaragoza, presidente de la Fundación Cultura de Paz y ex – director General de la UNESCO y José Gabriel Astudillo López

 

En el acto han estado presentes  altos mandatarios de Naciones Unidas y la UNESCO, además de importantes personalidades del Gobierno de España, como Juan José López Burniol, vicepresidente de la Fundación “La Caixa”, Federico Mayor Zaragoza, presidente de la Fundación Cultura de Paz y ex – director General de la UNESCO, Santiago Sierra González del Castillo, secretario in itinere, de la Comisión    Nacional española de Cooperación con la UNESCO, Gabriela Ramos, directora general adjunta de La UNESCO en representación de la directora general de La UNESCO, Teresa Ribera, vicepresidenta tercera del Gobierno y ministra para la Transición Ecológica y el reto Demográfico, Enrique Santiago Romero, secretario de Estado para la Agenda 2030, Miguel Angel Moratinos, alto representante UN para la Alianza de Civilizaciones, Miguel Escassi, director de políticas Públicas y relaciones Institucionales de Google España y Portugal,…

La agenda del evento ha incluido interesantes mesas redondas, mesas coloquio, ponencias, etc. en las que se ha debatido sobre las prioridades de las Naciones Unidas: alimentación, agua, salud, protección del medio ambiente y educación, además de la tan deseada paz mundial, poniendo especial atención a todo lo que conlleva la Sostenibilidad y el cumplimiento de los ODS, Objetivos de Sostenibilidad y Agenda 2030.

Bajo el lema “Llamamiento urgente a los pueblos de la tierra” porque los organizadores entienden que solo existe una solución: un sistema democrático multilateral que conjugue eficiencia y firmeza. Hoy le corresponde a la humanidad asumir su Responsabilidad pues los seres humanos tienen la posibilidad de saber lo que pasa en cualquier parte del mundo, de expresarse libremente y, ante todo, de ser verdaderamente “humanos”, sin ningún tipo de discriminación por motivos de género, raza, creencias, ideología…

Si, hoy, “Nosotros los pueblos” podemos participar en las instituciones y organizaciones democráticas de carácter local, regional, país o mundial, y sostener en nuestras manos las riendas de nuestro destino común.

En las últimas décadas ha habido varías propuestas internacionales y nacionales en favor del multilateralismo y el acto del 75 Aniversario es una buena oportunidad para que se tengan en cuenta dichas propuestas y se haga llegar este Llamamiento al Secretario General de las Naciones Unidas y, a través de él, a los líderes mundiales de las organizaciones del Sistema de Naciones Unidas.

El objetivo del acto conmemorativo ha sido hacer un LLAMAMIENTO A LOS PUEBLOS DE LA TIERRA para lograr que se adopten las medidas que permitan establecer un nuevo orden mundial. Por ello, en el foro del día 25 de octubre, las cuestiones que se deben tener en cuenta serán:

La humanidad en su conjunto afrontar una serie de amenazas, algunas de ellas de carácter irreversible por primera vez en la historia.

Cambios radicales a escala global en la gobernanza del mundo y el comportamiento humano.

Los países deben defender a los seres humanos que viven dentro de sus fronteras.

Un sistema democrático multicultural que conjugue eficiencia y firmeza.

La humanidad, nosotros los pueblos, debemos asumir nuestra responsabilidad y la participación ciudadana.

Nuevos conceptos de seguridad, trabajo y de estilo de vida.

Revisión de la Declaración Universal de la democracia.

Pleno cumplimiento de la Agenda 2030.

Desarrollo digital.

Asesoramiento científico.

Erradicación del armamento nuclear.

Erradicación de los paraísos fiscales, el tráfico de drogas y de personas.

Es preciso generar reacciones populares rápidas y efectivas contra quienes, por ignorancia, cortoplacismo e irresponsabilidad atentan contra la habitalidad de la Tierra y el futuro de las nuevas generaciones.

La cultura de paz representa una alternativa con un potencial inmenso frente a la actual forma de entender la seguridad. Se trata simplemente de pasar del poder hegemónico oligárquico al multilateralismo eficiente; de transitar desde una cultura de imposición, confortación bélica y violencia a una cultura de encuentro , diálogo, meditación, conciliación y alianza; de la razón de la fuerza a la fuerza de la razón; de las armas a las palabras.

