Entrevista a Manolo Tabernero

Con motivo de su participación en la XIII Feria DEARTE Contemporáneo

 Por Mª Dolores Barreda Pérez

José Manuel Rodríguez Tabernero, Sevilla 1954. Su trayectoria profesional está relacionada con el mundo audiovisual, ha trabajado para numerosas productoras en la creación de largometrajes, tanto de animación como de imagen real, documentales, cabeceras para televisión, publicidad y diseño gráfico, en Madrid y Sevilla. Entre 1977 y 1987, forma parte de la plantilla de Moro Film Studios. Socio fundador de Avalancha estudio (1987-1989) y Respuesta Comunicación y Diseño (1989-1992).

Personalmente lleva a cabo diferentes trabajos audiovisuales y de ilustración, siendo habitual colaborador de las más prestigiosas agencias publicitarias, editoriales y compañías fonográficas.

Publicado en varias ediciones de El Libro de Oro de la Publicidad Española, Art Directors y ArtBook.

En 2003 decide dedicarse por entero a la pintura.

1989.- Premio del ICONA al documental “Meteorología e incendios forestales”, en colaboración con la productora  Apricot.

1989.- The best of World ilustrators and designers, gold medal award, Ilustration and design international Oakland.

1991.- Segundo premio internacional de ilustración promocional Konika.

2007.- Finalista en el XXII premio BMW de pintura.

2008.- Seleccionado por el Ministerio de Cultura para el proyecto “Ideas y propuestas para el arte en España “ARCO 0´8”.

2009.- Seleccionado por la Asociación española de pintores y escultores para la exposición de pequeño formato.

2010.-  Seleccionado para el V Salón de primavera “Por tierras de Castilla la Mancha”- Valdepeñas.

2011.- Primer premio en EMOCIONES ARTísticas Contemporáneas 2011. Centenario de la Asociación española de pintores y escultores.

2011.- Seleccionado para el 78 Salón de Otoño de Madrid.

2013.- Mención de honor en el 50 Certamen de Artes plásticas “San Isidro”, Tema madrileño de la Asociación Española de Pintores y Escultores.

2013.- Mención de honor en el Salón de Verano de Cuenca, Fundación Caja Castilla la Mancha.

2013. Finalista en el 28º Premio BMW de Pintura.

2013.- Trayectorias 83/13. Exposición individual retrospectiva en el Centro Cultural La Almona.

¿Qué supone para ti participar en la Feria DEARTE Contemporáneo? 

Una gran satisfacción, por la importancia de la Feria, y por encontrarme entre colegas y amigos, es la segunda vez que participo en una desde 2008 que lo hice en Arco, entonces fue para el proyecto del Ministerio de Cultura «Ideas y Propuestas para el Arte en España ARCO´08».

¿Por qué hacerlo bajo las siglas de la Asociación Española de Pintores y Escultores?  

Pertenezco a la Asociación Española de Pintores y Escultores desde hace unos años, es la más importante y veterana sociedad artística española, respaldada por una brillante trayectoria en la organización de talleres y eventos  desde hace más de un siglo.

¿Qué papel juegan en tu trayectoria las figuras de marchante, representante, galerista, e intermediaros en general? 

Personalmente no puedo opinar respecto a marchantes, galeristas, ni representantes, por lo menos entendidos como personas físicas, aunque en la red tenga página y obras en Artelista, Saatchi Gallery o Yuglo. En mi anterior etapa en el mundo audiovisual, la figura del intermediario podría ser la productora o agencia de turno, pero es diferente porque el trabajo se ciñe a las exigencias del cliente.

Terminas de clausurar una exposición retrospectiva en Dos Hermanas, ¿Cuál es tu balance de la muestra? 

Ha sido una muy grata experiencia, un gran equipo de profesionales, unas magníficas instalaciones, y un gran éxito con 3800 visitas.

Tu visión artística también está enfocada al diseño, ¿Qué es más importante, el color o las formas? 

Bueno, en realidad profesionalmente dejé el diseño en 2003, para dedicarme por entero a la pintura, en las décadas de los 80 y 90, se seguía haciendo todo a mano, éramos unos pocos los que teníamos el privilegio de dedicarnos a ello, en la actualidad gracias a las nuevas tecnologías, todo es más fácil e inmediato. Respondiendo a la pregunta, depende del caso lo imprescindible es la idea, el concepto.

Toda tu obra gira en torno a…. 

No tengo un estilo concreto, suelo hacer series, que  doy por finalizadas en algún momento, para dar paso a la siguiente, después de tantos años trabajando en lo audiovisual,  tengo la deformación de aburrirme si estoy mucho tiempo en la misma línea.

¿Qué te sirve de inspiración? 

Imprescindiblemente la música.

Próximo proyecto en marcha 

Hay varios, organizar y conseguir sponsors, para el Salón de la AEPE en Sevilla en 2015, repetir la retrospectiva «Trayectorias 83/13» ahora en Sevilla capital, colaborar en la realización de una baraja española de la AEPE, y unos cuantos cuadros para concursos.

¿Exposiciones, obras concretas? 

Me han invitado a participar en la Feria de Arte Contemporáneo de Tetuan, que organiza mi amigo Miguel Rodríguez Nuñez, que dentro de poco será un nuevo socio de la AEPE, pero tendía que sustituir un par de cuadros de mi exposición «Trayectorias 83/13», así que me lo estoy pensando.

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Entrevista a Juan de la Cruz Pallarés

Con motivo de su participación en la XIII Feria DEARTE Contemporáneo

Por Mª Dolores Barreda Pérez

Lorca (Murcia) ,1955. Estudios de  Bellas Artes y Restauración en E.S. BBAA.  “San Carlos” (Valencia). Licenciado en Derecho por la UCM. Máster en Práctica Jurídica Titulado Superior de la AGE. Miembro de la Asociación Española de Pintores y Escultores.

Ha realizado múltiples exposiciones en su Lorca natal, Benalmádena, en diversos centros del Ayuntamiento de Madrid, Aguilas, San Martín de Valdeiglesias, Caja de Ahorros de San Fernando de Sevilla, en Valencia,… y su obra ha sido seleccionada en distintas ediciones del Salón de Otoño, premio BMW,…

¿Qué supone para ti participar en la Feria DEARTE Contemporáneo?

Pues mira, para ser franco supone una satisfacción grande porque casi todos los que  tienen relación con la cultura y sus manifestaciones a través de exposiciones, muestras, ferias, etc., saben que ésta es una de las más relevantes.

¿Por qué hacerlo bajo las siglas de la Asociación Española de Pintores y Escultores?

La AEPE es hoy una muy buena tarjeta de presentación. Desde hace algún tiempo se está llevando a término por parte de esta Institución, la conexión con las mejores y principales manifestaciones artísticas, incluso a nivel internacional, materializando proyectos desconocidos hasta ahora, y esto influye de manera determinante para que los socios, y yo lo soy, nos encontremos estimulados y perfectamente amparados.

¿Qué papel juegan en tu trayectoria las figuras de marchante, representante, galerista, e intermediaros en general?

Juegan un papel necesario y también diría fundamental, si se pretende que una obra salga del taller o estudio para ser conocida por el público en general. Sin embargo hoy son muy discutidas las relaciones con el artista y las condiciones contractuales, por cuestiones que van desde las económicas hasta las jurídicas, pasando lógicamente por las comerciales

Tu obra no se parece a ninguna otra, sin embargo, como todos los artistas, en algún momento de tu vida has tenido que sentirte identificado con algún artista en particular…..

Siempre he admirado y siempre intento aprender de otros. Al principio se copia o imita, después vas buscando formas expresivas que se van integrando en tu concepción de lo estético y finalmente intentas identificarte a ti mismo en un largo camino que solo finaliza cuando la incapacidad se impone a la voluntad.

Acabas de clausurar una exposición de tus últimos trabajos, que ha tenido lugar en Lorca, tu ciudad natal, ¿Qué balance haces de la misma?

Dadas las circunstancias de espacio, tiempo y lugar, considero muy positiva la experiencia. Porque cada exposición, es una experiencia, además de una aventura.

¿Te consideras profeta en tu tierra?

Para nada, y no tengo ninguna pretensión de serlo. Me gustan los reconocimientos serenos, realizar los trabajos lo mejor posible, y no angustiarse por los “triunfos”  rápidos. A los que lleguen, felicidades; a los que no, también.

Después de tanta actividad, próximo proyecto en marcha.¿Exposiciones, obras concretas?

Como socio de la AEPE, seguiré intentando participar en los numerosos proyectos que están previstos para este año 2014, algunos de los cuales son muy ambiciosos. Por lo demás, imagino que como la mayoría de mis colegas, seguir buceando por los fondos del espíritu a ver qué cosas nuevas aparecen…

Juan de la cruz pallarés

Entrevista a Alejandro Aguilar Soria

Con motivo de su participación en la XIII Feria DEARTE Contemporáneo

Por Mª Dolores Barreda Pérez

Nacido en Madrid en 1962, Alejandro Aguilar Soria es licenciado en Bellas Artes con Pintura como especialidad, por la Universidad Complutense de Madrid. Pero además ha cursado estudios de Relaciones Públicas y Publicidad, y de Arquitectura de Interiores; en la actualidad dirige el Estudio LARSO de Arte Contemporáneo en Madrid, es Vicepresidente de la Asociación Española de Pintores y Escultores y miembro de la Academia Libre de Artes y Letras de San Antón.

Su trabajo abarca un amplio espectro de formas expresivas: Fotografía, Instalación, Dibujo, Poesía Visual, Grabado, pero sobre todo la Pintura ocupa la mayor parte de su producción. El eje temático que unifica su trabajo, son los Símbolos, Signos y Pictogramas, y su interrelación con entornos propios e imaginados.

En cuanto a exhibiciones individuales, cabe destacar “Damas Nobles” en el Centro Conect@ (Madrid, 2013), “Mapas Iconográficos” en el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla-la Mancha (Hellín. Albacete, 2009), “Icônes” en la Galería D´Art du Rhône (Genève. Suisse, 2005), “Juegos” en el Banking Credit Suisse (Madrid, 2001), “Exp. Multimedia” en la Fundación C.M. (Madrid, 2000),”Fractales” en la Galería Elvira Carreras (Madrid,1998), “Pictogramas” en la Galería Laberinto (Granada,1995), “Encuentros” en el Museo del Arsenal (San Juan de Puerto Rico, 1984), entre otras exposiciones.

La Obra de Aguilar Soria se encuentra en un amplio número de colecciones privadas e importantes  instituciones culturales y sus trabajos se han expuesto en lugares como: Museo de Las Escuelas de Luzón, ITIMUSEUM en Argentina, Fundación Volpestessens de Buenos Aires, Museo Manege de Arte Moderno de San Petersburgo, Sharjah Art Museum  de United Arab Emirates, Biblioteca Nacional de Madrid, Fundación Enzo Marini de Bolonia, Circulo de Bellas Artes de Madrid, Museo de Artes Decorativas de Madrid; obteniendo menciones y premios en certámenes y muestras.

¿Qué supone para ti participar en la Feria DEARTE Contemporáneo?

Supone formar parte un escaparate inmejorable en donde mostrar mi obra y me permite además conocer a otros artistas que quieren introducir como yo su trabajo dentro del mercado del arte.

¿Por qué hacerlo bajo las siglas de la Asociación Española de Pintores y Escultores?

La AEPE aglutina muchas ventajas para un artista y acudir a ferias es una de ellas y me permite acceder a espacios expositivos que de otra forma sería más lento, complicado y caro.

¿Qué papel juegan en tu trayectoria las figuras de marchante, representante, galerista, e intermediaros en general?

