El 28 de febrero, se podrá visitar hasta el 22 de marzo

Tal y como venimos informando, la AEPE firmó un convenio de colaboración con el Museo Cromática de Toledo, mediante el cual éste último se comprometía a la cesión por dos meses íntegros al año, del espacio destinado para la realización de dos exposiciones individuales de los socios de la AEPE.

De esta forma, la centenaria entidad pasaría de forma anual al Museo Cromática de Toledo, una propuesta con cinco artistas socios, que habrían sido seleccionados por un jurado formado por la Junta Directiva de la AEPE, de entre los que la dirección del Museo Cromática de Toledo elegiría a los dos artistas que protagonizarán las exposiciones.

Tras la llegada de las propuestas expositivas, casi medio centenar con sus correspondientes dossieres, la Junta Directiva seleccionó a los cinco artistas socios que presentó a la deliberación final de la dirección del Museo Cromática de Toledo, que finalmente decidió la selección última.

De esta forma, el próximo sábado 28 de febrero de 2026, entre las 12 y 14 h. tendrá lugar el acto de inauguración de la exposición del socio Tomás Santos Alcalá, elegida por el Museo Cromática de Toledo, a la que todos los socios están invitados a asistir.

 

La muestra nos la presenta así el autor:

Este proyecto nace de una forma de estar en el mundo.

“De naturaleza altamente sensible” no es una exposición concebida para ser recorrida con prisa ni comprendida desde un único punto de vista. Es una invitación a detenerse, a mirar con atención y a habitar el tiempo desde la presencia.

La pintura aparece aquí como un acto de escucha: del entorno, del cuerpo y de la experiencia vivida. Cada obra propone un lugar de pausa, un espacio donde la mirada puede descansar sin necesidad de interpretar ni resolver nada.

Este proyecto ha sido concebido específicamente para el espacio museístico, atendiendo tanto a su arquitectura como a su ritmo, y se adapta a ella sin imponerse, buscando siempre el diálogo y la convivencia.

La alta sensibilidad es entendida en este proyecto no como un rasgo aislado, sino como una condición profunda de percepción. Pintar desde esa condición implica prestar atención a lo que suele pasar desapercibido: los gestos mínimos, los silencios, los tiempos intermedios, lo cotidiano habitado con cuidado.

La obra no parte de una idea previa que deba ser ilustrada. Surge del encuentro entre experiencia, memoria y presencia. La pintura se convierte así en una forma de estar, más que en un objeto que representar.

El proyecto dialoga de manera natural con el libro inédito del propio autor Mar adentro. 49 encuentros y 1 horizonte desde la sensibilidad profunda, cuyos textos acompañan el recorrido como resonancias poéticas. No explican las obras ni las interpretan: amplían el espacio de percepción.

“De naturaleza altamente sensible” es un proyecto concebido desde la coherencia, la escucha y el cuidado del ritmo. Su estructura flexible permite adaptarse al museo sin perder identidad, manteniendo siempre un mismo hilo: la invitación a mirar con profundidad y a habitar el tiempo desde la presencia.

Es una propuesta que confía en la capacidad del visitante para sentir, detenerse y encontrarse con la obra desde su propio lugar.

C.V. Tomás Santos Alcalá

 

 

 

 

El Museo Cromática de Toledo

El Museo Cromática de Toledo tiene una arquitectura muy particular. Enclavado en lo que fueran parte de los antiguos Palacios árabes de Galiana y que desde hace más de 500 años, es el Monasterio de la Inmaculada Concepción.

El convento madre de clausura de la orden de las Concepcionistas Franciscanas que fundó Santa Beatriz de Silva en el siglo XV, junto a su amiga la reina Isabel la Católica, quien hizo parte de este Monasterio.

Un edificio que hace casi 1200 años empezara a construir el rey Galafre,  después lo continuaría el califa más importante de la historia, Abd-Al-Rahman III y que terminaría Al-Ma’Mum sobre el año 1070, hasta llegar la reconquista.

Un edificio donde sucedió la leyenda de la Princesa Galiana y Carlomagno en el que también dejaron huella Alfonso VI, el Cid Campeador, Fernando III el Santo… donde nació Alfonso X el Sabio, donde estuvo escondido San Juan de la Cruz y en el que está enterrada Santa Beatriz de Silva.

Un lugar que tras 5 siglos abrió sus puertas a este original y único museo en el mundo.

