Mª Dolores Barreda Pérez

Secretaria General

Secretaria Perpetua de la AEPE

El pasado mes de noviembre, el Bando de España presentó dos retratos de la fotógrafa Annie Leibovitz, Premio Príncipe de Asturias 2013, por un importe de 137.000 euros (casi 23 millones de las antiguas pesetas). Dos fotografías.

Además, se presentó el retrato de Pablo Hernández de Cos, ex Gobernador del Banco de España, por importe de 88.000 euros (más de 14 millones y medio de pesetas). Otra fotografía.

Las tres imágenes tienen iluminación artificial, una vez que Leibovitz ha incluido todas las posibilidades que ofrece la postproducción digital, ya que sus fotografías actuales no se entienden sin las herramientas de creación digital.

Al pobre Hernández de Cos casi le corta el pie, mientras que su figura desgarbada y su pose descuidada y abandonada sobre la mesa, no ofrece la confianza de estar ante uno de los mayores responsables para la estabilidad del sistema financiero nacional y europeo. Claro, tampoco ocurre con su sucesor, pero eso ya es otra película… miedo me da pensarlo.

Los retratos de Felipe VI y Letizia son dípticos: 2,2 metros de alto por 1,7 de ancho, que ya forman parte de la colección del Banco de España, entidad que los ha sufragado.

El retrato de la reina Letizia está equilibrado en la composición, con una luz y una atmósfera cálidas, en un ambiente limpio y con una mirada directa al espectador. Su vestido es de alta costura y está desprovista de los elementos simbólicos que aluden a su condición de reina.

El retrato del rey Felipe presenta una composición desequilibrada, con una sensación de inestabilidad acusada y una mirada hacia abajo, acompañado de una luz y atmósfera frías y en un ambiente en extremo recargado. El rey viste de rey, con el uniforme de gala de capitán general del Ejército de Tierra

El retrato de la reina Letizia funciona por sí solo; el del rey, en cambio, cobra sentido como parte del díptico junto al de la reina. Al retrato del rey le falta el de la reina. El de la reina no necesita el del rey.

Así vistos, los retratos restan importancia al rey para ensalzar el glamour de la reina, una reina que por sí sola, no alcanzaría tal condición sino por la existencia del primero, pero que ha sido retratada concienzudamente, dotándola de mayor importancia que el propio rey.

Es un retrato oficial en el que la reina no parece una reina, sino una modelo o actriz preparada para la alfombra roja, una estrella de Hollywood o de cualquier festival de cine, desfile de moda o evento lúdico, pero no una reina.

El photoshop es más que evidente en ella: ojos abiertos y asustadizos, nariz chata, morritos de pose, postura artificial, chal al viento inexistente, la luz y la ambientación fantástica, de esas de película del bosque tenebroso…

El monarca es víctima del ambiente taciturno y recargado de la estancia elegida, repleta de muebles, haciendo de él una imagen poco amable y que no respira, al que casi le han cortado los pies (mucho mejor que la cabeza, claro) y en donde las normas estéticas brillan pero por su ausencia. El retrato del rey está mal encuadrado y da la sensación de que los siglos de tradición y representatividad le pesan, mientras que a la reina la iluminan y reviven.

Lecturas hay muchas que hacer en este sentido… Letizia es la luz de la monarquía, la frescura, el glamour… mientras que el rey está a oscuras, en una atmósfera cargada y en un encuadre de inestabilidad propio del cine de terror, exactamente igual a lo que vive la propia monarquía en España. Una revelación más que un retrato.

El rey no mira a cámara, no es banal, ni vanidoso, pese al cargo, huye de pompas y postureos que quedan bien claros confrontados con la mirada desafiante de su esposa, altiva y dominante, salvadora de la monarquía, castigadora, como dirían los castizos.

Ni el rey está todo lo guapo que es, ni se descubre su esencia y personalidad, su aplomo, jovialidad, la ilusión que pone día a día en la responsabilidad del cargo que ostenta.

El resultado final: las fotografías quieren parecer pinturas de monarcas de un siglo anterior, pero son fotografías. Imagino que para un fotógrafo, el peor piropo que le pueden hacer es que digan que su foto parece un cuadro. Pues por el amor de Dios, para eso, haces un cuadro.

Es pues un retrato de ella junto al rey, lejano de la tradición retratista española y de la representación de los ornamentos propios de su posición.

Es para otros, una obra de arte de calidad “indecible”. Pues por eso mismo, no lo diremos.