Creo que los agentes del mundo del arte son imprescindibles y nacen a la vez que el artista, están directamente relacionados con nosotros y sin ellos nuestro trabajo no llegaría al público. Un artista sin escaparate no existe…

Me consta que eres demasiado modesto, humilde y desinteresado cuando se trata de ti mismo, pero ¿eres consciente de que así te será más difícil promocionarte?

Sí, pero es mi forma de ser e intento reeducarme. Creo que la verdadera promoción de un artista es la calidad de su obra.

Tus cuadros, esculturas, tu obra y todo lo que lleva tu firma resulta algo impactante por original y a la vez enigmático. Mezclas figuras humanas, animales, plantas o quizás… seres extraterrestres. ¿Te preocupa que tu arte se vincule con lo irracional y no sea entendido por la mayoría?

Cuando el arte se aleja de una simple representación del natural, siempre es asimilado sólo por minorías y estas, poco a poco, se extienden ,como virus, a otras, creando tu propio público.

Cuando creas alguna obra, ¿lo haces de una forma instintiva o racional?

Creo que la idea es instintiva y la forma final, racional…..

Muchos dicen que para ser considerado un artista actual, más que contemporáneo debe ser clasificado como vanguardista…

Las vanguardias es un termino del siglo pasado y con el acabaron. Creo que contemporáneo es un término que siempre acompaña al creador en toda época.

Próximo proyecto en marcha ¿Exposiciones, obras concretas?

Estoy terminando una colección de diez libros de artista con los que voy a participar en la próxima Feria Masquelibros, que se celebra en Madrid en el mes de junio, representando también a la Asociación Española de Pintores y Escultores. Además estoy ultimando los diseños para una exposición  de joyas y sigo con mis cuadros…

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Entrevista a Antonio Zarco

Por Mª Dolores Barreda Pérez

Antonio Zarco pasó de la Escuela de Artes y Oficios de Madrid a la de Bellas Artes de San Fernando, y en 1960, gracias a una beca de la Fundación Juan March, viaja a Venecia, donde estudia la técnica del fresco con Bruno Saetti. Al año siguiente obtiene el Gran Premio de Roma. Alterna estas estancias con continuos viajes por toda Europa, enriquecedores del color y los empastes de su pintura.

Ya en España, trabaja con óleos y frescos, retrata parajes condenados a desaparecer, a medio camino entre lo urbano y lo rural, se inicia en la docencia y comienza su producción gráfica, con aguafuertes, como los que ilustran La Busca, de 1977, o lino-xilografías, como las que ilustran textos de Cervantes, del mismo año.

En la década de 1980 introduce elementos fantásticos en su obra, como la yuxtaposición de imágenes o los planos forzados. Sus paisajes se abstraen mediante el uso de colores discordantes, bajo un tamiz suave, gastado, en una evolución que continúa hasta la actualidad.

Artista polifacético, profesor en la Facultad de Bellas Artes de Madrid, galardonado por sus obras en la Fundación Rodríguez Acosta, en el BMW, Gubbio (Italia), Grabadores de Madrid, Cámara de Comercio de Madrid, Bienal de Alejandría, Círculo 2,…

Su obra es una pura reflexión y tensión pictórica entre la figuración y la abstracción, y aunque es un gran artista del paisaje, la figura humana es otra de sus temáticas más repetidas.

Cotizado grabador, ha realizado grandes series como la de la obra cervantina “Rinconete y Cortadillo” o “Dolores la escandalosa”, de la novela de Pío Baroja “La Busca”, retratos en grabado sobre Cervantes y Pío Baroja, con especial mención a la técnica de la punta seca, con la que trabaja muy a menudo.

La docencia es una actividad que le satisface por el deseo de transmitir a los alumnos todos los conocimientos y avances logrados en la Pintura.

Nos recibe contento, alegre, en su casa-estudio de Madrid. Se le ve feliz. Nos confiesa que ha estado algo delicado de salud, pero que estaba esperando nuestra visita con ilusión y se le nota en la amplia sonrisa y la deferencia al acogernos tan entrañablemente y abrirnos de par en par lo más privado de su vida y de su obra.

Una hermosa y céntrica calle de la capital en la que se guardan recuerdos de toda una vida, atesorados con cariño y mimo y en la que algunas de sus obras de juventud nos dan la bienvenida y nos deleitan con las explicaciones de los cuadros, de las modelos de la época, del color y la luz, de la forma y la materia que inundaban todas sus creaciones más tempranas.

Nos enseña su casa y nos abre su corazón. Nos cuenta sus últimos proyectos, una magna biografía que sobre él está realizando un buen amigo, una grandiosa exposición retrospectiva que quiere preparar y se toma con calma, y una escultura cuya maqueta blande con brazo firme y mirada soñadora…

Y nos deja curiosear por el luminoso estudio repleto de mesas llenas de grabados, modernos artefactos con los que graba, trozos de metacrilato, caballetes, lienzos y una amplia zona de descanso desde la que poder tener una hermosa perspectiva de toda su vida y de su creación.

Allí sentados, tranquilos y en un ambiente realmente inspirador, charlamos con Antonio Zarco y nos hace algunas confesiones que podríamos denominar como “políticamente incorrectas”… pero que desde su maestría y dominio se puede permitir, y más a estas alturas de la vida, en las que no quiere ya callar nada.

Unas paletas colgadas tras de él me dan pie a comenzar la charla:

Las paletas dicen mucho de un pintor

Antonio Zarco: Dicen del pintor del color y sobre todo dicen del gesto de la mano, que es muy importante. Un pintor cuyo gesto de la mano no se vea, para mi no es pintor; por ejemplo, Dalí, a mí me parece un hombre con una gran imaginación, con un gran sentido de lo fantástico… pero no es pintor pintor…  el pintor tiene que tener en cada centímetro cuadrado del cuadro valor plástico, valor de ejecución, valor de dicción, valor de color, de materia, y eso en Dali, como te digo, es como hule….

Es decir, que crees en la mancha, en el cuerpo, en la textura….

A.Z.: Y en la materia, en el color y en la forma, la forma es importantísima… sin forma no hay nada. Además es que en realidad, todo objeto que nosotros podemos percibir por los sentidos, verlo,… sobre todo esto de que entre primero por la vista, se nos olvida mucho, porque la pintura es para verse, no para decirse, hablamos demasiado de la pintura y lo que hay que hacer es verla.

Yo creo que lo primero que hay que hacer es sentirla, más que hablar de ella, pensar qué te transmite, si te sobrecoge…

A.Z.: La pintura en el fondo sólo es forma, color y materia, y se acabó.

Y ¿qué predomina en una obra de Antonio Zarco?

A.Z.: Yo diría que las tres cosas… he conseguido, un poco las tres, he logrado mi pequeño equilibrio… Esto empieza con los venecianos que son los que descubren… ahora el Greco nos lo está mostrando, que la pintura según la entendieron ellos y según se está demostrando después, no es un dibujo que se rellena de color, que era lo que hacían los romanos y florentinos, sino una forma que se crea con la mancha, la mancha es más grande o más pequeña y lleva la materia, el color y la forma.

No hay pues un rasgo distintivo de tu obra….

A.Z.: A mi me preocupa mucho el espacio, tanto el espacio plano del cuadro, la bidimensionalidad, como el espacio que finge el cuadro, que es la tercera dimensión, y que es una ficción, porque no tiene más que dos, la realidad de un cuadro no tiene más que dos, pero esos dos sentidos del espacio, el espacio como plano y el espacio como tercera dimensión y como profundidad, es algo que a mi me preocupa mucho.

¿Sueles bocetar la obra antes de empezar con el óleo?

A.Z.: Muy poco, en cuanto tengo la idea clara me pongo a hacer rayas en el cuadro y me pongo a pintar sin más.

Y va saliendo todo solo….

A.Z.: Si, y además retoco muy poco en el momento, aunque me gusta al cabo de los años tocar algo de un cuadro, eso no me importa hacerlo… lo estudio y no me cuesta ponerme a ello…

Entonces nunca consideras acabada una obra….

A.Z.: Claro, porque podrías quitar y poner cosas…

Pero ya sería otra obra, no la original

A.Z.: Si, sí… pero cuando algo así me surge, lo que hago es que en lugar de retocar toda la obra completa, pues cojo un trozo de esa obra y hago otro cuadro.

Un cuadro de otro cuadro…

A.Z.: Si, efectivamente. Es un proceso de trabajo que todos los cuadros tienen… además hay, y por lógica tiene que haber, una buena relación entre todos ellos, ya que proceden de la misma  veta, por así decirlo, y eso creo que les da una unidad.

Con lo difícil que es utilizar en un cuadro el verde compuesto casi puro, ¿por qué lo usas casi como referencia en algunos de tus cuadros?

A.Z.:  Porque me gusta mucho el verde

Sí, pero es un color difícil…

A.Z.: Es muy difícil de manejar, pero a mi siempre me ha gustado meter el verde y en mis obras aguanta bien porque está con los rojos, que se complementan y aguantan bien en las obras; y me gusta rodearlos de azules, que da unos acordes muy difíciles; muy poco frecuente ver los verdes y azules juntos…

La importancia del color es evidente en tus cuadros, pero cuando son trabajos en papel, grabados, ¿cómo transmites esas gamas en los soportes?

A.Z.: Es que en los grabados al no haber color solo hay tonos, hay valores: del claro al oscuro y de línea a masa. El grabado funciona con esos cuatro elementos, claro, oscuro, línea y masa.

Eres un gran grabador y tienes además mucha obra, pero ¿has grabado alguna vez alguno de tus cuadros?

A.Z.: Pues la verdad es que no lo he hecho nunca, ahora que lo pienso es verdad, no lo he hecho nunca, pero es que creo que los grabados son grabados y los cuadros son eso, cuadros, pero es que el grabado es otro mundo…

Y eres un excelente dibujante…

A.Z.: El dibujo me gusta, me gusta mucho, hay que dibujar mucho… el dibujo es la estructura, es el esqueleto de un cuadro, es la base, es la forma… si coges una sonata de Beethoven, verás que está formalmente repartida en tres o cuatro elementos, depende a veces, y cada elemento tiene un carácter y por lo tanto tiene un ritmo distinto; las melodías pueden repetirse, pero el ritmo las cambia… y eso es todo el proceso; así se demuestra que la forma es importantísima… y mal músico es el que toca una melodía continuamente, una detrás de otra y se acabó.

¿Como ves las nuevas tecnologías aplicadas al mundo del arte?

A.Z.:  Muy interesantes.

¿Tanto como para utilizarlas?

A.Z.: Si, por supuesto, los últimos grabados que he hecho están hechos sobre metacrilato y usando aparatos eléctricos, no sólo de forma manual, sino que uso un percutor, porque dan otra cosa, es un lenguaje distinto, una herramienta distinta y por lo tanto, le da una fuerza a la obra, y una contundencia que de otra manera no tendría. Lo que no soporto son las cosas mecanizadas. Por ejemplo: Warhol para mi es una puñetera mierda… (ríe despreocupado ante lo que acaba de decir)… eso para mi no tiene nada que ver con la pintura, nada… es coger un tebeo y hacerlo en dos metros por dos… eso es un proceso puramente mecánico, pero nada más… ahí no hay ninguna invención… y si con eso quieres decir que el mundo está mecanizado pues habrá que decir que socialmente ha acertado, pero estéticamente no… yo creo que la gente está hecha un lío en este sentido.

¿Como ves a la actual Asociación Española de Pintores y Escultores?

A.Z.: Pues con alegría, la veo muy, muy distinta a la que yo conocí cuando era jovencito… muy distinta, mucho, a la de hace tan solo unos años y con muchas posibilidades y muy buenas perspectivas de futuro… lo que tenéis que hacer es ampliar el escaparate y decirle al que tenga ganas de trabajar y presentarse a los concursos que hacéis: mira, además de eso que tú sabes hacer, que te gusta, porque lo sabes, existen otras muchas cosas que también puedes hacer, y si las quieres, las haces, porque se pueden hacer…

¿El diseño por ordenador, por ejemplo?