El Museo Cromática es una mezcla de museo y galería de arte, donde se fusionan música y pintura por medio de más de 30 artistas de diferentes estilos y nacionalidades, que utilizan como lienzo, instrumentos de música.

Un lugar lleno de historia, rincones y recovecos, en los que perderse mientras degusta un buen vino, escucha música en directo y disfruta de una colección de instrumentos musicales de gran calidad, convertidos en verdaderas obras de arte, que además, si lo desea podrá adquirir.

La atmósfera, protagonista de esta edición

En la semana del 2 al 6 de febrero de 2026, la Asociación Española de Pintores y Escultores ha tenido lugar el Taller intensivo de acuarela impartido por el socio Juan Ramón Luque Ávalos, después del éxito que supusieran los talleres realizados con anterioridad, cuyo eje central fueron la nieve y el agua y su transparencia.

El taller ha sido seguido con gran expectación y enorme éxito por los alumnos participantes, que ya han pedido repetir con otro taller del que ya os mantendremos informados.

El horario de trabajo ha sido de lunes a viernes de 17 a 20 h., ampliándose algún día más ante la buena acogida de la iniciativa.

Al finalizar el curso, los alumnos han recibido su diploma acreditativo de manos de su profesor, Juan Ramón Luque Ávalos.

De izquierda a derecha: Elda Carmona, Lola Vallejo, María del Castillo Garrido, Amparo López Gómez, Juan Ramón Luque Ávalos,

Concha Corral, Ángel García y Luisa Fernanda Rodríguez Fernández

 

Reflexiones en torno a una acuarela

«Victoria» Acuarela sobre papel 2015. 70×50. Mostrada al público en exposición individual en el Centro Cultural Daoíz y Velarde del distrito de Retiro en Madrid.

Siempre me ha interesado captar la manera de ser del retratado, no solo su parecido físico. Un retrato, para mí, no debe ser la reproducción de unos rasgos, sino la búsqueda de una presencia, y considero que son los gestos los que mejor la definen. Basta con recordar esa fotografía de Charles Chaplin caminando de espaldas, vestido de negro,

con su bombín de ala corta, sus pantalones caídos, sus pies huyendo el uno del otro como las aspas de un ventilador y su bastón colgado del brazo: Para identificarlo no es necesario verle la cara ni oírle hablar, basta con el gesto.

Y el gesto de Victoria era su risa. Hagamos un estudio de la risa.

No es lo mismo sonreír que reír. No es el mismo gesto.

En el llamémosle “arte clásico” son muy escasos los pintores que han hecho retratos de personajes sonriendo, Frans Hals ha sido una de esas excepciones y podríamos incluir también a Leonardo da Vinci con su Gioconda, aunque esta apenas está iniciando un esbozo de sonrisa, pero no es fácil encontrar otros retratos famosos riendo desde el Renacimiento hasta mediados del S. XIX

Parece que “la risa” es el gesto olvidado en la pintura. Vamos a intentar esclarecer las causas de ese vacío analizando ambas, sonrisa y risa

La sonrisa es un gesto que denota simpatía, cortesía, confort anímico con la situación en que está el sonriente, siempre que sea espontánea y sincera. Los humanos, en general, estamos dotados para detectar cuando es la sincera llamada sonrisa de Duchesne, y cuál es la educada o social que puede ser fácilmente forzada y que puede ocultar las emociones reales.

La risa en cambio nace de una o unas emociones más complejas e intensas. El gesto es involuntario e incontrolado Da rienda suelta a posible estrés o nervios, y aparece con situaciones de humor o sorpresa imprevista y agradable, produciendo un efecto muy importante en las relaciones humanas. Decimos que la risa es contagiosa y es bastante cierto. Se me escapan los porqués sicológicos de este fenómeno, pero pienso que se produce por simpatía.

La RAE define “simpatía” en su cuarta acepción y desde el punto de vista físico, como: “Relación entre dos cuerpos o sistemas por la que la acción de uno induce el mismo comportamiento en el otro”.

Efectivamente: Cuando un bebé llora, si hay otro próximo a él, también llora. Cuando algún familiar bosteza próximo a ti, te dan ganas de bostezar. Cuando alguien ríe a carcajadas cerca de ti te dan ganas de reír y normalmente acabas haciéndolo. Todo ello se hace por la “simpatía” descrita, pero la misma también se da como fenómeno acústico perceptible. Al afinar una guitarra, sus seis cuerdas se afinan pisando el quito traste y entonces emite el mismo sonido que la siguiente, excepto la tercera que lo hace pisando el cuarto traste. Una vez afinadas, si pulsas una cuerda pisando el quinto traste, vibra ella y vibra también la siguiente por simpatía.