Una foto ampliada que ha perdido la oportunidad de convertirse en retrato real para ser una portada de moda que juega a ser una pintura.

Si será indecible, que algunos de los mejores fotógrafos actuales reniegan de la imagen y de los elogios que la exaltan como de la más pura inspiración velazqueña, destacando que la técnica de la fotógrafa ha empeorado respecto a cuando la hacía analógica, frente a la actual digital…

El retrato real es una sucesión de imágenes construidas con una finalidad política en las que nada escapa de la planificación, rigurosa, detallada, porque cada pincelada construye la imagen del monarca a través del arte por una secuencia de artistas escogidos, difundiendo su imagen e incluyendo sus inclinaciones personales e incluso la concepción de su papel ante la sociedad.

Por eso el resultado de esta efigie real construida en estas fotografías es la más irreal de todas. Los monarcas aparecen lejos de virtudes personales como la responsabilidad, el deber, la solidaridad, la amabilidad, la afectividad y la simpatía, que los vincula a conceptos como democracia, cultura, deporte o asistencia social, todo lo cual conecta con lo que buena parte de la sociedad espera de ellos.

En unos años, hemos pasado de las fotos de comunión que realizó García Rodero a los Reyes eméritos, a las fotos glamurosas de las estrellas de Leibovitz, todo fachada, pero ni un ápice de personalidad ni de psicología.

Hemos pasado por el retrato de Antonio López, tan criticado por su tardanza, tan esmerado por su concepción y significado, sin mencionar siquiera los de Hernán Cortés, Manolo Valdés, Ricardo Macarrón, Eduardo Arroyo, Carmen Laffón, Alberto Schommer, Francisco López Hernández, Julio López Hernández…

Pero es que hay vida más allá de todos ellos. No entiendo por qué no descubren el panorama maravilloso de artistas pintores y escultores que existe hoy en España que son capaces de dotar a sus obras de la fuerza y frescura de una disciplina que según vemos, está en declive más cada día gracias a este tipo de actuaciones basadas únicamente en la popularidad de sus autores más que en la calidad de sus trabajos.

Se me ocurren un montón de nombres de esos que todos los que vivimos en el mundo del arte conocemos, de retratistas actuales que continúan con la tradición del retrato, sublimándola: Manuel Díaz Meré, Ricardo Sanz, Golucho, Millán Sañudo, Eduardo Naranjo, Borja Buces, Miriam Escofet, Rodrigo Hurtado, Fernando García Monzón, Fernández Hurtado, Corella, Estudillo, Felipe Alonso, Santos Fontenla, Luis Pérez… y un largo etcétera que se están abriendo paso en el difícil mundo de la pintura y son reconocidos a nivel mundial.

En sus pinceles, el retrato contemporáneo actual encuentra una capacidad excepcional para captar los matices de la emoción, la identidad y la experiencia humanas, infundiendo a sus obras una profundidad y un significado excepcionales que no se limita a igualar el parecido físico, sino que transmiten el mundo interior del sujeto de forma casi poética, embarcando al espectador en un interesante viaje visual y emocional.

Sus obras son el reflejo de la más actual realidad social, ofreciendo además una visión convincente de la dinámica artística, cultural, social y psicológica del mundo moderno, de una España moderna.

Son los actores de una crónica visual de la experiencia artística, que recogen el testigo de la tradición española de tantos siglos y a la vez, capturan el espíritu de nuestro tiempo, ofreciendo una ventana única a la naturaleza polifacética de la sociedad contemporánea.

Cualquiera de sus retratos tiene la notable capacidad de suscitar el diálogo, la introspección y un profundo sentido de empatía, trascendiendo los límites de la expresión artística para convertirse en una poderosa iconografía sobre la condición humana.

Y es que la renovación de retratistas solo pone de manifiesto que esta disciplina sigue evolucionando y explorando diferentes facetas de la identidad y la humanidad, captadas a través de las maravillosas pinceladas de los genios actuales.

Y habiendo tantos y tan buenos… hemos tenido que recurrir una vez más a una fotógrafa, y además extraña.

Lo de sacar pecho y sentimiento patrio ya sé que no se estila, pero había que decirlo y bien alto lo declaro, en favor de los pintores, tantos y tan buenos, que tiene España.