A.Z.: No, no, no… el ordenador es esto (señala a su cabeza), este es el mejor ordenador que tenemos.

¿Qué tiene que tener un pintor, ante todo?

A.Z.: Ante todo y por encima de todo, sensibilidad. El pintor, el escultor, el arquitecto, el músico, el literato, todos ellos deben de tener sensibilidad; ¿qué es sensibilidad? Pues si yo lo supiera sería un genio, aunque intuyo que es una especie de posibilidad de descubrir en la realidad lo que otros no descubren… o de vibrar ante una cosa que la realidad tiene y que los demás no perciben.

Y eso no se aprende…

A.Z.: Eso no se aprende, eso se tiene o no se tiene… Hay una cosa interesantísima que es la palabra cultura, esta palabra viene de cultivo, o cultivo viene de cultura, son similares, pero tu no puedes cultivar un campo que no tienes… si tienes un campo y lo cultivas y abonas, pues entonces te dará fruto, pero si no tienes sensibilidad, que en este caso es el campo, pues ya puedes hacer todas las diabluras que quieras y tener una mano maravillosa y una máquina que hace de todo… pero aquello estará falto de algo importantísimo que no sabemos en qué consiste, pero que se nota cuándo está y cuándo no, y ya está.

El arte actual adolece de….

A.Z.: Yo creo que el arte ha dado la espalda demasiado a la vida, de una manera brusca y además innecesaria, a lo que llamamos el mundo humano, al ser humano, a los valores. Mi tesis doctoral se titulaba “Arte, vida y sociedad: por un nuevo humanismo”, que es lo que yo veo que se ha perdido. Hay una frase del filósofo griego Protágoras, del siglo V a.C. que dice: “El hombre es la medida de todas las cosas”… y eso es lo que creo yo que se ha perdido… hemos deshumanizado toda nuestra actividad, no sólo el arte, la hemos tecnificado, y hemos caído de bruces, y de pies y manos, en los brazos de la técnica, y la técnica es sólo un proceso y un medio, pero no el fin.

El futuro del arte lo ves…

A.Z.: No lo veo con retornos, porque nunca se vuelve, pero sí reencuentros con ese camino. Esos son los dos caminos que van paralelos: uno de los cuales parece que se rompe o se deshace, o se hace subterráneo, y al cabo de 200 metros aparece, pues eso nos está ocurriendo ahora… Yo creo que va a ser así.

El futuro inmediato de Antonio Zarco es…

A.Z.: Una retrospectiva sería mi último gran sueño…

Un adolescente que estrena zapatos es el que me está contando su último gran sueño… queda mucho aún por descubrir del maestro Zarco.

Antonio Zarco y Mª Dolores Barreda Pérez

Entrevista a José Gabriel Astudillo

Con motivo de su participación en la XIII Feria DEARTE Contemporáneo

Por Mª Dolores Barreda Pérez

Nacido en Madrid, en 1953, este Pintor, profesor de Dibujo y de Historia del Arte es Master en Museología, estudios de post-grado, por la Southern Mississippi University (Institution of Spain), y tiene distintas especialidades de restauración de pintura y escultura por la Escuela de Arte y Antigüedades de Madrid.

Director de la Galería de Arte “El Círculo de Tiza”, desde sus inicios ejerce también una labor de promotor cultural y comisario de exposiciones.

Pintor de numerosas intervenciones artísticas en iglesias españolas, cartelista de distintos acontecimientos repartidos por toda la geografía nacional, retratista acreditado, restaurador de innumerables obras pictóricas y escultóricas, su obra está presente en innumerables producciones cinematográficas y televisivas.

Su pintura se caracteriza por la pureza de las formas y el color como herramienta.

Desde el año 1980, fecha de su primera exposición, ha participado en varias muestras colectivas en toda España y, de forma individual y continuada, ha expuesto en diferentes ciudades de Castilla, Andalucía y Madrid.

Entre los premios y distinciones recibidos caben destacar la Medalla “Eclessia et Pontífice” 2007, concedida por Su Santidad el Papa Benedicto XVI, el Premio Nacional de Artes Plásticas 1994 a la gestión cultural y promoción de las artes de la Revista “Correo del Arte”, la Medalla de Oro de la ciudad de Niza 1990.

Es además, Socio de Honor de la Asociación Española de Pintores y Escultores, Socio de Honor de la Asociación Nacional de Acuarelistas, Socio de Honor de la Asociación Nacional de Belenistas, Socio de Honor del Ateneo Madrileñista, Socio de Honor de la Asociación Nacional de Críticos de Arte, etc…

Ejerce también labores de comisariado en exposiciones como la antológica de Juan Barba, de Eduardo Naranjo, Cristóbal Toral, Evaristo Guerra, Santiago de Santiago, Serafín Rojo, y es llamado asiduamente como Jurado en Premios Nacionales e Internacionales, como el Art Jonction International de Niza, de la Cátedra Goya de la misma ciudad.

Realiza una intensa tarea cultural de promoción del mundo de las bellas artes, presentando importantes exposiciones.

De la numerosa Bibliografía en la que aparece destacaríamos la “Historia de la Asociación Española de Pintores y Escultores (1910-1993)”, de Fernando de Marta Sebastián. Madrid, 1994, “De Madrid al cuplé. Una crónica cantada”, de Olga María Ramírez Ramos. Ediciones La Librería. Madrid, 2001, “Varas y bastones de la Villa de Madrid”, de Ángel del Río. Editorial Temas de Hoy. Madrid, 1994, “Cuentos del Retiro”, de Ángel del Río. Ayuntamiento de Madrid, 1990, y su última producción cinematográfica, “Las Cajas Españolas”, de Alberto Porlan, en la que colabora con distintos bocetos y dibujos, además de otras producciones televisivas como series y telenovelas de producción española.

Desde el año 2008 hasta 2012 ha sido Presidente de la Academia Libre de Arte y Letras de San Antón, y actualmente es el Presidente de la Asociación Española de Pintores y Escultores.

Para José Gabriel Astudillo la originalidad es sinónimo de creatividad. Se convierte además en parte y motivo, y reconoce que implicarse es conocer; participar es ser activo, conocedor y crítico. Por eso ha sido una gran sorpresa para los críticos, su participación en esta Feria con obras realmente vanguardistas.

¿Qué supone para ti participar en la Feria DEARTE Contemporáneo?

Es un gran privilegio haber sido aceptado en la selección que se realiza, y saber que estás en la tercera Feria más importante de las que se celebran en la actualidad.

¿Por qué hacerlo bajo las siglas de la Asociación Española de Pintores y Escultores?

Ante todo es una gran oportunidad como artista y una excelente forma de promoción como entidad, y la fórmula de unir ambas aportaciones está resultando muy interesante. El prestigio de la AEPE juega a favor de los que participamos y a su vez los artistas, llevamos muy a gala pertenecer a una institución centenaria.

¿Qué papel juegan en tu trayectoria las figuras de marchante, representante, galerista, e intermediaros en general?

Sin lugar a dudas su papel es fundamental, y más en este tipo de ferias; sin su concurrencia y su crítica, sin su revisión, un artista jamás podría llegar a despuntar ni a ser tenido en cuenta por la comunidad artística.

¿Cómo te defines?

Soy un pintor clásico, de los de dibujo previo y casi de la vieja escuela, pero me encanta la innovación y la aportación de las nuevas tecnologías y las nuevas formas de hacer arte actual, es muy de la calle, y eso significa estar vivo, hacer algo actual, atrevido, novedoso….

¿Por qué obras intervenidas?

Como te digo, soy clásico, pinto preferiblemente al óleo, me encanta el olor del aguarrás, pero sobre la base clásica, me encanta introducir nuevas formas, materias y ver que en su conjunto, forman un todo muy coherente y que además tienen un mensaje y un contenido explícito mucho más allá del puramente visual,… es algo casi, casi, mágico.

¿Como artista estás asumiendo un compromiso social como comunicador?

Si, es algo así como intentar llamar la atención de otra forma pero a través del arte, es intentar llegar a todo tipo de gente, a cualquier espectador que mire con “ojos algo más que curiosos” y se pregunte y lea, entre líneas, el mensaje que quiero lanzar… con eso me conformo.

¿El arte debe ser para el uso del público?

Por supuesto, el arte no se entendería realmente si no hay un espectador… creo que todos los artistas trabajamos pensando en quienes van a ver nuestra obra, y en lo que pensaran y cómo lo verán y analizarán,… sin público no sería nada igual.

Próximo proyecto en marcha

Muchos, y poco espaciados en el tiempo,… quiero participar en un importante certamen llamado “Grecontemporáneo” que se celebrará en Toledo, con motivo del centenario de El Greco, en octubre; pero antes tengo otra exposición en el Museo de Arte Contemporáneo Florencio de la Fuente, y varios certámenes más en los que intentaré estar.

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http://www.xtrart.es/2014/05/19/jose-gabriel-astudillo-el-arte-no-se-entenderia-si-no-hay-un-espectador/

 Greco con greca

Entrevista en exclusiva a Javier Sierra

Por Mª Dolores Barreda Pérez

El pasado mes de marzo la Asociación Española de Pintores y Escultores tuvo el privilegio de acoger en su sede madrileña al escritor y periodista Javier Sierra, quien presentó su último libro “El maestro del Prado” a un público especializado compuesto principalmente por artistas. Con este motivo, tuve la oportunidad de entrevistarle y conocer un poco más acerca de sus inquietudes y su trabajo.

javier sierra y mª dolores barreda pérez bien

Javier Sierra además de su faceta conocida, es un artista de vocación temprana que realizaba bocetos y dibujos en su Teruel natal, inspiración profunda del medioevo que con toda seguridad acrecentó esa imaginación desbordante y esa innata curiosidad que es la principal cualidad que rige toda su vida.

De oficio: curioso. Esa sería una definición perfecta para una persona de gran sensibilidad y tremendo olfato creativo. Un artista más, que escribe con la pluma lo que otros retratan con pinceles; artista de la palabra que conmueve a millones de lectores de todo el mundo, con historias sobre lienzos y cuadros por los que aún se siente sorprendido al descubrir esos pequeños detalles en los que nadie antes había reparado.

Al igual que los artistas, que la imagen tan bohemia que tenemos de muchos artistas, prefiere la noche para escribir y trabajar en la “hora bruja”, donde sin lugar a dudas las musas de todos los cielos y todos los olimpos y religiones, le susurran y aletean y le plantean nuevas preguntas e interrogantes y le llevan a nuevas teorías y viejas tradiciones.

Como buen Leo, con ascendente géminis, defiende sus creencias extremas, heterodoxas, el mundo de lo oculto, lo mágico o lo sobrenatural y sobre todo, su estudio y divulgación con rigor, esfuerzo por el que podría compararse con el León de Nemea, cuya muerte reflejara Francisco de Zurbarán en uno de los cuadros sobre los trabajos de Hércules que podemos observar también en el Museo del Prado.

La paternidad le cambió la vida. Pero es que es eso de lo que habla en cada libro, en cada ensayo, en cada artículo y estudio, de la vida y de su fe en esta y en otras vidas y en que el pasado, tanto como el presente y el futuro, está lleno de misterios aún sin resolver esperando una mirada curiosa y humana que nos de algunas pistas para disfrutar de nuestro particular “encuentro en la tercera fase”.

Esta es una entrevista en exclusiva para los socios y lectores de la Gaceta de las Bellas Artes, así que antes de nada, ¿Cómo conociste a la Asociación Española de Pintores y Escultores?