Mi interés por el retrato viene de antiguo y hasta alguna vez llegué a tener la esperanza de encontrar el alma del retratado para plasmarla con mis pinceles. ¡Vano intento! Ya nos decía el capitán Fernández de Andrada aquello de “Fabio: Las esperanzas cortesanas prisiones son do el ambicioso muere y donde al más astuto nacen canas” y a mí que iba de astuto, me nacieron canas sin conseguirlo, pero saqué algunas conclusiones, una de ellas es que el alma hay que buscarla como a los pájaros que revolotean entre las ramas del chopo, del olmo o del nogal, y ella lo hace entre las arrugas que labró la vida en el rostro del humano, y que revolotea entre sus risas y sus llantos.

¿Y por qué no hay retratos de gente riendo en la pintura clásica? Cosa lógica: Porque no existía la cámara fotográfica. Cuando esta se inventó en 1837 dejó de ser imprescindible el posado al natural y se pudo echar mano de la fotografía que, congelando el tiempo, puede dejar constancia de un gesto fugaz pero muy expresivo, un gesto como es la risa. Pero hay personas que son risueñas por naturaleza, es su “manera de ser” y hoy no necesariamente hay que pintarlas serias. Para mí, el ser humano es como es, y no tiene por qué ser como le manden ni los fotógrafos ni los pintores ni nadie.

En este retrato intenté mostrar esa “manera de ser” de una niña de cinco años, llena de vitalidad y lo feliz ella era en aquellos años.

La expresión de Victoria me pareció llena de naturalidad: La boca abierta, los dientes en pleno movimiento, los ojos ligeramente entrecerrados en el momento inmediato anterior a estallar en carcajadas. No buscaba el retrato tradicional de pose solemne, que era lo que, por exigencias sociales desde el Renacimiento hasta el siglo XIX, se llevaba entonces. La risa se consideraba vulgar y tal vez hasta irreverente. Sin embargo, la fotografía permitió congelar lo espontáneo, y eso abrió una puerta enorme, a mi juicio, al retrato moderno.

No se trataba de buscar artificio ni teatralidad, sino de erradicarlos manteniendo la transparencia en la piel y el volumen en el cabello, pues entendí que equilibraban la intensidad expresiva del rostro.

Quería un retrato contemporáneo centrado en la verdad emocional del modelo más que en la pose académica.

Pero hay una razón que es mucho más decisiva y causa fundamental de esa carencia de retratos de personas riendo. No hay ser humano capaz de estar riendo mientras dura el posado ante el pintor. Ahí está la clave fisiológica y no solo cultural.

La risa es breve, involuntaria y difícil de sostener de manera natural durante mucho tiempo. Mantener una risa real durante las largas sesiones de posado tradicionales (que podían durar horas y repetirse durante semanas) es prácticamente imposible.

En el retrato clásico el modelo debía permanecer inmóvil largos periodos, mantener una expresión estable y repetir exactamente la misma postura en sesiones sucesivas Pero la risa, es dinámica, cambia en fracciones de segundo y se transforma rápidamente en gesto forzado si se intenta sostener.

Por todo ello, incluso aunque culturalmente se hubiese aceptado la risa como gesto digno (que no siempre fue así), técnicamente habría sido muy difícil pintarla del natural sin que perdiera verdad.

La fotografía resolvió el problema al inmovilizar el gesto en una décima de segundo. Pero en mi caso, lo importante era que no se trata solo de usar la fotografía como herramienta de dibujo, sino de decidir que la risa merece ser retratada, y ello me llevó estudiar más de trecientas fotografías de Victoria hasta conseguir aquella que yo

consideraba que la reflejaba mejor. A ello se debe añadir que el profundo afecto que yo le tenía a la niña y le sigo teniendo, quitara las pequeñas cosas que no me gustaban de la foto y acentuara las que consideré que le pudieran favorecer. Una tarea que sé que se hace incuso subconscientemente. No es lo mismo pintar a quien quieres que a quien ignoras u odias porque en medio está también el alma del pintor.

Aún hay algo más: Pintar una risa convincente exige entender no solo la anatomía, sino el movimiento implícito. En “Victoria” no vemos una sonrisa estática; percibimos el instante previo o posterior al sonido. Eso es lo que creo que le da vida.

