La AEPE lleva a Córdoba las obras ganadoras del Premio Reina Sofía en la Semana de Antonio Gala

La Asociación Española de Pintores y Escultores

estrecha los vínculos con la Fundación Antonio Gala

y reivindica el compromiso compartido con la

promoción de los artistas y la creación joven

 

La Asociación Española de Pintores y Escultores, AEPE, ha sido protagonista de la inauguración de una nueva edición de la Semana de Gala, celebrada el 9 de noviembre de 2026 en la Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores de Córdoba, con la apertura de una exposición que reúne las obras ganadoras del Premio Reina Sofía de Pintura y Escultura entre 2015 y 2026.

La muestra permite acercarse a algunas de las propuestas más destacadas de las últimas ediciones del certamen y constituye una nueva oportunidad para dar visibilidad al trabajo de los artistas reconocidos por la Asociación.

La exposición, organizada conjuntamente por la AEPE y la Fundación Antonio Gala, marca el comienzo de una Semana de Gala especialmente significativa, al coincidir con la llegada de la 25.ª promoción de jóvenes creadores a la institución cordobesa y con la celebración de su 25.º aniversario. Un contexto especialmente apropiado para poner en común dos trayectorias institucionales unidas por una misma convicción: el arte necesita espacios de reconocimiento, difusión y apoyo para que sus creadores puedan desarrollar plenamente su trabajo.

 

 

El salón de actos de la Fundación registró un lleno total en una jornada que reunió a representantes de las instituciones culturales, autoridades, artistas y socios de la AEPE. El presidente de la Fundación Antonio Gala, Francisco Moreno, abrió el acto destacando la oportunidad de contemplar reunidas las obras premiadas en las distintas ediciones del certamen, una iniciativa que permite reconocer la calidad y diversidad de la creación artística contemporánea.

Por parte de la AEPE intervinieron su Presidente, José Gabriel Astudillo López, y su Secretaria General y Secretaria Perpetua, María Dolores Barreda Pérez, quienes repasaron la historia de la Asociación, fundada en 1910, y la evolución del Premio Reina Sofía de Pintura y Escultura, uno de los reconocimientos más destacados de su actividad artística.

Sus intervenciones sirvieron para recordar la larga trayectoria de la entidad en la defensa y promoción de las artes plásticas, así como su compromiso permanente con los artistas y con la difusión de sus obras.

En su intervención, la secretaria general de la AEPE, M.ª Dolores Barreda Pérez, realizó un recorrido por la historia de la Asociación Española de Pintores y Escultores desde su fundación en 1910, recordando algunos de los principales hitos de su trayectoria y su estrecha vinculación con la evolución del arte y la cultura de cada época.

Barreda puso especial énfasis en cómo, a pesar del paso del tiempo y de los profundos cambios experimentados por el panorama artístico, la Asociación ha sabido conservar intactos los principios que inspiraron su nacimiento. Una fidelidad a sus ideas fundacionales que explica la continuidad de su esencia y el prestigio alcanzado a lo largo de más de un siglo de existencia, respaldado también por la calidad y el reconocimiento de los artistas que han formado parte de sus jurados, entre los que figuran nombres de destacada proyección nacional e internacional.

Especialmente emotiva fue la intervención del presidente de la AEPE, José Gabriel Astudillo López, que estableció un hermoso paralelismo entre el pensamiento de Antonio Gala y los principios que han guiado a la Asociación desde sus orígenes. A través de distintas reflexiones del escritor cordobés sobre la esencia del arte, la vocación creadora, la belleza, la memoria y el compromiso del artista, Astudillo fue trazando un territorio común entre el ideario de Gala y la filosofía de la AEPE.

Al abordar la esencia del arte, recordó las palabras de Antonio Gala: «El arte no es un lujo, es una necesidad del espíritu», «Solo el arte nos salva de la rutina de existir» y «Crear es una forma de resistencia frente al olvido». Unas reflexiones que encuentran pleno sentido en la trayectoria de la AEPE, que durante más de un siglo ha defendido que el arte, lejos de ser un lujo, constituye una necesidad esencial para el ser humano y para la sociedad.

Sobre la figura del artista, evocó otras palabras del escritor: «El artista no copia el mundo: lo revela», «El verdadero creador no busca agradar, busca comprender» y «Ser artista es mirar donde otros no miran». Una concepción que la Asociación reconoce en tantos creadores que han formado parte de su historia y que, a través de sus obras, no se han limitado a reproducir la realidad, sino que han sabido revelarla desde una mirada propia.