Javier Sierra: Fue un encuentro providencial, y nunca mejor dicho. Hacía unas semanas que había publicado mi libro “El maestro del Prado” y barruntaba ya explorar vidas y obras de autores más modernos cuando en una cafetería, sin previo aviso, me saludaron tres de los miembros de la Junta directiva y me hablaron de AEPE y de su centenaria historia. Quedé fascinado por la “casualidad”. En ese momento supe que acababa de nacer una amistad.

¿Qué referencias tienes de ella?

J.S.: Todo lo que desde aquel encuentro he sabido de AEPE me ha interesado. La voluntad de sus notables fundadores, su boletín, sus heroicos esfuerzos por defender las bellas artes ante el empuje de disciplinas tan revolucionarias como lo fue la fotografía… Todo, como digo, me ha interesado y me cautiva.

Como estudioso del mundo del arte, ¿qué impresión te causa una entidad centenaria como la nuestra?

J.S.: Que se trata de una institución necesaria. Primero, porque fue fundada por la iniciativa particular de un grupo de artistas que conocían la fragilidad de su profesión y la necesidad de unirse para reivindicar el valor de su obra. Y segundo, para defenderse en un país cuyos sucesivos gobiernos siguen sin apostar por la Cultura. Basta echar un vistazo a cómo Alemania, Francia o Reino Unido tratan a los creadores y al mundo de la cultura en general y compararlo con lo que sucede en España para echarse a llorar. Y contra esa indiferencia de quienes tienen la misión de cuidar de nosotros y de lo que somos, instituciones como la AEPE tienen gran valor.

Esta ha tenido que ser una charla especial para ti, el público estaba compuesto por pintores, copistas del Prado, restauradores, críticos de arte,… ¿Cómo quisiste presentarles tu novela?  

J.S.: En 2013 presenté “El maestro del Prado” en más de sesenta oportunidades y en ninguna me sentí tan inquieto como en la que compartimos en vuestra sede. Iba a hablar del proceso creativo y de las inquietudes profundas del mismo ante personas que juegan con él a diario. Fue una gran responsabilidad pero, a la vez, una oportunidad única de compartir impresiones sobre lo mucho que nos acerca el arte a nuestro lado más divino, trascedente. A fin de cuentas dar a luz mundos nuevos con el pincel, la letra, la materia moldeable o el pentagrama es convertirnos por un momento en pequeños “dioses”.

Ellos pintan una escena y tu narras esa historia, creo que te podemos considerar un artista…

J.S.: Creador, desde luego.

¿Estás seguro de que todos los cuadros tienen detrás alguna historia?

J.S.: Hasta el más abstracto de ellos la tiene. Detrás de una obra de arte se esconde la motivación psicológica profunda que ha llevado a su creador a sacársela de sus entrañas. Lo que sucede es que pocas veces los que la contemplamos nos preguntamos por ella y, en consecuencia, nos perdemos una parte importante de su significado.

¿Qué crees que nos atrae tanto de esas historias, conocer un poco mejor al artista o simplemente la imaginación de su genio creador?

J.S.: Desvelando las historias que se esconden detrás de ciertas obras de arte nos damos cuenta de que la realidad en la que habitamos es infinitamente más rica, compleja y sofisticada de lo que pensábamos. Nuestro intelecto se enriquece pero nuestra alma también. Por eso nos atrae tanto aproximarnos al lado narrativo del arte.

Hoy en día, ¿qué crees que cuentan los pintores y escultores con su obra? ¿Historias muy diferentes de las de los cuadros del Prado?

J.S.: Estudiando algunas obras de El Bosco, de Brueghel el Viejo o de Tiziano descubrí en ellos motivaciones que ya se manejaban hace 40.000 años entre los que inventaron el arte parietal de las cuevas rupestres. En artistas contemporáneos esa traza sigue existiendo. Seguimos alumbrando artistas que desean pintar el alma de las cosas o de las gentes, más allá de su mera apariencia exterior. Y eso me obliga a decir que hay arte moderno que no es muy diferente del de El Prado. Que sigue en lo que yo llamaría la “Gran Tradición”.

Muchos pintores y escultores creen que pintan por impulsos, por inspiración, pero que no quieren en realidad decir más allá de lo que muestran, quizás no sepan que puede que inconscientemente estén contándonos algo….

J.S.: El arte ha sido, a menudo, un “canal” por el que hemos transmitido ideas que vienen de nuestro subconsciente más profundo, o del mundo de los sueños. En la Antigüedad se creía que ese lado onírico conectaba en realidad con mundos superiores y nos traía mensajes clave para nuestra vida. Yo estoy tentado de creer eso y pensar que el arte “a impulsos” al que te refieres a menudo nos trae esa clase de mensaje… aunque nos cueste descifrarlo. También en el mundo antiguo a nuestros antepasados se les hacía difícil “descifrar” los oráculos. El más allá nunca nos habla claro.

¿Alguna manía a la hora de escribir?

J.S.: No tener nada en agenda ese día. ¡Nada! Y disfrutar de silencio en casa. No siempre es fácil lograr esa conjunción de factores.

Para el Museo del Prado has debido ser una ayuda extra en su campaña institucional y promocional, pero ¿sigues acudiendo al Museo? ¿Cualquier visitante puede encontrarse contigo allí?

J.S.: Voy al Prado muy a menudo. Cualquier excusa es buena: una exposición, una conferencia, la visita de unos amigos, llevar a mis hijos… Y sí: cualquier visitante puede un día tropezarse conmigo y preguntarme. De hecho ya ha sucedido varias veces. Una de las grandes virtudes del arte es sugerir conversaciones apasionantes.

¿Habrá una segunda parte de “El Maestro del Prado”?

J.S.: Si el maestro de la novela da señales de vida, sí. Lo espero.

¿Una película quizás…?

J.S.: Eso depende de la industria del cine. Por desgracia, nuestro cine se vuelca más en comedias y dramas sociales que en proyectos más centrados en la visión histórica o cultural del país. A veces me pregunto si tenemos remedio…

¿El arte te ha cambiado la vida de algún modo?

J.S.:¡Lo ha cambiado todo! El arte está detrás de muchos de mis libros y me inspira a imitarlo y a atravesarlo, a indagar en lo que esconde, cada día.

Analizas historias, algunas de esencia sobrenatural, como las de Boticcelli, pero ¿has encontrado algún ejemplo de una obra de escritura automática aplicada al dibujo y a la pintura?

J.S.: Hay varios artistas que aplicaron esas técnicas “automáticas” y otros de los que sospechamos que lo hicieron. Entre los primeros me interesa la trayectoria del argentino Xul Solar, contemporáneo y amigo de Borges. O William Blake. Entre los segundos yo diría que podría estar El Greco. Pero eso tiene mucho que investigar antes de cerrar conclusiones al respecto.

Pintar, escribir… tienen una hora bruja que para ti es….

J.S.:¡Todas! Desde que tengo niños pequeños en casa, la hora bruja es la que ellos y su frenética actividad me permiten. A veces no lo ponen fácil, créeme.

Un consejo a los pintores y escultores actuales de manos de un escritor y estudioso de  los pintores de antes…

J.S.: Les invito a estudiarlos y a comprenderlos, pero una vez conseguido ese punto, les exhorto a buscar su voz propia, a sacar el arte puro que hay en su alma. No hay otro camino al arte “verdadero”.

 

Entrevista a Juan de la Cruz Pallarés

Por Mª Dolores Barreda Pérez

La “Gaceta de Bellas Artes» se renueva. Entrevistamos a Juan de la Cruz Pallarés, nuevo director de la publicación.

El boletín informativo la “Gaceta de Bellas Artes» estrena el próximo mes nuevo diseño y nueva dirección. Entrevistamos a Juan de la Cruz Pallarés, quien ha asumido la dirección de la publicación.

Juan de la Cruz Pallarés García es un pintor nacido en Lorca, que cursó sus estudios de Bellas Artes en la Universidad de San Carlos de Valencia y es además Licenciado en Derecho por la Universidad Complutense de Madrid. Titulado superior en AGE, ha realizado numerosas exposiciones y obtenido premios por una obra que él define como “muy personal” y con la que se siente satisfecho.

Antes de Director es socio. ¿Cómo veía entonces la publicación?

Juan de la Cruz Pallarés: Como un instrumento de información necesario. Cualquier institución de este tipo debe tener una herramienta de comunicación y conexión con sus asociados y con quienes tengan interés en sus actividades.

¿Qué novedades presenta la renovada edición de la Gaceta de Bellas Artes respecto a la anterior?

J.d l C.P. Efectivamente se ha introducido alguna novedad ya que es imprescindible actualizar las ediciones adaptándolas al momento en que se edita, maximizando los medios disponibles. Las novedades más relevantes son la racionalización de la información y su estructuración en epígrafes lógicos.

¿Cuáles son las fuentes de información de las que se nutre la revista? ¿Contáis con redactores o colaboradores?

J.d l C.P. Hoy los canales de consulta e información general son, por decirlo de manera rotunda, apabullantes. La Gaceta, entre otros, acudirá a esos medios. Léanse publicaciones especializadas, la ofertada a través de  instituciones públicas y privadas y, recientemente, las que intentamos obtener mediante colaboraciones con entidades de otros países.  Respecto a redactores y colaboradores, son los propios socios y amigos de la Institución, junto con la dirección gestora y personal administrativo de la propia Asociación, quienes colaborarán siguiendo las nuevas directrices en la selección de noticias, informaciones y propuestas, que considere de interés común.

¿Qué tipo de contenidos van a tener cabida en la nueva “Gaceta de Bellas Artes”?

J.d l C.P. La revista se inicia, como en anteriores ediciones, con un Saluda del Presidente, quien comentará las novedades, proyectos y demás cuestiones de interés general para los socios. Distintos epígrafes desarrollarán las temáticas de “TALLERES Y CURSOS”, “CONFERENCIAS Y ENTREVISTAS”, “CONCURSOS Y CERTAMENES”, y el de “SERVICIOS DE LA ASOCIACION», a través de éste último se pone a disposición de los asociados el tórculo, la Asesoría Jurídica y la novedosa oferta de ESPACIOS EXPOSITIVOS dentro de la Sede, de la que estamos seguros, será de gran aceptación. Por último, estrenamos el «PORTAL DEL SOCIO», el «ESPACIO PARA PUBLICIDAD» y un nuevo apartado de «RESEÑAS HISTORICAS DE LA AEPE», referidas a acontecimientos acaecidos en el ya largo caminar de nuestra Asociación.

¿Cuáles van a ser, a partir de ahora los valores diferenciadores de la “Gaceta de Bellas Artes”?

J.d l C.P. La periodicidad seguirá siendo mensual e intentaré que, en las sucesivas publicaciones, la información sea breve pero suficiente, variada en ofertas de interés y participativa, donde los socios puedan opinar en el ámbito de los intereses propios y  de la Asociación.

Defina la nueva Gaceta de Bellas Artes en pocas palabras

J.d l C.P. Me remito un poco a la respuesta anterior, considerando que la participación activa será la brújula que apunte hacia dónde deberé dirigir los contenidos, considerando que sus miembros, como  ya he dicho, son el principal soporte de la AEPE y su razón de ser.

¿Qué de especial podremos encontrar en el próximo número?

J.d l C.P. Entiendo que será identificable un nuevo modo de exponer la noticia al epigrafiar por contenidos y también la denominada Reseña Histórica de la Asociación, de la que en sucesivas publicaciones veremos su aceptación.

¿Es consciente de ser continuador de una larga trayectoria de artistas y periodistas que hicieron de la “Gaceta de Bellas Artes” un referente en el mundo artístico español?

J.d l C.P. Sí, lo soy. Aceptar la dirección de La Gaceta lleva implícito el esfuerzo de mantener, al menos, el mismo nivel de calidad y cantidad de información que han tenido los socios hasta ahora e intentar mejorarla en el presente y futuro.