 

Firmas con sello de lujo: Tomás Paredes

La pluralidad del arte:

Tres exposiciones memorables

 

(CANOGAR, CALLERY, VILLENEUVE)

 

 

En un librito de aforismos, Piedra para mi tiempo, 1919, dice Lucien Blaga: “Con las plumas de otro puedes adornarte, pero no puedes volar. Eso poca gente lo sabe, pero no lo ignoran los pájaros”. ¡Aviso para críticos, artistas, curadores, furtivos!

¡Que el arte es plural, poca gente lo advierte, pero no lo deben ignorar ni sus amantes, ni creadores, ni intermediarios! Tenemos la manía de etiquetar, compartimentar y establecer un orden para el arte que resulta imprudente, rutinario, que frena su desarrollo y deturpa su libertad. Hemos pasado del “arte es lo que yo digo que es arte” al “arte es lo que el mercado dice que es arte”. ¡Y los profesionales sin inmutarse!

El arte es plural, como la sociedad, como la vida, como el paisaje, como el mar a pesar de su aparente igualdad ¡Las aguas son semejantes, pero todos los mares distintos! Nada mejor para probarlo que estos escolios a tres exposiciones distantes, memorables, que se pueden contemplar en Madrid, octubre/noviembre 2021: Rafael Canogar en Galería Álvaro Alcázar(galeria@galeriaalvaroalcazar.com) , Simon Callery Galería Rafael Pérez Hernando(info@rphart.net) y Charles Villeneuve en Casa de Vacas, parque del Retiro(charlvilleneuve@gmail.com).

Las tres son excepcionales, diversas, incomparables, con contenidos que producen sensaciones incontroladas, que conmueven, emocionan y reconfortan el espíritu. Las dos de galerías privadas con escasos visitantes, la de Casa de Vacas con 92.193 espectadores. Aunque el número de asistentes no sea determinante de calidad.

A pesar del desprecio que están sufriendo las galerías privadas de arte, son necesarias. Con toda probabilidad las galerías necesitan cambiar, adaptarse al ahora (alguna lo hace ya), pero, de momento, cumplen una función: la de poner en contacto al público con lo que van generando los artífices plásticos.

Estás líneas son homenaje a José de Castro Arines (Tuy 1911-Madrid 1997), crítico de arte, recordando sus crónicas del panorama expositivo de Madrid en su tiempo. No voy a considerar todas las exposiciones actuales, sino tres destacables: una, la consagración de la pintura mediante la pintura pura; otra, la recuperación de un sesgo arqueológico y telúrico de la pintura a través de telas desgarradas y cosidas. La tercera, manifestación de belleza y sensibilidad imbricando virtuosismo, maestría y talento plástico.

Los misoneistas pueden tener virtudes, igual que defectos los filoneistas. Para los que se postulan líderes de la modernez, los materiales duros son reaccionarios y los procesos viejunos y extemporáneos. Nada más absurdo, reaccionarios son aquellos que manipulan el pasado imponiendo sus criterios al margen de la sensibilidad y la inteligencia. Fidias hizo de la piedra un milagro para la eternidad. ¿Es Jan van Eyck un reaccionario por inventar y difundir la pintura al óleo? Antes que Rafael Sanzio, Alberto Durero pintó a la acuarela creando una técnica gloriosa a la que se suma con desparpajo Charles Villeneuve.

RAFAEL CANOGAR


Canogar, Toledo 1935, es el más internacional de los artistas españoles vivos. Se formó con Vázquez Díaz, cofundó el grupo El Paso y ha desarrollado una obra impresionante, hija de su búsqueda incansable y de la experimentación; continua con una alta exigencia autocrítica para no caer en el academicismo. Para conocer el grado de internacionalidad de un creador no hay más que ver sus cotizaciones en el mundo y los museos e instituciones donde está presente: Canogar supera la prueba con holgura.

Son datos objetivos, los interesados pueden buscar y verán sus obras en más de ciento cincuenta instituciones de cinco continentes. Es verdad que El Paso le dio visibilidad, pero no lo es menos que su obra ha crecido al margen de aquella estética y que su iconografía es tan feraz, tan plural, que alcanza una densa complejidad.