Madrid 6 de febrero del 2026

Alfonso Calle

El pintor Ángel Rueda ha donado su cuadro «Mujer segoviana con guitarra» (81×60 cm) al Centro Segoviano de Madrid, en un acto que tuvo lugar hace unos días.

La obra tiene su origen en un acto de folklore segoviano celebrado meses atrás junto al Museo Daniel Zuloaga en Segovia capital.

En la génesis de esta pintura está la idea de lo mucho que ha cambiado el mundo de la pintura en las últimas décadas. Si observamos, hoy en día, los temas que tratan muchos pintores figurativos y realistas son recurrentes: paisajes y retratos, sobre todo. Pero, a diferencia de lo que sucede con otras artes, como la literatura y el cine, la pintura realista actual suele mostrar el momento presente, sin apenas mirar a los lados, al pasado o a un hipotético futuro.

La cuestión es que, en mi opinión, la fotografía ha condicionado y hasta «acorralado» al mundo de la pintura.

Décadas atrás, una obra de arte tenía valor por sí misma, e independientemente de su calidad, se consideraba el hecho de su «unicidad», es decir, de que no había otra como ella.

En el siglo XX era costumbre que hasta en los hogares más humildes hubiera pinturas originales que en muchos casos se compraban en tiendas de muebles o las ofrecían pintores en venta a domicilio.

En la actualidad, el arte ha desaparecido de muchos espacios públicos donde antes sí estaba, como hospitales, dependencias de la Administración, centros sanitarios, etc. Incluso hay hoteles en los que no existe un solo cuadro, lo cuál es terriblemente significativo.

Al igual que ocurre tantas veces, no hay una única causa que explique esta situación, pero es fácil pensar que el auge de la fotografía –sobre todo a través de los dispositivos móviles– tiene mucho que ver. Hay saturación de imágenes por todas partes, y al final, el consumidor acaba harto.

Ojalá pudieran llevarse a cabo iniciativas para intentar que el mundo del arte volviera a los espacios públicos en los que habitó ayer.

Porque una obra de arte es un objeto original y único, fruto de la creatividad de un ser humano. No de una máquina.

En el CC Padre Vallet

El 11 de marzo de 2026 se inaugura la exposición de pinturas que bajo el título de «Entorno, Sierra y Mar», ha preparado la socia Sagrario López Amador, que tendrá lugar en el Centro Cultural Padre Vallet de Pozuelo de Alarcón, que podrá visitarse hasta el día 5 de abril.

La propia artista nos comenta así su exposición:

Los cuadros expuestos, como bien dice el título, tratan del  “Entorno” que me rodea, de la Sierra y del Mar que me impone. Naturaleza de paisajes situados en la sierra de Guadarrama, en la que vivo, y pueblos localizados en La Mancha, región que me vio nacer. Propuestas naturales que recogen momentos únicos de las cuatro estaciones y que invitan al espectador a reflexionar sobre la relación entre el ser humano y su hábitat natural y familiar.

La colección de pinturas que presento está realizada entre los años 2022 al 2026 y tiene como objetivo final intentar mostrar al público los diálogos que el artista encara directamente con los diversos tipos de paisajes, cuyo resultado se plasma en las creaciones mostradas. Espero ser capaz de transmitir mi percepción de la naturaleza y que el público, al contemplar los cuadros, sientan la emoción de la Naturaleza tan cercana y familiar como la siento yo.

En mi trayectoria artística he pasado por diferentes fases: una fase inicial, en la cual realizo dibujos y pinturas en pastel; y una segunda fase donde realizo las pinturas en óleo sobre paisajes serranos y una tercera sobre el mar, la mar.

Mi estilo es realista contemporáneo español. En mis pinturas, busco el color y la luz para recoger la magia de lo cotidiano en una combinación equilibrada entre la naturaleza y los entornos que merodean. Son pinturas que se caracterizan por el uso de pigmentos y tonos que combinan los tonos suaves con los enérgicos, en un ejercicio de equilibrio armónico deliberado.

Por último, quisiera agradecer al Centro Cultural Padre Vallet de Pozuelo de Alcorcón,   la oportunidad que me ofrece por poder realizar esta exposición e impulsar y difundir, de este modo, la carrera de nuevos artistas.