Sus palabras denotan entusiasmo…

J.d l C.P. Por supuesto. El principal y único interés de La Gaceta es lograr la satisfacción de todos nuestros socios, quienes serán parte activa en el contenido de la revista que aspira, a partir de ahora, a ver cumplidas nuestras pretensiones de ser el medio de información e instrumento de apoyo de referencia de todos los artistas españoles, cubriendo y complementando todas las actividades y necesidades propias de nuestra profesión. De manera que es evidentemente un orgullo estar al frente de este atractivo proyecto y poder encargarme de garantizar la consecución de los nuevos objetivos que nos hemos marcado.

¿Cómo le gustaría que los socios vieran la nueva revista?

J.d l C.P. Mi interés y cometido es que La Gaceta constituya un soporte de calidad en la información, que ofrezca a los socios una ayuda para el desarrollo de sus actividades profesionales y culturales.

Para finalizar, deseo expresarle mi más sincera enhorabuena por su designación y animarle a hacernos sentir la expectación que ya está levantando la renovada revista.

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El Delegado de las Artes de Madrid visita la AEPE

Por Mª Dolores Barreda Pérez

El Delegado de las Artes de Madrid, Pedro Corral, ha conocido de primera mano el trabajo que realiza el Departamento de Biblioteconomía y Documentación de la Asociación Española de Pintores y Escultores, que se puso en marcha a finales del pasado año 2013.

Acompañado por el Presidente, José Gabriel Astudillo, por el Vicepresidente, Alejandro Aguilar Soria y por la Secretaria General, Mª Dolores Barreda Pérez, el Concejal responsable de la programación cultural del Ayuntamiento de Madrid recorrió la sede social de la entidad y se interesó vivamente por los talleres y actividades que en ella se organizan.

En su visita, el Delegado de las Artes ha podido ver el archivo profesional de la Gaceta de las Bellas Artes y los originales de las actas fundacionales firmados por Sorolla, Chicharro y algunos de los 180 miembros fundadores, entre otros documentos, así como ha podido seguir los trabajos de digitalización, indexación, conservación y difusión que desarrolla Alicia Sánchez, la becaria a cargo del Departamento.  

Durante la visita, Pedro Corral tuvo ocasión de departir cordialmente con los asistentes a los diversos talleres que se desarrollan en la sede, así como con los profesores, y se interesó vivamente por el Departamento de Grabado, cuya inspección del Tórculo que también se ha puesto a disposición de cuantos socios deseen trabajar en él, le causó una gran impresión.

Mientras recorría las instalaciones, el Delegado de las Artes mostró su sorpresa y satisfacción por comprobar cuántas y variadas actividades planifica la AEPE y se desarrollan en la sede social, y  “por la cordialidad y el nivel humano de esta asociación centenaria, pero sobre todo por el compromiso con el trabajo que siempre ha venido demostrando”.

Por su parte, el Presidente, José Gabriel Astudillo, destacó que el Delegado de las Artes de Madrid “ya tenía conciencia de la labor que realizaba la AEPE, pero no era conocedor del esfuerzo y trabajo que está llevando a cabo para digitalizar e indexar los archivos de la Gaceta de las Bellas Artes”.

Astudillo evaluó el encuentro con el Delegado de las Artes como “una excelente reunión donde se lleva toda la información de nuestra entidad para continuar trabajando de manera conjunta. El Delegado, que conoce  nuestras exposiciones y actividades, nos ha demostrado todo su apoyo para continuar la labor de colaboración que viene realizando una institución como el Ayuntamiento de Madrid, con la AEPE.

Astudillo se mostró muy complacido por la reunión mantenida con el Delegado de las Artes, asegurando que se trata de “un gran escritor y conocedor de la realidad cultural de la ciudad de Madrid. Si bien estamos pasando por unos años complicados, estoy seguro de que con esfuerzo y sacrificio, el Delegado va a entender la misión que estamos realizando y va a apoyarnos en todo lo que sea posible”.

Dentro de la misión de custodiar y difundir la memoria de la AEPE que ha impuesto su Presidente, José Gabriel Astudillo, y en la que no escatima esfuerzos y trabajos, ha puesto a disposición de los socios e investigadores especializados una serie de archivos de arte español, a partir de una noción abierta y compartida del documento que desborda los modelos convencionales de patrimonio.

Por primera vez en su historia, la AEPE ha recibido la visita de un Concejal de Cultura del Ayuntamiento de Madrid en activo. Cabe recordar que cuando nuestro Presidente, José Gabriel Astudillo López, era Concejal de Educación, Juventud y Deportes del Ayuntamiento de Madrid, fue nombrado Socio de Honor de la AEPE, y eran muy frecuentes y habituales sus visitas a la sede social, colaborando en actividades y certámenes.

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Pedro Corral conversa con Alejandro Aguilar Soria, Vicepresidente de la Asociación Española de Pintores y Escultores

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Acompañados de Alicia Sánchez, la Becaria a cargo del Departamento de Documentación de la AEPE

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Pedro Corral con el Presidente José Gabriel Astudillo López, y la Secretaria General Mª Dolores Barreda Pérez

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Pedro Corral conversa con algunos de los participantes en los Talleres de la AEPE

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La Secretaria General, Mª Dolores Barreda Pérez, y Pedro Corral conversan en las instalaciones donde se encuentra el tórculo

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La Becaria, Alicia Sánchez, y la Secretaria General, Mª Dolores Barreda Pérez

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El Delegado de las Artes de Madrid, Pedro Corral conversa con el Presidente, José Gabriel Astudillo y con el Vicepresidente de la AEPE, Alejandro Aguilar Soria

A tres bandas: Julio López – Astudillo – Barreda

Por Mª Dolores Barreda Pérez

«A tres bandas» es una conversación informal de estudio, entre Julio López Hernández, José Gabriel Astudillo López y Mª Dolores Barreda Pérez.

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Ayer era un día desapacible, triste y lluvioso en Madrid. Nada que ver con el cálido y acogedor ambiente que se respiraba en el estudio del escultor Julio López, con quien tuvimos la suerte de entrevistarnos y el honor de compartir una tarde de inolvidable charla.

Nos recibió con los brazos abiertos, con una eterna sonrisa que mira picarona por encima de las gafas y con su bata azul de trabajo gastada, con lamparones y manchas que guardan todas y cada una de las historias del trabajo que atesoran.

Nos dio una entrañable bienvenida, como si ya nos conociera de toda una vida, y la rendida admiración que constantemente de nosotros brotaba, nos impidió poder articular palabra por espacio de algunos minutos.

Estábamos en su particular templo, en el santa sanctórum de un hombre que ha vivido la escultura y la ha hecho suya, y la ha dominado y amoldado a su particular imaginación, despertando en quienes la contemplamos un sin fin de emociones que culminan con las explicaciones que para cada obra nos brinda.

Pese a los primeros momentos de estupor, la curiosidad nos puede y la mirada vuela entre bustos, bajorrelieves y medallones que se encuentran repartidos por un estudio sencillo, en el que cada cosa tiene su sitio y cada sitio tiene mil y una cosas.

Un gigantesco Cristo cuelga de la pared. Cuando me intereso, Julio vuela a coger un cuaderno para leerme las impresiones y recuerdos que ha escrito acerca de esa escultura.

Y claro, no es sólo que te cuenten la historia de una escultura, es que te dediquen unos recuerdos y vivencias tan personales que te sitúan ante un artista transparente, abierto como un libro para el que cada hoja es una añoranza y un gran tesoro.

Su mujer, sus hijas, sus nietos… la familia está muy presente, con alegría, con sensaciones y mensajes tiernos, repletos de fotografías que congelan las imágenes de “unos días en los que no queríamos que crecieran”…

Se ríe. Julio ríe y sonríe abiertamente cuando expresamos nuestra admiración y pregunto, tímidamente al principio, el por qué de algunas cosas. Brazos y piernas por doquier, manos, muchas manos, que abiertas o cerradas, son el reflejo de la vida misma. 

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Nos quiere enseñar su particular “museo”. Es un privilegio rondar las estancias en las que se hacinan cuerpos, libros, efigies, bocetos, unos maravillosos dibujos de García Lorca, o bajorrelieves esculpidos de reflejos prerrafaelistas y mirada quieta y relajada que se extienden por los libros como si fueran espejos….

Todas aquellas esculturas, todo ese ingenio, toda esa desbordante imaginación y su voz que todo lo llena, mientras explica curiosidades, anécdotas de cada obra, su primigenia ejecución, la evolución más lógica, todo aquello nos dejó compartir con él, haciéndonos copartícipes de su vida.

Nos sentamos a charlar exhaustos, no por el paseo o el recorrido del museo, sino porque las sensaciones se entrecruzan, las palabras no se ordenan ante tanta belleza y la grandeza de un alma que reconoce sus propias limitaciones y la limitación que a todos impone la vida actual, duele y pesa un poco al abordar aquellas obras no realizadas por falta de medios o abandonadas por exceso de trabajo.

Cordial, como él es, intento estructurar la entrevista, la conversación y empezar a centrarme en lo que debo hacer y no en las miles de ideas que mi mente traza. Pero es que me mira fijamente y ríe, esperando expectante a que empiece…

Y sin más, comenzamos a charlar.

Después de todo lo que hemos visto no sé si hace ilusión un premio más…

Mucho, Muchísimo. En realidad yo tengo muy pocos premios, pero la verdad es que los premios cuando no se persiguen, gustan más y los agradezco más, y este no lo he perseguido, me lo habéis dado por un reconocimiento desde la lejanía, que es aún más bonito.

Nos lo dice un Premio Nacional de Artes Plásticas….

Ya, pero esos premios te los dan porque te conocen mucho, y es una gran parafernalia, pero yo creo que aquí lo habéis hecho a tis ban dooooo (lo dice mirándonos por encima de las gafas) que yo era alguien (ríe abierta, francamente divertido)… y me encanta, me gusta mucho lo que habéis hecho.

No sabes cómo me alegra ver ese entusiasmo…

Creo que era algo que la Asociación Española de Pintores y Escultores tenía que hacer…

Yo os diré que en mis tiempos de formación y posteriormente en el auge de mi carrera, la Asociación Española de Pintores y Escultores era lo más, lo más de lo más, era la entidad de referencia, era la única primordial que había en España.

Sí, lo cierto es que son 104 años de historia llena de grandes artistas y al servicio de los artistas, y los premiaba y reconocía….

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Me gusta, me gusta mucho, la Asociación Española de Pintores y Escultores, por lo que he visto, tiene aún un algo de limpio y puro, aún, sin viciar, que me gusta… porque otro tipo de premios que me puedan dar los valoraré, pero siempre sabré que son más circunstanciales, que te los dan por un escalafón alto y este tipo de cosas…. pero creo que aquí os habéis saltado el escalafón (una gran carcajada brota de su garganta y vuelve a mirarme por encima de las gafas) y lo habéis hecho de corazón y a mí me parece que eso es mucho más bonito y por tanto lo valoro más.

La verdad es que llevábamos muchos años que no se daba a nadie la Medalla de Honor de la Asociación Española de Pintores y Escultores….

Según los datos que tenemos sólo la han concedido a cuatro personas en 104 años de vida, a Eduardo Martínez Vázquez, a Pedro García Camio, a Lorenzo Aguirre Sánchez y a José Cruz Herrera…

Porque yo creo que esto estaba anquilosado, no como ahora, que parece que está vivo y muy vivo… 

Pues eso es lo que nosotros hemos querido reconocer y hacer, un homenaje a un maestro del siglo XX y del siglo XXI…

Y después de ver esto, creo que ha sido una decisión más que acertada….