Durante la pandemia, se aisló en Marbella y, en absoluta soledad, dio un nuevo giro a su quehacer, sin cejar nunca en la inquietud de expresar la pintura a base de pintura, sin repetirse. Y creó una amplísima serie de trabajos abstractos, que pueden verse como paisajes donde el cielo y la tierra se abrazan, se consuelan la luz y la oscuridad, se miran las aguas y los vientos. Recurrió al metacrilato, pintándolo por ambas caras, y obtuvo un resultado espléndido: un canto en el que el horizonte se hace íntimo y remoto al tiempo, surcos que airean la tierra, abren el sol o afloran la luz de la noche. También telas y papeles surcados por el esplendor. Es complicado decir más con tan pocos elementos.

Hay obras decadentes al margen de la edad de sus autores y obras que rezuman descaro adolescente en creadores provectos. ¿Cuándo entra en decadencia un autor? Cuando se expresa con torpeza, repitiendo fórmulas que, aun siendo propias, ya experimentó. El caso de Canogar es llamativo, no sólo por su noble aspecto físico, sino por su capacidad creativa, por su constante frenesí para reinventar la pintura con la rebeldía de su trazo.

Rafael Canogar es una personalidad que desborda el oficio. Pintor, escultor, grabador, escritor, habla y escribe con solercia y con solvencia. Es un hombre ponderado, inteligente, sagaz. Nunca le he oído levantar la voz, ni perder la compostura, para defender aquello que creyere digno de defensa o aclaración. Es un caballero toledano con algo de azoriniano, elegante, capaz y al día, como un sempiterno amanecer.

Toda esta pintura se expuso a principios de año en el Museo Infanta Elena de Tomelloso, como deferencia a la labor cultural que hace Rafael Torres Ugena en el orbe Virgen de las Viñas. Ahora se muestra en la Galería Álvaro Alcázar, con una presencia imponente y rubro Orígenes: un espacio hermosísimo, amplio, techos altos, luminoso, dedicado entero a la exhibición de esta entrega con la que Canogar se reafirma, retrocede para avanzar, retomando aquellos Orígenes de Lezama Lima, donde se inventaba un nuevo cosmos lirico y poético ¡Pintura rimbaudiana adolescente!

Hay piezas magistrales, en su esencia, en su despojamiento, como Pivote, Fausto, Axial, Barda, Calima, Atavío, Éxodo, Péndulo…La pintura se desnuda y engrandece, se hace naturaleza y se muestra como un canto de vida y esperanza. No precisa ni un dato de apoyo quien pinta con esta majestuosa sencillez y probidad, con esta belleza sensual y tal capacidad de ensoñación ¡Canogar ha regresado a donde siempre ha permanecido!

Armazón Acrílico sobre metacrilato 200 x 150


Cruzada Acrílico sobre metacrilato 255 x 150

 

 

Fausto Acrílico sobre metacrilato 150 x 150

Leyenda Acrílico sobre metacrilato 255 x 155

 

 

S.P 38 Acrílico sobre metacrilato 70 x 50

 

SIMON CALLERY

 

Rafael Pérez Hernando es un galerista especial, siempre dispuesto a sorprendernos con lo que muestra y cómo lo exhibe: montajes propios, sobrios, elegantes, limpios. Su estética preferida es ascética, ática, sorda, tierna, genuina, de ebria sensibilidad. Ahí está su compromiso con Griffa, Viallat, Saytour, Hernández Pijuán, Beatriz Olano, el más puro Lamazares. Ahora incorpora por vez primera la obra de Simon Callery.

Que Simon Callery, Londres 1960, sea aquí un absoluto desconocido, no quiere decir que no haya desarrollado un lenguaje particular, ni que su obra no esté en el Btitish o en la Tate Gallery, o que tenga una andadura internacional, exponiendo en Zurich, Bélgica, París, Los Angeles, Turin y por supuesto, adunia en Londres y otros enclaves ingleses.

Su modo de trabajo es de arqueólogo de campo, extiende sus telas en yacimientos y ahí las impregna de naturaleza, historia y antigüedad. Allí, sobre el terreno excavado, las tinta y agujerea, las rasga, las cose, las remienda hasta conseguir un icono que relaciona el proceso ¡Un mosaico arcaico y de ahora mismo, iluminado de cromías silenciosas!

Simon Callery trabaja “para que la pintura vuelva a ser lo que era y, como resultado, obtener una mejor conciencia de nosotros mismos”. No es malo el propósito, ni fácil. Para que el arte nos transforme, ha de interesarnos, hemos de necesitarlo, contemplarlo. Ahora no se dan esas circunstancias en la sociedad. O se dan con escasez. Nuestros coetáneos prefieren el espectáculo, el entretenimiento, antes que el arte, que cuestiona.