EXPOSICIÓN SAGRARIO POZUELO

Sagrario López Amador

Exposición de pintura: «Entorno, Sierra y Mar»

Centro Cultural Padre Vallet

Pz. Padre Vallet, 1

Pozuelo de Alarcón (Madrid)

Del 11 de marzo al 5 de abril de 2026

De lunes a domingo: 9 a 21 h.

Se puede visitar hasta el 14 de febrero

El 31 de enero de 2026 tuvo lugar la inauguración y entrega de premios de la XIII Edición del Premio Internacional de Acuarela Julio Quesada, una convocatoria que ha contado con la colaboración de la Asociación Española de Pintores y Escultores y en la que han participado 68 autores, algunos de los cuales concurrieron con dos obras.

Junto a la amplia representación nacional, el certamen reafirmó su carácter internacional al recibir propuestas de artistas de México, Portugal, Francia y Perú.

El Jurado del Certamen ha estado compuesto por destacadas personalidades del mundo del arte: José Enrique González (Director de la Galería Artelibre), Juan García Sandoval (Director del Museo de Bellas Artes de Murcia), Amalia Navarro (Pintora), José Gabriel Astudillo (Presidente de la Asociación Española de Pintores y Escultores) y Jesús Lozano Saorín (Pintor y Comisario del Certamen).

Saorin tras felicitar a los premiados, destacó el incremento sostenido en la calidad del certamen, señalando que esta edición marca un hito histórico en su trayectoria.

Este éxito responde a factores clave, como la mejora de la dotación económica y el respaldo de dos entidades de gran prestigio artístico: la Asociación Española de Pintores y Escultores y el grupo Canson-Maimeri-Princeton-Das. Es por todo ello que, se ha convertido en uno de los Certámenes referentes de la Pintura a la Acuarela en España.

Guillermo Belso Candela (Presidente del Grupo Enercoop), aparte de hacer entrega de las distinciones concedidas en esta edición y felicitar a los premiados, subrayó la calidad de las obras presentadas y el orgullo que supone para la Cooperativa llevar a cabo con carácter bienal uno de los más importantes certámenes de pintura a la acuarela de cuantos se celebran en España.

La mesa presidencial estuvo encabezada por Mónica San Emeterio Gil (Concejala de Cultura del Ayuntamiento de Crevillent), quien tras felicitar a los premiados y alabar el alto nivel de las obras, subrayó el firme compromiso municipal con las artes plásticas, congratulándose de que este certamen se haya consolidado como un referente cultural indiscutible.

PREMIOS OTORGADOS:

PREMIO TEMA LIBRE: Otorgado a la obra “Riachuelo”, de Gonzalo Cabrera Guerra.

PREMIO TEMA RELACIONADO CON LA ELECTRICIDAD: Otorgado a la obra “La Central Eléctrica de los Almadenes” José Vicente Coves.

PREMIO ASOCIACIÓN ESPAÑOLA DE PINTORES Y ESCULTORES: Otorgado a la obra “Atrio Modernista”, de Laurentino Martí Badenes.

PREMIO CANSON-MAIMERI-PRINCETON-DAS: Otorgado a la obra: “Tensión en el Cielo”, de Aurelio García Rochera.

PREMIO LOCAL: Otorgado a las obras: “Vista de Crevillent”, de Antonio Olivares. Y a “Xiqueta Menaora” de Carmen Vilaescusa.

MENCIONES DE HONOR: Se han otorgado a la obra “San Andres”, de Cristobal Garrido Leal (Toba), y a la obra “La fuente de los Leones”, de Miguel Basante.

La convocatoria terminó con la muestra de las obras seleccionadas y premiadas, cuya inauguración corrió a cargo de Guillermo Belso Candela, presidente del Grupo Enercoop. El acto de apertura tuvo lugar en la sala de exposiciones de la Cooperativa Eléctrica San Francisco de Asís. De forma previa, los galardonados recibieron sus acreditaciones en una ceremonia celebrada en el salón de actos de la misma cooperativa (C/ Corazón de Jesús, 17, Crevillent).

Esta exposición, podrán contemplar algo más que una muestra artística, pues son documentos históricos que desafían lo meramente visual, ofreciendo una experiencia profunda y trascendental.

Exposición de las obras seleccionadas y premiadas

XIII EDICIÓN DEL PREMIO INTERNACIONAL DE ACUARELA JULIO QUESADA

Sala de exposiciones de la Cooperativa Eléctrica San Francisco de Asís

C/ Corazón de Jesús, núm. 17, Crevillent

Del 31 de enero al 14 de febrero de 2026