Para mí ya os comentaba que en mi etapa de formación, cuando estaba iniciando mi andadura, aquellos hombres de la Asociación Española de Pintores y Escultores eran la meta del arte… los más grandes, lo mejor que había… aquellos hombres eran algo grande… y también se premiaba de una forma más bonita que se hace hoy en día, sí, porque antes se daban auténticos homenajes. Ahora ya no se hacen homenajes a los artistas, les darán premios muy sustanciosos en cuanto a lo económico, pero homenajes como los de antes, ya no se dan.

Eso es cierto, ahora son grandes premios pero que se dan casi siempre a los mismos artistas y sólo a los que ya están encumbrados.

Si pero la idea de homenajear a un artista se ha perdido por completo. Según he podido leer en la historia de la Asociación Española de Pintores y Escultores eso se hacía antes más a menudo, porque se hacía una cena – homenaje y acudía todo el mundo, personalidades, otros artistas, público en general, era algo bonito porque cada uno se pagaba lo suyo y sólo querían compartir ese momento tan especial y dedicarle al artista homenajeado un rato de pausada admiración…..

Pero es que yo creo que antes era distinto, había muchísimos escultores, y muy reconocidos y se veía mucho su trabajo….

Es verdad, pero es que antes los escultores trabajaban casi siempre por encargo, porque no había una venta fácil, ni había una clientela, no era para nada como ahora, por eso el tipo de escultura que había no era la que plasmaba el pensamiento nuevo de los jóvenes artistas… Antes lo que había eran obras que tenían una utilidad inmediata, esculturas de utilidad inmediata o artistas que hacían una determinada cosa que era necesaria hacer; porque era para rendir público homenaje a alguien o algo realmente importante, por eso estos hombres respondían a los encargos, a la demanda, y eran buenos escultores, aunque a algunos les faltaba eso, les faltaba el tema personal.

Quizás los artistas actuales tienen muy presente que para ser fácilmente identificables tienen que ser únicos y tener una temática personal y única y parece que tienen más ideas que antes….

No es que hubiera menos ideas, es que su indagación en el ser, se limitaba a que si les mandaban hacer un personaje histórico, y sí, asimilaban los estudios que tenían, porque sabían cómo hacer la obra, su ejecución, qué material usar, algo mucho más formal, pero desde un plano de lejanía que evitaba incorporar sus propios sentimientos y esa mirada personal de las cosas… y esa, es una conquista del arte moderno…  y aunque también tenían cosas muy bonitas, pues les faltaban otras, pero es como ahora nosotros, que también tenemos unas cosas buenas y nos faltan otras….

Ha sido un gran avance los materiales más variados, más versátiles, quizás hasta más económicos y al alcance de un artista que puede así afrontar otro tipo de temas…

Si, sí, eso es cierto, ahora hay una diversidad y una libertad absoluta y un panorama que se ha abierto y ofrece más cosas para trasladar los ideales de tu creatividad, aunque eso también puede ser bueno y peligroso.

Peligroso porque estamos haciendo obras que nadie entiende, algunas estéticamente cuestionables y que las miras y no cabe más que preguntarte, y esto ¿qué es? Y ¿qué dice?…

Hombre, a mí, yo creo que lo bonito, a mi me parece que cuando hablamos de una obra, tiene siempre que tener un grado de utilidad, que la demande alguien, no sólo tú, aunque te pueda apetecer mucho, pero hay que buscar que guste a alguien más que a ti mismo y satisfaga a alguien más que a tu propio ego, y sobre todo, que sea necesaria para algo, y eso se da en algunos momentos de la historia del arte con mucha fortuna, y en otros, no tanto

Madrid está llena de monumentos necesarios para recordar a grandes hombres, grandes obras,… pero ahora ya no se hace esto….

Pero porque estábamos sufriendo últimamente una desavenencia entre la apetencia del artista, apetencia personal, la que busca algo, grande, y lo que quería la sociedad… en España se produjo una ruptura de esa unión y era difícil encontrarlo… en el medievo si existía… en el gótico, las necesidades religiosas, el poder económico pagaba una obra para que fuera gozo y disfrute de todos los demás, de la sociedad entera, no era un coleccionismo privado…

Las grandes catedrales, los enormes retablos explicativos….

Todo eso engrandecía el arte, aunque también se daba la exigencia de que los temas tenían que ser para eso, pero ahora hemos perdido esa condición y tenemos un tema unitario, nos encontramos en una soledad absoluta y tenemos que rascar en nuestra interioridad para sacar a flote algo, pero bueno, yo creo que se saca….

Una llamada de teléfono nos saca de la conversación al menos por un momento, pero Julio corta rápido y se sienta otra vez. Se le ve a gusto, se le nota animado, metido en faena, pasando un rato agradable, como todos.

Pues la Asociación Española de Pintores y Escultores de su mejor momento….

Yo la recuerdo que era el más alto reconocimiento de los artistas, que trabajaban con gran nobleza, era algo grande, y recuerdo también que no había una intromisión tan poderosa de un comercio especializado en arte, las galerías eran unas galerías que vendían de una manera más circunstancial y puntual, pero esa infraestructura de conexiones internacionales, de valores que superan su propio precio y se ponen unos precios mas arriba, unas galerías que establecen una conexión con las otras y hay una propaganda enorme… pues todo eso no existía y entonces la Asociación Española de Pintores y Escultores pues estaba obligada a reconocer no solamente los valores, porque si no los descubrían ellos no los descubría nadie….

Estamos hablando del talento…. y de una Asociación que nació también para eso….

Efectivamente, del talento, y si no lo hacía la Asociación Española de Pintores y Escultores, pues no lo hacía nadie, porque entonces no había infraestructura para hacer propaganda en este sentido, no había nada… las galerías, pues las galerías si vendían algo era porque coincidían, porque habían unido un artista con un comprador, y así funcionaba esto… pero ahora el coleccionismo solo intenta invertir, no actúa…

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No gasta nunca en balde…

Y eso creo que arrolla el espíritu de la Asociación Española de Pintores y Escultores….

Así que tu recomendación es volver a lo puro, a lo primitivo, a cómo era antes la entidad…

Si, yo creo que la crisis te obliga a volver a lo puro, te obliga a replantearte muchas cosas…

Es que esto ha cambiado mucho desde entonces…..

Ya… yo antes, vendía más, ahora vendo mucho menos, como creo que les pasa a todos los artistas hoy en día, y pienso… ¿qué es lo que pasa? pues que a lo mejor mi obra no es ya necesaria, ya no tiene una utilidad inmediata, es una entelequia, una especie de diletantismo para mi y para los que les gusta mi obra… a lo mejor esta bien si llegas al alma de las personas, y entonces sí, pero eso, hay que saberlo y eso es muy complicado….

Ahora lo que se ve es que se está generando una serie de productos bancarios raros, en los que llegan de pronto quince o veinte señores, ponen un capital, se lo dan a un gestor, que normalmente suele ser un despacho de abogados, y son estos quienes hacen las inversiones, principalmente en obras de arte, de manera que lo que ellos buscan es que si yo he puesto cuatro, pues dentro de cinco años me den ocho, y eso sólo se lo puede dar hoy en día el arte,

Porque ese arte está pensado como moneda, no como disfrute del alma y goce del espíritu….

Claro, es decir, no hay banco ni fondo de inversión ni producto bancario que sea mejor que una obra de arte, es así de alucinante,  y eso se está produciendo en estos momentos…

Ya, lo que pasa es que se termina convirtiendo en una especie de especulación donde nadie aprecia realmente la obra del artista, sino que la obra de ese artista es algo que me va a rentar el doble de lo que yo he invertido…

A mi eso me apena muchísimo, que la gente invierta no por el puro disfrute de la obra de arte, sino por lo que voy a sacar de ella…

Pero es que ese es un papel del artista y en estos tiempos el que menos cuenta es el artista…

Porque es el fondo de inversión el que capitaliza lo que vale esa obra, y eso te rompe todos los esquemas…

La prueba está en este artista… este que ha hecho la calavera de diamantes y que no sé ahora cómo se llama….

Creo que Hirst….

Damien Hirst…

Eso es, pues este, la calavera que se ha hecho, se ha valorado por una auténtica millonada, impresionante, y la ha sacado a subasta y la ha comprado él mismo… para que los precios se mantengan y no pueda bajar nunca de precio…

Es decir, él está promocionando su propia obra y a este respecto yo pienso una cosa… los Girasoles de Van Gogh, pues igual, no sé si recordáis que la obra la compró una empresa, pero no para sus oficinas o para su dueño, o para exhibirla en su sede central, la compró para regalarla luego a un museo…  y con eso lo que se hizo fue una propaganda enorme y así su negocio prosperaba…

Claro, es que pagar más que nadie por los Girasoles, era hacer un gran negocio en su propio beneficio…

En realidad es la mayor publicidad que pueda hacer una marca de sí misma…  

Y los hay que lo hacen sin necesidad de regalarlo luego…

Hablo de tanto museo que se está abriendo por cientos de poblaciones en todo el mundo, intentando vender, vamos, promocionar, el arte….

Este verano pasado he vuelto a viajar a Centroeuropa, he pasado por Francia y Alemania y volví a ver unas obras que me impresionaron mucho… y volví a ver el Retablo de Isenheim, de Matthias Grünewald, en Colmar….

No recuerdo….

Sí, es esta que son cinco dípticos, con la crucifixión….

Ah, sí, muy colorista….

Una obra apabullante, preciosa…

De enorme belleza…

Una obra tan maravillosa e increíble… es pavorosa y recordé cómo surgió,  que se lo encargaron a este autor una asociación de médicos, fíjate,  que querían que sirviera de compañía a enfermos terminales, que se morían, enfermos de enfermedades contagiosas, de la piel, que les provocaban unos dolores tremendos, terribles, y para que les acompañaran en ese dolor pues encargan a este hombre esa exaltación del dolor de Cristo…

 Si, es un políptico, tiene cinco escenas…

Pues lo instalaron en Colmar, en una región francesa, y no ha salido de allí, no lo han prestado nunca a nadie, siempre ha estado en su lugar… en el mismo lugar, ahora sí, alrededor de esa obra han montado un gran museo, y ahora tienen muchísimo turismo… pero hasta hace unos 25 años, cuando yo tuve ya la oportunidad de verlo y no era aún museo, pues lo vi casi, casi, como cuando estaba en su estado medieval…

Qué maravilla ver una obra de esa forma, sin agobios ni gente alrededor hablando….

Y ahora piensas que no se hizo para negociar con él, porque no se puede mover y ahí está clara esa función… ¿quién puede negociar con eso? Nadie. Eso es un acierto, porque es una obra maravillosa con una utilidad increíble que elude y sortea todos los afanes de especulación, que está incólume… yo creo que no se puede hacer mejor, y yo creo que eso es lo que falta ahora un poco, que el arte ha perdido esa función… pero claro, si no fuera así tampoco se encargaría a nadie nada…. (ríe a carcajadas),  el dilema es ese, que estamos en esa trampa…

Voy a tener que ir a cambiar el ticket de la hora, maestro…

Pero tenías que haber metido el coche aquí y no pasaba esto…

No hay problema, ahora mismo vengo….

Mientras cumplimos con las normas municipales, y antes de retomar nuestra charla, me fijo en la obra que está encima de la mesa, el bajorrelieve – medalla que realiza Julio del último Premio Cervantes, la escritora, periodista y ensayista mexicana Elena Poniatowska.

 Un bajorrelieve delicado en el que se aprecia con todo detalle un retrato fiel, elegante, maravillosa y primorosamente tratado… se hace raro verlo de color grosella, del color de la cera a la que ya ha pasado un primer trabajo y que ahora trata de perfilar antes de fundirlo.

Sonríe mientras me mira cómo observo relajadamente y sin prisas la obra de arte…  y no tengo palabras, me parece algo tan bello que no cabe hablar. Me explica la diferencia entre ese tipo de medallas y las que hizo, por ejemplo, para la Universidad de Alcalá o para el Museo del Prado, cuyo bajorrelieve cuelga de la pared a tamaño original.