El espectador verá, en Rafael Pérez Hernando, un montaje depurado, escueto, con cinco piezas mayores y cinco formatos breves frontales. Lienzos desgarrados, con grandes o pequeños agujeros, cosidos y remiendos, con cuatro caras: anterior, posterior y dos interiores, formando una suerte de túnel o ámbito o útero; el haz y el envés. Y gamas de colores sufridos, intensos, callados, verdes militar, tierras, tintos, cobrizos, ocres pardos.

Es como una máscara terrosa, impresión de restos de los terrenos excavados; cartografía arqueológica de vida y prehistoria. Acaso vestigios positivados de otras civilizaciones, signos y formas, sobre la piel de unas lonas, que empapa de pintura al temple. Al ver estas piezas me han venido a la mente algunos nombres- Rivera, Farreras, Fontana, Burri- de creadores muy distintos, que también se ligaron al misterio de la naturaleza con hurmiento, con magia, con don, experimentales.

Simon Callery, vive y trabaja entre Londres y Turín, es un excavador de yacimientos del sentido, un arqueólogo del espíritu. Busca y descubre en los orígenes, saca a luz lo que no sabe que encuentra y nos hace tomarnos en serio lo que aparenta una obviedad. Un arte diferente, que agarra, que sujeta la mirada y que nos hace pensar. No parece brillar, pero tiene luz, es como leer a Homero a través de Odysseas Elytis, o el Cantar de Mio Cid revisitado por Claudio Rodríguez.

Graduado en arte en el Cardif College, desde 1992 ha intervenido en veinte y siete individuales y en cientos de colectivas, como ArtNow’19 en la Tate Gallery. Becario de diversas instituciones de Inglaterra, Italia, India o Francia, forma parte presente de prestigiosas colecciones europeas y norteamericanas.

Dark Green Pocket Painting, 2020. Tela, pintura al temple, hilo y madera. 54 x 40 x 10 cm

 

Nesscliffe 19 Vertical, 2020. Tela, pintura al temple, lápiz, hilo y madera. 242 x 105 x 28 cm

 

Red Mantle, 2020. Tela, pintura al temple, cuerda, hilo y madera. 220 x 180 x 25 cm

 

Simon Callery en el sitio arqueológico de Nesscliffe (UK) en 2019

 

CHARLES VILLENEUVE

Se define a sí mismo como un artesano que comenzó trabajando la madera como ebanista, estudiando después diseño y como remate, arquitectura. Por tanto, arquitecto, diseñador, ebanista y pintor. Pero cuando contemplamos su obra, asohora, vemos que se trata de un virtuoso del dibujo y la acuarela. Pareciera que pinta el rumor del agua y el bisbiseo del viento, que hace titilar la luz, que espejea como un arcano.

Durante el mes de octubre ha expuesto en Casa de Vacas del Retiro, con éxito descomunal: 92.193 visitantes. Cuando lean estas líneas, ya no podrán ver sus obras, pero entren en internet y youtube y se asombrarán con los videos y referencias visuales de su trabajo. Ha causado conmoción su imaginario y, sobre todo, su proceso de ejecución. Él ha montado la exposición, así como las vitrinas y el mobiliario, diseñado y hecho por él mismo.

Charles Villeneuve, Nantes 1971, pertenece a una familia de ebanistas y artesanos y en ella se forma. Pero, quiere ir más allá, hace diseño y Arquitectura. Comienza a trabajar como arquitecto, pero lo que le satisface es la pintura. Deja todo lo demás y se consagra a la acuarela a través de sus evidentes dotes de dibujante. Una estancia formadora, en la Casa de Velázquez, le ligan a Madrid y desde los inicios de siglo reside entre nosotros, exponiendo regularmente.

A todo esto, le precede la obtención del Premio Nacional de Arquitectura de la Academie de Beaux Arts de París, en 1997, lo que antes fuera el Prix Roma. Luego ha obtenido numerosos galardones, que no voy a referir, pues internet está repleto de sus referencias. Si voy a comentar su sensibilidad y osadía, su chispa creativa, su capacidad de crear nuevas sensaciones al espectador.