Por Mª Dolores Barreda Pérez

Los Directores de la Gaceta de Bellas Artes

de la Asociación Española de Pintores y Escultores

César Fernández Ardavín

FERNANDEZ ARDAVIN, César     P   1910(N)    3.jul.1883     MADRID        MADRID    19.jun.1974

Socio de Honor

Pueblo, 1959

César Fernández Ardavín nació el 3 de julio de 1883, en el seno de una familia muy ligada al cine.

Su hermano Luis fue un escritor, cuyas obras se convertirían en películas, mientras que su hermano Eusebio, tocó casi todas las disciplinas cinematográficas, siendo conocido sobre todo por su faceta de director.

Además, su hijo César Fernández-Ardavín Ruiz, es también director y guionista de cine con varios e importantes premios a sus espaldas.

La familia veraneaba en Santander.

Los hermanos Fernández Ardavín se sintieron atraídos desde pequeños por el arte escénico y representaban obras de teatro en el estudio familiar, una litografía que había fundado su padre, Eusebio Fernández Mingo, a finales del siglo XIX, bajo el nombre de Litografía E. Fernández, y que con el tiempo, pasaría a ser conocida como Litografía Fernández o Vinfer Carteles Artísticos.

Fue precisamente César el que más atención dedicará a la empresa.

César Fernández Ardavín cursó estudios para ser profesor mercantil, simultaneando esta carrera con los estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, teniendo como profesores a los pintores y Socios Fundadores de la AEPE, Luis Menéndez Pidal y Cecilio Plá.

Desde muy joven comenzó a colaborar con su padre en el estudio litográfico familiar, pintando carteles de cine, circo, toros y variedades, muy en boga por aquella época.

El Sol, 1922

En su primera etapa de pintor, sus temas preferidos fueron los ambientes y tipos extraídos de la España del momento, destacando en sus cuadros los tonos oscuros, que evolucionarán después hacia los paisajes.

Además de óleos, realizará más de mil dibujos.

Como pintor, firmaba sus obras con su nombre, mientras que como cartelista lo hacía casi siempre como Vinfer, al considerarlo un arte menor.

En 1906 presentó tres cuadros a la Exposición Nacional de Bellas Artes, Su Ilustrísima, Una familia y Para la verbena, logrando la Tercera Medalla de Pintura.

En 1914 ilustró el libro de su hermano Luis, titulado “Espinas”, logrando buenas críticas por sus dibujos.

A la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1915 presentó la obra La copla española.

En 1916 participó en la Exposición de Panamá, junto con otros socios de la AEPE, en la que obtuvo la Medalla de Plata por la obra titulada “Sagrario”.

En marzo de 1917 realizó una exposición de obras en el Salón del Palace Hotel, junto al pintor Florensa y al grabador argentino Franco.

La prensa de la época publicó varias críticas acerca de la muestra en las que se podía leer …”hemos de felicitar al joven pintor, que une a su laboriosidad e inteligencia un gran acierto en la elección de modelos, pues todos los que presenta son dignos de las preferencias de un artista”.

Mozuela andaluza

Nubes

Retrato del Doctor Martín Calderín

Misticismo

Moza de Talavera

La copla española

Por esta época, sus dibujos y pinturas ilustraban con asiduidad las páginas de La Esfera, incluso sus portadas, además de otras publicaciones del momento.

En 1918 formó parte como Congresista de la Mesa de la Sección de Pintura del Congreso de Bellas Artes que organizó la Asociación de Pintores y Escultores.

En 1919 participó en la IV Exposición de Pintura, Escultura y Grabado que organizó la APE en Bilbao con las obras Ventolina y Cercedilla.

Envió los óleos Estrella y Retrato, a la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1920, logrando la Tercera Medalla.

En 1926 la Academia de Bellas Artes de Toledo le nombró académico correspondiente.

En julio de 1933, en la Gaceta de Bellas Artes, José Prados López escribía de él: …..”Fernández Ardavín tiene en su obra esa nota simpática de lo inédito y del trabajo silencioso. Nadie conoce su última fatiga ante el caballete. Se reserva, quizá, para mayores empresas en un futuro no lejano. Nosotros, que hemos visto parte de los cuadros, hemos aplaudido ese sello de mocedad que tienen sus telas, de alegre juventud que se despierta cada día con una duda. Sus cuadros trashuman fragancias y sutilezas; su manera, de hombre un poco desengañado por haber mirado mucho a la vida en silencio, se traduce en su obra casi siempre con un punto de amarga ironía que enseña alguna cosa. Tienen algo de parábolas estas telas hechas con la honradez y el deseo de querer decir algo importante. En algunas, la interrogación se agranda y se nos confunde. “La madre, el hijo y el mono” es de esos cuadros que nos hacen meditar y terminan poniéndonos tristes”…

Participó en la Exposición de Venecia de 1936.