Es impresionante, enorme, grandioso… se aprecian las facciones de la cara de Juan de Villanueva y sus manos, que sostienen un pergamino, y se distinguen perfectamente las letras y la firma del maestro…

Aquí se ve tu firma muy estéticamente reducida, a lo Durero…

No son siempre iguales, porque dependen del espacio que tengo y del tamaño de la obra, pero sí… son mis pequeños guiños….

Volvemos a la conversación, nuevamente sentados. Se escucha el aire moviendo los árboles del jardín y haciendo crujir las estructuras de madera del estudio. Pero se está bien. No hace nada de frío y la charla vuelve a comenzar, como al principio.

El año pasado formaste parte del Jurado del Salón de Otoño, fue un honor para la Asociación Española de Pintores y Escultores…

Y para mí también…

¿Cómo lo viste, cuál es tu valoración, las obras presentadas, la función que el Salón tiene?

Pues yo lo vi todo muy bien, sobre todo en el sentido de que los participantes no es que sean creadores atrapados en el pasado y todo eso…  y no tengan la mirada puesta en lo moderno y en lo que se está haciendo ahora, no, no, porque lo había… había muestras de gente que estaba haciendo propuestas bastante avanzadas, muy nuevas… y así lo comentamos Antonio y yo

¿Antonio López?

 Sí, sí, mientras veíamos las obras presentadas, lo hablábamos, que había cosas que se veía que eran muy actuales y muy reales, del arte que se está haciendo ahora…

Y visto desde dentro ¿el concurso?

Luego me gustó mucho, mucho, que no fuera como en otros concursos que hay, que se rigen pues por un curriculum o por una trayectoria profesional y que tienes que haber hecho muchas exposiciones y tener un reconocimiento de crítica y público detrás, respaldando el premio que te van a dar, como si estuvieran justificándolo, o como si hiciera falta justificarlo… no, no… yo lo que vi, era inicialmente puro… y eso me encantó, me gustó mucho, (recalca) y mi recomendación es que debéis de insistir en ese camino que ya no sigue ninguna organización hoy… porque ya nadie hace eso así… todo es una gran parafernalia, tenéis que insistir en eso, en el camino que lleváis, con unos premios que no son muy fuertes, ni muy numerosos, pero que hay una propaganda detrás, aunque no sea enorme, apoyando el concurso, porque es muy interesante que esa gente que no tiene a nadie detrás, al que va por libre, al que desde su arte y su estilo trabaja fuera de cualquier circuito comercial, se le de un apoyo, porque es gente desasistida de apoyos de galerías y toda esa parafernalia…. yo vi allí algo muy desinteresado y muy bonito y eso, francamente, me gustó mucho.

En realidad, el Salón de Otoño nació con esa idea, dar cabida a los que estaban fuera de los circuitos oficiales del arte….

Efectivamente, el Salón de Otoño siempre estaba fuera de las Exposiciones Nacionales y con ese mismo espíritu, y era el que ayudaba a dar los primeros pasos, y en ese sentido sí seguís haciéndolo así, haciéndolo bien, me parece realmente bien, y que esa línea es necesario conservarla y desde este camino, tenéis todo mi apoyo…

Pues dicho así, y abusando de tu generosidad, me gustaría pedirte que formaras parte también este año del Jurado del Salón de Otoño, sería un gran honor para nosotros…..

Pues yo encantado, porque me lo pasé muy bien y me gustó mucho aquella reunión en la que todos comentábamos lo que veíamos y en la que todos actuamos con la mayor sinceridad y en donde me sentí muy a gusto porque no sientes presiones, ni valoraciones interesadas, y la verdad es que lo comentamos allí todos los que estuvimos… vosotros… y Antonio López y Tomás Paredes, Alma Ramas…. y el otro señor, que no recuerdo el nombre, el de Maxam…

Rafael López-Sors…

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Eso, y que nos gustó a todos mucho la sinceridad y espontaneidad de la selección de obras y premios…

Es muy importante que nos digas esto porque a nuestros socios, a todos los que se presentaron el pasado año al Salón de Otoño, a todos los que piensen participar en la próxima convocatoria, les gustará conocer la opinión de los que juzgan su obra, y cómo juzgan esa obra y cualquier detalle relacionado con la visión del jurado…

Pues que sepan que lo hacemos desde el respeto, siempre con el máximo respeto, y con una visión abierta en la que nada hay que digamos que no nos gusta a priori… y que miramos y remiramos las propuestas, porque hay cosas muy atractivas y nosotros como Jurado no nos cerramos a ninguna… luego ya están los criterios de gusto personal, pero ahí ya…. cada uno escoge lo que más le gusta….

Es que el alma también opina…

Y la sensibilidad personal….

Y los recuerdos y sensaciones que a primera vista una obra te produce…

Y los colores, la forma, el tamaño….. cada obra es un mundo y hay que dedicar un tiempo a cada uno de esos mundos, a cada obra, como hicimos, para explorar ese mundo…

José Gabriel te entregó el viernes la Medalla de Honor y al cogerla, lo primero que hiciste fue mirarme y sonreír….

Es que me disteis una medalla, no un trofeo… dijimos que a mi no me gustan los trofeos, porque pueden ser de cualquier cosa, representar mil y una cosas, pero no son específicos para premiar a alguien, o para darle un homenaje…. pero me disteis una medalla, y claro… me gustan las medallas….

Ya comentamos que ésta es de Fructuoso Orduña, que también fue Presidente de la Asociación Española de Pintores y Escultores…

Y era un buen escultor….

Ya hablamos el otro día de las obras que tiene en el Ramiro de Maeztu…

Si, pero me gustaría saber tu opinión de la medalla, como experto y renovador de la disciplina medallista…

Qué voy a decir…es una medalla hermosa, diseñada de forma conceptual, está bien diseñada si, por un buen escultor, con un gran sentido del relieve, pero con una representación que es muy funcional, es decir, se ve que está pensada para ser un premio. Lo que es asombroso es que la Asociación Española de Pintores y Escultores la haya mantenido viva en el tiempo…

104 años…

Pues es increíble que la haya mantenido todos estos años, cuando este tipo de trofeos suelen olvidarse muy a menudo…

Tiene mérito…

Tiene un gran mérito…      

Pero para mi las medallas tienen unas connotaciones vitales mucho más atrayentes… yo las veo como otra cosa… después de tantos años de experiencia y con el conocimiento de su trayectoria, de su nacimiento de cómo empezó, para lo que servía…  porque pensar que las medallas se hicieron para la boda de un señor, lo cual es tan significativo y entraña tanto significado y tanto simbolismo… que es lo que le da a la medalla la gran proyección artística que debe tener…

Es que se hacían para conmemorar algo, un acontecimiento o un gran acto…

Sí, sí, fíjate, con motivo de una boda, Leonello Pisanello realizó una medalla en la que incluyó en el anverso el bajorrelieve de Leonelo, su perfil, su cara, son medallas no acuñadas, sino fundidas, el símbolo de esa medalla, el retrato por un lado y en el reverso… pone una cosa muy bonita, que es un león, por Leonello, encarna en un león, y un cupido que enseña a leer al león, un león aprendiendo a leer, y es así como rinde un precioso homenaje a la mujer, que es también la que mantiene la llama de la cultura en el medievo y en el renacimiento… la encargada de que el hogar tenga todo su peso… y si le pides a una medalla todas esas atribuciones, las medallas de los premios pues suelen ser así, el conocimiento con un símbolo, se presenta la pintura, la escultura y ya esta….

Si, pero contigo la medalla adquiere otra dimensión, otro relieve, otra categoría…

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Es que no es sólo una representación formal de algo, hay que ponerle sentimiento y darle vida… en fin…

Insuflarle alma….

Claro… pero por eso te digo que la medalla de Orduña es fiel… aunque  lo mismo hay que hacer ya otra….  (ríe a carcajadas, picarón)

Y tal y como está la cosa de mal en todos sitios ¿cómo lo hacemos, maestro?

Pues yo propondría lo siguiente… en el próximo Salón de Otoño incluiría una disciplina que fuera la de medallas, y que si se hacen pues el premio fuera que la elegida se convirtiera en la medalla de la Asociación Española de Pintores y Escultores….

Pues eso es algo que debe decidir el Presidente, la Junta….

El Presidente está aquí y dice que lo que diga el maestro, que para eso entiende…. (reímos todos a mandíbula batiente)

Me refiero a que así le dais un carácter más oficial, respaldando algo presentado con un fin concreto, y que además tendría una buena acogida… yo creo que sí, que tendría buena acogida porque esa era una de las cosas que antes existían, que había, porque la Fábrica de Moneda y Timbre mantenía un premio para esto y ahora ya se lo han cargado…

Parece mentira que la propia Fábrica de la Moneda no tenga un concurso de medallas….

Antes había un concurso llamado Tomás Francisco y Prieto, que premiaba la creación de las medallas y se reconocía con el premio a unos artistas consagrados y a otros no conocidos, y no se confundían, cada uno tenía su espacio… y se daban unos premios… yo tengo un accésit y luego tengo el Premio Tomás Francisco Prieto, pero eso se vino abajo y lo que han hecho es que el gran premio de la Fábrica de Moneda y Timbre para que se haga una medalla, se lo dan a un artista reconocidísimo, muy famoso y con una medalla muy bien pagada, y yo creo que eso es un gran error, que así no funcionan las cosas, y así no se cultiva la creación del género de la medalla…

Ni se incentiva ni promociona….

Que por cierto, el premio del pasado año fue para un arquitecto….

Si, eso es lo de menos… puede ser para un pintor y un escultor… no es tanto el tipo de artista al que le den el premio como el concepto de medalla que se quiera hacer… sólo comercial porque se pueda vender mejor…. es así, es un asco como funciona todo, pero es así…. (ríe otra vez)

Un teléfono suena…. y otro más…. es como si se hubieran puesto de acuerdo para poner punto y final a esta agradable conversación.

Yo sigo mirando a mi alrededor cada uno de los detalles del estudio mientras ellos hablan… y miro el reloj y descubro que se nos han pasado más de dos horas de charla… en un minuto.

Ayer fue un día desapacible, triste y lluvioso en Madrid. Pero justo antes de finalizar la charla, descubrí y reparé en que había salido el sol.

También fuera del estudio.

Martes 25 de febrero de 2014

Entrevista a Julio López. Febrero 2014

Entrevista a Julio López Hernández

Por Mª Dolores Barreda Pérez

El pasado día 21 de febrero, la Asociación Española de Pintores y Escultores hizo entrega, en un acto celebrado en la sede social de la entidad, de  su Medalla de Honor al escultor madrileño Julio López Hernández.

De manos de su Presidente, José Gabriel Astudillo López, y bajo la atenta mirada de algunos de los miembros de la Junta Directiva y numerosos amigos y autoridades, como el Delegado de las Artes de Madrid, Pedro Corral, Julio López recogió, agradecido y emocionado, el reconocimiento por su excelente labor y singular trayectoria artística.

Vivió el arte des muy niño, ya que su padre y abuelo eran orfebres, y comenzó trabajando tallas religiosas. De la Escuela de Artes Oficios pasó a la de Bellas Artes de San Fernando, en donde conoció a  artistas como Antonio López García y Lucio Muñoz, con quienes entabló una amistad que aún perdura.

La Escuela de Escultores de Coca le permitió resistir el vendaval de la abstracción que se instaló en el arte de los cincuenta. A partir de esa etapa, renueva la figuración, luchando contra el academicismo y creando el realismo trascendente o mágico, es decir, trascender la realidad a partir de la realidad misma.