¿Qué hace de Charles Villeneuve un artista diferente? Su obra, claro; su dibujo, su maestría al componer grandes panorámicas, con una sutileza y elegancia manifiestas. Su material, el papel y la acuarela. Su procedimiento, pintura del natural. Toma infinitos apuntes in situ, en cuadernos que exhibe, y luego en el estudio, con la morosidad del tallador de diamantes, da vida a esas enormes instantáneas, que subyugan. Paisajista urbano, a modo, pero también de interiores, retratista y calígrafo chino madrileño ya.

No trata de poner la pintura a merced de la acuarela, sino de hacer realismo con la ductilidad de la acuarela. A menudo vemos pintura a la acuarela con un carácter obsoleto, enmarañado y confuso. Hay algunos acuarelistas que han rescatado esta técnica del amaneramiento, del torpe manoseo, del aburrimiento, es el caso de Juan Díaz o de Charles Villeneuve, gigante y riguroso.

Con él, la acuarela se limpia, se poetiza, se atreve, vibra, aspirando a la perfección y la belleza ¿No es eso al arte? Villeneuve, en este trabajo de los últimos años que ha presentado en Madrid, alcanza un nivel difícil de igualar. Su pulcritud, su valentía, su acierto, sus novedosas soluciones hacen de su obra un idiolecto que le distingue y le ensalza. Une al rigor de sus formas la sensación mágica de los ambientes, que transforma en vistas espectaculares maravillando al espectador.

Grand Paris in progress Crédito Juan Carlos Dongil García

 

Grand Paris in progress Crédito Juan Carlos Dongil García

 

Grand Paris in progress Crédito Juan Carlos Dongil García

 

Grand Paris in progress Crédito Juan Carlos Dongil García

 

London Acuarela y tinta sobre papel 56 x 200

 

Paris. Rive Gauche Acuarela y tinta sobre papel 80 x 71

 

COLOFÓN

He reunido en este texto tres estéticas distintas, pero en su fin no tan diferentes. Canogar hace magia de la pintura con la pintura. Callery nos provoca una sensación arqueológica con una exquisita manera de entender el temple. Y Villeneuve renuncia a toda retórica para decir con la acuarela que el paisaje lo hacemos nosotros y nos acompaña en nuestros movimientos como una sutil sombra poemática, para demostrarnos que no hay técnicas caducas o modernas, sino arte o artificio ¡Y logra hacer del gris un paraíso!

¿Acaso alguien puede asegurar que el arte es sólo figurativo? O ¿abstracto, conceptual? ¿Es por ventura la rosa sólo roja? ¡Que unos trazos gestuales de óleo o acrílico nos sugieran sensaciones semejantes a las que nos producen unas telas agujereadas o una vista del Sena a la acuarela, no sólo es posible sino natural! ¿Es, o no, plural el arte?  ¿Quién se apasiona con Velázquez no lo puede hacer con Rothko o con Manolo Rivera? ¡El aroma de la rosa no esta condicionado por un color! Y que ningún crítico sienta la tentación de pensar que un autor ha tenido suerte porque él escriba de su obra, muy al contrario, la suerte es del crítico que sigue encontrando obras que le motiven, le conmuevan y le fuercen a compartir sus sensaciones ¡Ya saben con las plumas de otro no se puede volar!

                                                                                                                   Tomás Paredes

                   Presidente de H. de la Asociación Española de Críticos de Arte/AICA Spain

 

Pablo Rubén López, ganador de Pintura Rápida Parque El Capricho

Un total de 50 personas ha participado en la edición número XVII del Certamen Nacional de Pintura Rápida Parque El Capricho en Otoño que organiza la Junta Municipal del Distrito de Barajas, y que se  celebró el pasado sábado 16 de octubre, en el histórico parque del barrio de Alameda de Osuna.

Los galardonados en esta edición han sido Pablo Rubén López Sanz, con el primer premio de 2.000 euros; Francisco Solano Jiménez Castro, con el segundo de 1.500 euros, y Juan Manuel Campos Guisado, con el tercero de 1.000 euros.

El jurado, que ha estado formado por Isabel González González, Alicia Sánchez Carmona, Ana Mª Gómez-Fournier, José Gabriel Astudillo López y Aníbal Patón Díaz,  ha reconocido estas obras por su gran valor artístico, su originalidad y las diferentes técnicas empleadas. Desde el lunes, 18 de octubre, y hasta el viernes, 29 de octubre, las pinturas podrán verse en el Centro Cultural Gloria Fuertes, ubicado en la avenida de Logroño, 179.