El viejo filósofo

Calle de Calatayud

La madre, el hijo y el mono

En 1943 realizó una exposición de obras en los Salones Macarrón de Madrid, después de más de veinte años sin exponer, aunque sin dejar de pintar.

José Prados López escribía en el diario Pueblo: …“ha pintado por amor, por placer de alma, como un regalo que hacía a su espíritu, de alegría y divertimento… César ha convertido sus cuadros con afanes de íntimo regocijo, casi por egoísmo, por deseo de soledad y de aislamiento. Hombre solitario… sincero consigo mismo, buscó los temas de su agrado; los concibió sin prisas y sin alardes exhibitorios; los maduró; fue acostumbrándose a ellos en el silencio; los amó con sibaritismo; los creó, dándoles forma y llegando a los finales exhausto, con dolor y gozo de cuerpo y de alma, satisfaciendo el anhelo de sus ojos y de su corazón… En todos los cuadros de Ardavín hay un punto esencial de regusto sensualista que roza el espíritu… hasta tal punto que parece que en sus pinceladas se advierte la caricia de sus manos, que, con los pinceles, quedó en las telas como una huella luminosa… En esta exposición tiene figuras y paisajes… con el sello inconfundible de su amor a la naturaleza traducido también de modo sensual en verdes y grises, en rojos y azules, condicionados a su afán ampuloso de crear con originalidades y personalidad. Delicado de color, correcto de dibujo, buscando dificultades y resolviéndolas, Ardavín lucha por sujetar su voluntad al dominio español… acaso incomprendido, viviendo una vida interior de ansias infinitas… Pintor de concepciones, llenas por lo menos de intensidad de deseos, de humanidad caliente y vibrante es, sobre todo, el artista de la honradez y de la sinceridad, que busca el cumplimiento de su deber estético con disciplina de hierro y con exigencias, de tal fuerza que contrastan notablemente con las mentiras y trucos de muchos que se llaman maestros, aunque nadie lo crea”.

En 1944 llevó la exposición a Barcelona

En 1945 participó en la Exposición de Bellas Artes del Palacio de la Lonja de Palma de Mallorca, organizada por la AEPE.

Vivió en la calle Fuencarral, 157 de Madrid y en la calle Gonzalo de Córdoba.

En 1950 aparece en la prensa su deseo de debutar como realizados cinematográfico, llevando al plató la adaptación de “Del brazo y por la calle”, una comedia de Armando Mook, manteniendo el dúo protagonista formado por Ana Mariscal y Gerad Tichy, el gran tipo de “Neutralidad”. Sin embargo, al poco se anunciaba que no lo haría “por causas ajenas a la voluntad de la empresa”.

Falleció en Madrid, el 19 de junio de 1974.

Desnudo

Sor Clara

Tocas albas

Reinosa

Composición poética clásica

Andrea, la de Castilla

En 2020 la sala de exposiciones de la Biblioteca Regional de Madrid “Complejo el Águila”, realizó una exposición de carteles publicitarios del mundo del espectáculo, artistas del cine y del teatro y de las representaciones de variedades, de la Colección Fernández Ardavín, Vinfer, recientemente restaurada y digitalizada, disponibles en la Biblioteca Digital de Madrid.

En la misma, se contempla la obra de Fernández Ardavín como fundamental para entender la pintura social y costumbrista del cambio de siglo. Su arte, un realismo castizo que recuerda a Romero de Torres, refleja los ambientes y tipos de la España del momento sin grandes barroquismos ni dramatizaciones.

A raíz de esta muestra, César Fernández Ardavín es considerado como uno de los padres del cartelismo moderno en España, facturando desde sus inicios numerosos trabajos en la empresa familiar.

Retrato de mi hermana

En su primera etapa de pintor, sus temas preferidos son los ambientes y tipos extraídos de la España del momento.

Sus carteles dan testimonio de las primeras películas estrenadas en España y recogen eventos, fiestas, toros y temáticas sociales. Son testigos de una época y dan cuenta del excelente dibujante que hay tras el pintor madrileño.