Su evolución del expresionismo al realismo  hace que su obra se incluya en la «escuela realista madrileña», junto a sus grandes amigos Antonio López, Amalia Avia, Isabel Quintanilla, María Moreno…. En 1962 contrajo matrimonio con Esperanza Parada, recientemente fallecida, con quien tuvo dos hijas.

Prestigioso medallista, ha renovado esta disciplina mediante la creación de las “medallas de pie” como él las llama. Por eso el acto ha tenido una especial significación al recibir la Medalla de Honor que modelara especialmente para la Asociación Española de Pintores y Escultores el que fuera su Presidente, Fructuoso Orduña.

Profesor de Modelado de la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, en 1982 se le otorga  el Premio Nacional de Artes Plásticas “por su sentido original de la escultura realista fuera de los cánones académicos y su revitalización del espíritu clasicista”. En 1986 es elegido Académico en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, y ha realizado importantes exposiciones por todo el mundo. Sus obras se encuentran en los principales museos y colecciones.

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Hablamos en exclusiva con Julio, que contesta agradecido, todas nuestra preguntas.

Acaba de recibir la Medalla de Honor de la Asociación Española de Pintores y Escultores. ¿Hace ilusión un premio más?

Julio López Hernández: Mucho, Muchísimo. En realidad yo tengo muy pocos premios, pero la verdad es que los premios cuando no se persiguen, gustan más y los agradezco más, y este no lo he perseguido, me lo habéis dado por un reconocimiento desde la lejanía, que es aún más bonito.

Es un merecido homenaje a un gran artista….

J. L. H.: Los premios te los dan porque te conocen mucho, pero yo creo que aquí lo habéis hecho atisbando que yo era alguien (ríe abierta, francamente divertido)… y me encanta, me gusta mucho lo que habéis hecho.

¿Cómo recuerda a la Asociación Española de Pintores y Escultores?

J. L. H.: En mi tiempo de formación y posteriormente en el auge de mi carrera, la Asociación Española de Pintores y Escultores era lo más, era la entidad de referencia, era la única primordial que había en España.

Entonces, recibir la Medalla de Honor de una entidad como la AEPE…

J. L. H.: Me gusta, me gusta mucho, tiene un algo de limpio y puro aún, sin viciar, que me gusta… porque otro tipo de premios que me puedan dar los valoraré, pero siempre sabré que son más circunstanciales, que te los dan por un escalafón alto y este tipo de cosas…. pero creo que aquí os habéis saltado el escalafón y lo habéis hecho de corazón y a mí me parece que eso es mucho más bonito y por tanto lo valoro más.

La AEPE hacía muchos años que no concedía su Medalla de Honor como merecido homenaje a los pintores y escultores de su tiempo…

J. L. H.: Porque yo creo que esto estaba anquilosado, no como ahora, que parece que está vivo y muy vivo…  Para mí ya te comentaba que en mi etapa de formación, cuando estaba iniciando mi andadura, aquellos hombres de la Asociación Española de Pintores y Escultores eran la meta del arte… los más grandes, lo mejor que había… y también se premiaba de una forma más bonita que se hace hoy en día, porque antes se daban auténticos homenajes. Ahora ya no se hacen homenajes a los artistas, les darán premios muy sustanciosos en cuanto a lo económico, pero homenajes como los de antes, ya no se dan

¿Cómo eran los pintores y escultores a los que consideraba “la meta” de entonces?

J. L. H.: Antes los escultores trabajaban casi siempre por encargo, porque no había una venta fácil, ni había una clientela, por eso el tipo de escultura que había no era la que plasmaba el pensamiento nuevo de los jóvenes artistas. Antes lo que había eran obras que tenían una utilidad inmediata, esculturas de utilidad inmediata o artistas que hacían una determinada cosa que era necesaria hacer; por eso estos hombres respondían a los encargos, a la demanda, y eran buenos escultores, aunque a algunos les faltaba eso, les faltaba el tema personal.

¿Había menos creatividad?

J. L. H.: No es que hubiera menos ideas, es que su indagación en el ser, se limitaba a que si les mandaban hacer un personaje histórico, asimilaban los estudios que tenían de cómo hacer la obra, pero desde un plano de lejanía que evitaba incorporar sus propios sentimientos y esa mirada personal de las cosas, y esa, es una conquista del arte moderno… aunque también tenían cosas muy bonitas, les faltaban otras, pero es como ahora nosotros, también tenemos unas cosas y nos faltan otras….

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¿Materiales más variados, más versátiles…?

J. L. H.: Sí, la verdad, ahora hay una diversidad y libertad absoluta y un panorama que se ha abierto y ofrece más cosas para trasladar los ideales de tu creatividad, aunque eso también puede ser bueno y peligroso.

Los peligros del arte actual….

J. L. H.: Es que yo creo que cuando hablamos de una obra, ésta tiene siempre que tener un grado de utilidad, que la demande alguien, no sólo tú, sino que sea necesaria para algo, y eso se da en algunos momentos de la historia del arte con mucha fortuna, y en otros, no tanto, pero actualmente estábamos sufriendo una peligrosa desavenencia entre la apetencia del artista a título personal, la que busca algo, algo grande, y lo que quiere la sociedad en realidad del artista. El peligro es que nos encontramos en una soledad absoluta y tenemos que rascar en nuestra interioridad para sacar a flote algo, algo que sea grande, y yo creo que ya nos hemos dado cuenta todos y se saca, o al menos, se intenta sacar.

Volvamos a la Medalla de la Asociación Española de Pintores y Escultores…

J. L. H.: Recuerdo que era el más alto reconocimiento de los grandes artistas del momento que trabajaban con gran nobleza, porque por aquella época no había una intromisión tan poderosa del comercio especializado en arte, de las galerías…

Hoy en día sin una galería detrás,  el artista no nadie….

J. L. H.: Antes había unas galerías que vendían de una manera más circunstancial y puntual, pero no como ahora, con esa infraestructura de conexiones internacionales, de valores que superan su propio precio y se ponen unos precios más arriba, unas galerías que establecen una conexión con las otras y hay una propaganda enorme, eso no existía antes,  así que la Asociación Española de Pintores y Escultores estaba obligada a reconocer los nuevos valores, porque si no los descubrían ellos no los descubría nadie….

Hablamos del talento….

J. L. H.: Efectivamente, del talento, y si no lo hacía la AEPE no lo hacía nadie, porque no había una infraestructura para hacer propaganda en este sentido, no había nada … las galerías que lograban vender obra, era  porque coincidían, porque habían unido a un artista con un comprador, pero ahora el coleccionismo solo intenta invertir, no actúa no gasta nunca en balde, y eso creo que es lo que debe predominar en el espíritu de la Asociación Española de Pintores y Escultores.

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El pasado año 2013 formaste parte del Jurado del Salón de Otoño, un honor para la AEPE, pero ¿cuál es tu valoración del Salón, de las obras presentadas, de la función que el Salón tiene?

J. L. H.: Lo vi todo muy bien, sobre todo en el sentido de que los participantes no eran creadores atrapados en el pasado como pudiera parecer, que el Salón de Otoño es algo del siglo pasado, no. Que sea de larga tradición no quiere decir que los que se presentaron al Salón no tengan la mirada puesta en lo moderno y en lo que se está haciendo ahora, porque lo había. Había muestras de gente que estaba haciendo propuestas bastante avanzadas y así lo comentamos Antonio López y yo mientras veíamos las obras presentadas, había cosas que se veía que eran muy actuales y muy reales, del arte que se está haciendo ahora,

¿Qué es lo que más valoró del Salón de Otoño?

J. L. H.: Pues a mi personalmente me gustó mucho que no fuera como en otros concursos que hay, que se rigen por una trayectoria profesional y que tienes que haber hecho muchas exposiciones y tener un reconocimiento de crítica y público detrás, respaldando el premio que te van a dar, como justificándolo, no, no,… Yo lo que vi era inicialmente puro, y eso me encantó, me gustó mucho, (recalca) y mi recomendación es que debéis de insistir en ese camino que ya no sigue ninguna organización hoy, con unos premios que no son muy fuertes ni numerosos, pero que se ve que hay una propaganda apoyando el concurso, porque es muy interesante que esa gente que no tiene a nadie detrás, se le de un apoyo, es gente desasistida de apoyos de galerías y toda esa parafernalia…. yo vi allí algo muy desinteresado y muy bonito, y eso francamente, me gustó.

El Salón de Otoño nació con esa idea, dar cabida a los que estaban fuera de los circuitos oficiales del arte,….

J. L. H.: Pues sí, el Salón de Otoño siempre estaba fuera de las Exposiciones Nacionales y con ese mismo espíritu, y era el que ayudaba a dar los primeros pasos, y en ese sentido sí seguís haciéndolo así, haciéndolo bien, me parece realmente bien, y que esa línea es necesario conservarla.

Pues dicho así, y abusando de tu generosidad, me gustaría pedirte que formaras parte del Jurado del próximo Salón de Otoño, sería un gran honor para nosotros…..

J. L. H.: Pues yo encantado, porque me lo pasé muy bien y me gustó mucho aquella reunión en la que todos comentábamos lo que veíamos y en la que todos actuamos con la mayor sinceridad y en donde me sentí muy a gusto, porque no sientes presiones, ni valoraciones interesadas, y la verdad es que lo comentamos allí todos los que estuvimos… Tomás Paredes, Alma Ramas, Rafael López-Sors, Antonio López, Astudillo y tú misma, que nos gustó a todos mucho la sinceridad y espontaneidad de la selección de obras y premios…

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Es muy importante que nos digas esto porque a nuestros socios, a todos los que se presentaron el pasado año al Salón de Otoño, a todos los que piensen participar en la próxima convocatoria, les gustará conocer la opinión de los que juzgan su obra…

J. L. H.: Pues que sepan que lo hacemos desde el respeto, con una visión abierta en la que nada hay que digamos que no nos gusta a priori, y que miramos y remiramos las propuestas, porque hay cosas muy atractivas y nosotros como Jurado no nos cerramos a ninguna… luego ya están los criterios de gusto personal, pero ahí ya…. cada uno escoge lo que más le gusta….

La Medalla de Honor de la AEPE que te entregó el viernes José Gabriel Astudillo es obra del escultor Fructuoso Orduña, quien da la casualidad de que también fue Presidente de la AEPE. Cuando la tuviste en tu mano sonreíste abiertamente ¿qué sensación te produjo?

J. L. H.: Es una medalla hermosa, diseñada de forma conceptual, está bien diseñada por un buen escultor con un gran sentido del relieve, y con una representación funcional, se ve que está pensada para ser un premio. Lo que es asombroso es que la Asociación Española de Pintores y Escultores la haya mantenido viva en el tiempo, cuando este tipo de trofeos suelen olvidarse muy a menudo.

¿Y como renovador de la disciplina medallista?

J. L. H.: Para mi las medallas tienen unas connotaciones vitales mucho más atrayentes. Después de tantos años de experiencia y con el conocimiento de su trayectoria, de su nacimiento, de cómo empezó, para lo que servía, de su significado y simbolismo… creo que es eso, el simbolismo significativo lo que le da a la medalla la gran proyección artística que debe tener. A una medalla le tienes que pedir muchas más atribuciones que la de la simple representación, y en las medallas de los premios suele ser así, el conocimiento con un símbolo, se presenta la pintura, la escultura y ya esta,….

Si, pero contigo la medalla adquiere otro relieve y otra categoría…

J. L. H.: Es que no es sólo una representación formal de algo, hay que ponerle sentimiento y darle vida… en fin, la medalla es fiel, pero lo mismo hay que hacer ya otra …  (ríe)

Y eso es lo que lleva haciendo Julio López Hernández toda una vida: insuflar el soplo de la vida al frío bronce y a la piedra.

Entrevista a Julio López. Febrero 2014

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