Desde que el certamen se puso en marcha en el año 2004 han participado cerca de un millar de artistas que han plasmado la esencia de El Capricho de muy diversas formas, desde la majestuosidad de su naturaleza y construcciones hasta pequeños detalles y rincones inspiradores. Una cita de carácter nacional que se ha convertido en un referente artístico y cultural en el distrito de Barajas.

Inaugurada 123SILO-2

La segunda de las tres exposiciones programadas por la AEPE en

el Silo de Hortaleza

 

Con la asistencia del Concejal del distrito de Hortaleza, Alberto Serrano, el Presidente de la Asociación Española de Pintores y Escultores, José Gabriel Astudillo López, Óscar Pozas, de Tritoma Gestión Cultural,y los miembros de la Junta Directiva Antonio Téllez de Peralta y Paloma Casado López y Ana Martínez, el 19 de octubre se inauguró la segunda exposición de las tres programadas que bajo el título de “123Silo”, “Pinceles y cinceles”, se lleva a cabo en el Silo de Hortaleza y que podrá visitarse hasta el 21 de noviembre, en horario de lunes a sábado, de 10 a 14 y de 17 a 20 h.

El Concejal del distrito de Hortaleza, Alberto Serrano y el Presidente de la Asociación Española de Pintores y Escultores, José Gabriel Astudillo López

 

“123Silo” está organizada por la Asociación Española de Pintores y Escultores, y se compone de tres exposiciones que darán cabida a un total de 30 artistas de primer orden nacional e internacional, con una selección de obras de diferentes estilos, artistas vanguardistas y contemporáneos bajo un denominador común, el apoyo a la creación y difusión artística.

En esta segunda muestra, cinco pintores y cinco escultores, dos por planta de las siete que tiene el edificio (sin contar la primera ni la última, un mirador desde donde contemplar unas vistas privilegiadas de todo Madrid), tratarán de presentar sus últimas creaciones en un montaje en el que pintura y escultura entablen un diálogo fructífero y fértil en una convivencia única e irrepetible.

Cati Lanza y Diego Fernández abren la Planta 2 denominada “Sala Pueblo de Hortaleza y Huerta de la Salud”, con dos exposiciones tituladas “La luz del mar”, en la que la pintora y fotógrafa nos acerca al mar gallego que marca su vida, y “La expresión de las formas”, donde el escultor ha encontrado la forma ideal de expresar sus emociones y sentimientos a través de las nuevas tecnologías y nuevos materiales.

La planta 3 “Sala Pinar del Rey y Apóstol Santiago”, alberga las creaciones de Juan José Lozano y Puente Jerez. “La belleza de lo que no vemos” es una lección magistral del dominio del dibujo en el que Juanjo Lozano ha logrado dominar la atmósfera y el tiempo. Por su parte, el “Alma en bronce” que nos presenta Puente Jerez, el último escultor romántico de la filigrana y el mundo taurino, nos muestra un riquísimo vocabulario iconográfico de composiciones manieristas repletas de pasiones, amores, esperanzas y quimeras… plenas de sensibilidad y sentimiento.

En la planta 4 “Sala Canillas”, “Utopía de los sueños”, del pintor cubano Felipe Alarcón Echenique, nos convoca a un aquelarre de emociones en las que el dibujo y el color, las líneas curvas y la limpieza del trabajo, engloban un mundo entero desbordante de mensajes. “El lenguaje de la madera”, de José Luis García Martín nos transporta con sublime delicadeza, a otros tiempos en los que la talla primorosa llega directa al corazón de quien la contempla y hace suya.

La planta 5 “Sala Piovera y Palomas”, alberga las pinturas de Federico García Zamarbide bajo el título de “Instinto natural”, en las que el realismo abstracto se abre paso en un trabajo sencillo, humilde, transparente, honesto y real, que denotan su apasionamiento y sensibilidad. Por su parte, las esculturas de Odnoder, en la exposición “Manan Karana”, nos aportan la visión arquitectónica de un trabajo sobre madera, de inspiración orgánica y natural en la que se busca la máxima expresividad con el mínimo gesto.