En 2021 la Galería de arte contemporáneo José Lorenzo, de Santiago de Compostela, realizó una exposición de treinta y cinco obras inéditas a través de las que se recorre de forma antológica la producción más reseñable del artista a lo largo de la primera mitad del siglo XX. Obra variada en cuanto a soportes y procedimientos, con óleos sobre lienzo, dibujos, cartulinas y preparatorios para carteles.

César Fernández Ardavín y la AEPE

Diseñó el cartel de la exposición que sustituyó al Salón de Otoño de 1941.

Premio Jesús Aramburu del Salón de Otoño de 1959

Bibliotecario de la AEPE entre 1939 y 1942.

Contador de 1943 a 1969, cumpliendo 30 años como miembro de la Junta Directiva de la AEPE.

Primera Medalla del XXX Salón de Otoño de 1959.

Socio de Honor de la AEPE

Participó en las siguientes ediciones del Salón de Otoño:

XVI Salón de Otoño de 1942: Sol de otoño (Cercedilla), Majas de la risa y Devota de San Antonio

XVII Salón de Otoño de 1943: Gitanos del Albaicín, Casona de la Virgen y Viejo castillo castellano

XVIII Salón de Otoño de 1944: Viejo violinista y Abuelo y nieta

XXIV Salón de Otoño de 1950: Intimidad

XXX Salón de Otoño de 1959: En el día de San Antonio

XXXI Salón de Otoño de 1960: Orando

XXXIII Salón de Otoño de 1962: Calatayud y Madrileñas

XXXIV Salón de Otoño de 1963: Orgullo y Composición de poesía clásica

XXXV Salón de Otoño de 1964: Barrio de las eras, Plaza Mayor de Calatayud, Retrato y Dama antigua

Algunos carteles Vinfer

Por Mª Dolores Barreda Pérez

LAS PRIMERAS ARTISTAS DE LA

ASOCIACION ESPAÑOLA DE PINTORES Y ESCULTORES

Desde su fundación en 1910, y después de haber tratado en anteriores números a las Socias Fundadoras de la entidad, y las participantes en el primer Salón de Otoño, vamos a ir recuperando de la memoria colectiva, el nombre de las primeras socias que vinieron a formar parte de la Asociación de Pintores y Escultores.

Amparo Cruz Herrera 

CRUZ HERRERA, Amparo     P       1957      1926            MADRID        MADRID

Amparo Cruz Mayor nació en Madrid, el 4 de octubre de 1926.

Era la tercera hija del insigne pintor y también socio y Vicepresidente de Honor de la AEPE, José Cruz Herrera, académico de Bellas Artes de San Fernando y de Amparo Mayor de Miguel.

En memoria de su padre, firmaba sus óleos como Amparo Cruz Herrera.

En 1927 la familia residía en Casablanca, donde su padre abrió un estudio, pero a los dos años se trasladaron a París, regresando en 1938 a Casablanca.

Ya en 1949, la familia se establece en San Roque, Cádiz, compatibilizando así las estancias entre España y Marruecos.

Los constantes viajes de su familia le hicieron conocer los principales focos de la pintura europea, norteafricana y americana.

Sus estancias en París, Bruselas, Stach (Suiza), Casablanca y otras ciudades, enriquecieron su sensibilidad y la visión europeizada de sus obras.

Autodidacta, con la principal referencia de su padre como escuela, conoció y aprendió la técnica de los pintores impresionistas. Perfeccionó su propia pintura hasta conseguir este estilo tan temperamental y de gran sutileza.

Autorretrato de Amparo Cruz Herrera

Viajó por la India, Perú, México, Indonesia, Francia, Uruguay, China, Estados Unidos, Holanda, Bélgica, Turquía, Cuba… y demostró a través de su obra la luz, la belleza y el espíritu humano que sólo ella podía trasmitir con su mirada llena de sensibilidad y buena maestría.

Premiada en numerosas ocasiones, destacan la Primera Medalla de Paisaje y Premio Diputación de Madrid del XXX Salón de Otoño de 1959, la Segunda Medalla del XXIX Salón de Otoño, y Tercer Premio de Pintura en la XVII Exposición de Pintores de África, entre otros.

En 1957, con motivo de la exposición conjunta que con su padre celebró en el Salón Dardo de Madrid, la crítica resaltaba que …”Amparo es una pintora de grandes arrestos; discípula de su padre, ha heredado el crisol paternal y están bien armonizadas sus obras… donde expone bellos paisajes de Francia, que no se pueden mejorar porque Amparo Cruz Herrera Mayor es maestra en lo suyo, de estilo y técnica como la de su primogenitor, limpia y tan brillante como aquella: siente el color dentro de un espíritu emocional, que al admirar su obra queda uno embriagado de belleza y emoción”…

En el transcurso de su vida, pintó un cuadro a diario, aprovechando las mañanas, compaginándolo con la maternidad, pues la artista era madre de familia numerosa. Sus hijos Cristóbal, Pepe, José, Amparo, Pilar y Antonio deambulaban por el estudio jugando y curioseando la escena que la pintora planteaba.

En 1965 la editorial Publicaciones Españolas, publicaba una separata titulada “La España de cada provincia”, y en el número correspondiente a Ceuta y Melilla, y con el mismo título, aparece como autora.

La artista falleció el 26 de septiembre de 2013 en San Roque, Cádiz, a los 86 años tras sufrir un infarto.

La artista en dos instantáneas junto a su padre y otros amigos

Presentó sus obras en distintas exposiciones, entre las que podemos citar las realizadas en la Galerie Du Livre de Casablanca,  Galerie D’art Venise Cadre de Rabat, Sala Art-Hogar de Bilbao, Salón Dardo de Madrid, «Pintores de África», en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, Salón Eureka de Madrid, Casa de la Cultura de Cádiz, Casa de la Cultura de La Línea de la Concepción, Salones del Casino de Algeciras, Gran Hotel Victoria de Madrid, Galeria Merche de Casablanca, Sala Sacarello de Gibraltar, Sala Mackintosh de Gibraltar, Museo del Istmo de La Línea de la Concepción,  Galería Aleph de Madrid, Galería del Museo Cruz Herrera de La Línea de la Concepción, Salones del Círculo Mercantil de La Línea de la Concepción, Galerías Forum de Marbella, Galerías Forum de Estepona, Fundación Unicaja de Málaga, Colegio de Ingenieros Caminos de Barcelona, Galerie Veronese de Marruecos, Caja de Ahorros de Cádiz, Centro Cultural «La Victoria» de Sanlúcar de Barrameda…

En 2022 en San Roque, en el edificio Alcalde Fernando Palma, calle S.XX de San Roque, se inauguró la exposición titulada El Linaje del Color: Amparo Cruz Herrera, con 35 obras de Amparo más algunas obras de su padre.

La familia de Amparo Cruz Mayor donó al Ayuntamiento de San Roque, Cádiz, 30 cuadros de la artista, a los que se añaden otros tres de su padre, si bien uno de ellos solo en cesión temporal. Las obras se expondrán de manera permanente en instalaciones municipales junto a otras del insigne pintor linense que ya eran propiedad del Consistorio.

La temática de estas obras es muy variada. Predominan los retratos de personas y los paisajes norteafricanos, algún desnudo, escenas costumbristas españolas o retratos y paisajes más europeos.

La pintura de Amparo es básicamente impresionista, con un costumbrismo orientalista y sobre todo, demuestra ser una paisajista urbana en la que están impresas las huellas del tipismo de sus gentes y las ciudades.

Todo ello a través de la utilización del color, que transforma en luz, y de la luz del Mediterráneo y de Marruecos, que la cautivó lo mismo que años atrás hiciera con su padre.

 A través de su mirada sensible y su don para la pintura, plasmó la luz, la belleza y el espíritu humano.

Amigas árabes

Desnudas en el campo

Desnudo

Bodegón de liebre y pato

Bosque en ocres

Bosque en verdes

Calle de Fez

Rabino

El velo azul

El llanto

Entre frutas y flores

Fez

Fuente de pescado

Indonesia

Jamil

Jarrón con flores

Amparo Cruz Herrera y la AEPE

La artista participó en las siguientes ediciones del Salón de Otoño:

XXIX Salón de Otoño de 1957: Flores y Calle de Mequinez

XXX Salón de Otoño de 1959: Casablanca

XXXI Salón de Otoño de 1960: Niño con flores

XXXII Salón de Otoño de 1961: Casa de Strasbourgh

XXXIII Salón de Otoño de 1962: Perdices y Vortes (Francia)

XXXIX Salón de Otoño de 1968: Marraqués, Meknes y Flores

XL Salón de Otoño de 1969: Fiesta mora y Niño de la fruta

XLII Salón de Otoño de 1972

Medalla

Judío

Mantilla negra

La siega

Las tres amigas

Mohamed

Mujer con flores

Padre e hija

Parisino

Pequeña laguna

Pescadores

Retrato

Reunión de judíos

Vendedor de agua