Por último, la planta 6 “Sala Valdefuentes”, servirá de marco a la obra que bajo el título de “Instantáneas de un caminante”, de Carlos Pérez-Inclán, nos adentra en el hiperrealismo de pincelada suelta y mínima, carente del detalle excesivo de la fotografía, pero repleto de sentimiento y gusto, que junto a la “Miscelánea” de José Manuel Martínez Pérez, el recientemente galardonado con el 56 Premio Reina Sofía de Pintura y Escultura, aborda la pasión del autor por la dinámica de la anatomía humana para lograr visiones alegóricas del ser humano, éticas y trascendentales, rebosantes de fuerza y expresividad.

Alberto Serrano, Concejal de Hortaleza ha manifestado que “esta exposición es fundamental para que el Silo se convierta en un centro expositivo de referencia en Madrid, donde se ha creado un maridaje extraordinario de las exposiciones, con artistas de distintas generaciones, estilos y disciplinas, que enriquece e intensifica todas y cada una de sus propuestas, haciendo partícipes al público de un universo creativo singular y maravilloso, repleto de sugerencias, reflexiones y hallazgos inesperados y exclusivos, únicos y vanguardistas”.

“Es un gran contenido –añade Serrano- que presentamos en un continente de lujo como es el Silo, una construcción singular del distrito de Hortaleza, cuyo uso cultural recobra así un nuevo sentido”.

Por su parte José Gabriel Astudillo explica que “el proyecto “PINCELES Y CINCELES: JUNTOS POR AMOR AL ARTE. 123 SILO”, está ideado por la Asociación Española de Pintores y Escultores como apoyo y fomento a los artistas plásticos en su labor creativa, que afrontan este propósito con toda la ilusión, esperanza y agradecimiento de quienes están deseando mostrar su arte y aportar a la sociedad mensajes y emociones”.

“Son 30 artistas, comenta el Presidente de la AEPE,  pertenecientes a la Asociación Española de Pintores y Escultores, con muy variados estilos y disciplinas, pero con una característica común: la enorme calidad de las obras presentadas. Una mezcla de concepciones, talentos emergentes y maestros confirmados en varias disciplinas artísticas del arte más actual, convirtiendo el singular espacio físico de El Silo, en una plataforma de arte contemporáneo, vanguardista y multidisciplinar”.

La Junta de Hortaleza ha preparado un catálogo físico con las obras de los 30 artistas participantes en el proyecto que puedes ver en esta misma web, pestaña «Otras Exposiciones», subpestaña «123SILO», donde también encontrarás el catálogo digital personalizado de cada artista.

Inaugurada la exposición de obras del XV Certamen de Pintura Escuela de Vallecas

El 14 de octubre, a las 19 h. tenía lugar el acto de inauguración de las obras seleccionadas en el XV Certamen de Pintura Rápida al Aire Libre del distrito Villa de Vallecas  “Escuela de Vallecas”, en el Centro Sociocultural Francisco Fatou, situado en la Calle Manuel Vélez, 10, de Madrid.

 

La selección de las obras se llevó a cabo en el transcurso de la celebración del certamen de pintura rápida del pasado 11 de septiembre, refrendada por un Jurado formado por la Concejal Presidente de Villa de Vallecas, por Víctor Uceda Marroquín, Yaiza Alex Ruiz, Julia Elena Fernández Pérez, Rosa María Gallén Nieto, Directora del Centro Sociocultural Francisco Fatou, Carolina Martínez Soto, y Antonio Téllez de Peralta, pintor, escultor, Vocal de la AEPE y Presidente de ECCA (Espacio Creativo Centro de Arte).

El Certamen otorgó el Premio “Escuela de Vallecas” a la obra La Villa, de Pedro Alfonso Méndez Chico-Álvarez; el Premio “Martínez Novillo” a la obra Vallecas I, de Paloma Pérez Sánchez; y el Premio “Cerro Testigo” al mejor artista local a la obra Vallecas, de Diego Lope González Juárez.

En el acto de inauguración, que estuvo presidido por la Concejal Presidente Concepción Chapa Monteagudo, acompañada de José Gabriel Astudillo, Presidente de la Asociación Española de Pintores y Escultores y de José Luis Manzanares, Gerente de Tritoma Gestión Cultura, asistieron también los artistas premiados, seleccionados, y los miembros del Jurado como Antonio Téllez de Peralta.

En el transcurso del mismo, se recordó la importante tradición artística existente en Villa de Vallecas, cuyo máximo exponente es la Escuela de Vallecas, enmarcada en las corrientes vanguardistas de principios del siglo XX y que ha dejado un importante legado cultural.

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