La vocación y el compromiso ocuparon también un lugar destacado en su intervención. «El arte exige entrega, no concesiones», «Quien crea, se expone» y «El talento sin constancia es solamente un intento» fueron las frases con las que Astudillo recordó la exigencia que acompaña a toda verdadera trayectoria creadora. Una filosofía que la AEPE ha hecho suya desde su fundación, manteniéndose como un espacio de entrega y dedicación en el que la creación artística se valora por encima de cualquier otra consideración.

La memoria y el patrimonio centraron otro de los momentos de su reflexión, al recordar que «Un pueblo sin arte es un pueblo sin memoria», «El arte conserva lo que el tiempo intenta borrar» y «La cultura es el único legado que no se empobrece al compartirse». En este punto, Astudillo puso en valor la labor de recuperación de obras olvidadas o desaparecidas que desarrolla la AEPE, una tarea que trasciende lo artístico para convertirse también en un ejercicio de recuperación de la memoria colectiva y del patrimonio cultural de nuestro país.

La belleza y la emoción encontraron igualmente su espacio en este recorrido por el pensamiento de Gala. «La belleza no se explica: se reconoce», «El arte no da respuestas, despierta preguntas» y «La emoción es el verdadero lenguaje del arte» fueron algunas de las reflexiones evocadas por el presidente de la AEPE, que las relacionó con la capacidad de las obras para conmover, provocar interrogantes y abrir nuevas formas de mirar. Una filosofía que encuentra su reflejo en los numerosos artistas que, a lo largo de las distintas ediciones del Salón de Otoño, han compartido con el público sus propuestas y su particular manera de entender la creación.

Por último, el tiempo y la permanencia de la obra artística sirvieron para cerrar este recorrido con dos nuevas reflexiones: «El arte es lo único que vence al tiempo» y «Una obra verdadera siempre encuentra el momento de ser descubierta». Unas palabras que adquieren un significado especial al recordar el trabajo de la AEPE en la recuperación de obras olvidadas, demostrando que el arte siempre acaba encontrando su camino y que las creaciones auténticas conservan intacta su capacidad de emocionar a nuevas generaciones.

La intervención concluyó tendiendo un puente entre ambas instituciones, unidas por una misma manera de entender la cultura y la creación: la Fundación Antonio Gala y la Asociación Española de Pintores y Escultores comparten el compromiso de mantener viva la emoción del arte, preservar su memoria y proyectar su legado hacia el futuro. Un encuentro entre la palabra y la forma, entre el pensamiento y la materia, en el que ambas entidades reconocen un mismo impulso creador.

La presencia de la AEPE en esta iniciativa representa también una oportunidad para acercar a nuevos públicos el trabajo que desarrolla la Asociación y el alcance de un premio que, edición tras edición, reconoce diferentes formas de entender y expresar la creación artística.

Reunir en Córdoba las obras galardonadas durante estos años permite, además, ofrecer una perspectiva de la evolución del certamen y de los artistas que han formado parte de su historia.

Uno de los aspectos más significativos del encuentro fue precisamente la conexión entre los premiados por la AEPE y la Fundación Antonio Gala. La delegada de Cultura del Ayuntamiento de Córdoba, Isabel Albás, encargada de cerrar el acto inaugural, destacó que tres de los artistas distinguidos con el Premio Reina Sofía han sido residentes de la Fundación. Una circunstancia que pone de manifiesto la estrecha relación entre el reconocimiento artístico y el impulso a los jóvenes creadores, dos ámbitos en los que ambas instituciones desarrollan una labor complementaria.

La inauguración contó con la presencia del delegado territorial de Cultura, Patrimonio Histórico y Deporte de la Junta de Andalucía, Eduardo Lucena, y del rector de la Universidad de Córdoba, Manuel Torralbo, además de representantes de los grupos municipales y de distintas instituciones culturales. También asistieron Francis Arroyo Ceballos, delegado de la AEPE en Córdoba; Fidel Romero, representante del Museo José Garnelo de Montilla, y artistas y socios de la Asociación, entre ellos Juanjo Garlo.

 

 

Especial relevancia tuvo asimismo la presencia de algunos de los artistas premiados, como Manuel Díaz Meré, Pedro Quesada y Francisco Vera, que quisieron acompañar esta inauguración y compartir una jornada en la que sus obras y trayectorias ocuparon un lugar destacado. Su asistencia contribuyó a convertir el encuentro en una celebración del arte y de quienes lo hacen posible.

La exposición podrá visitarse hasta el 10 de enero de 2027 en la sede de la Fundación Antonio Gala, situada en el número 20 de la calle Ambrosio de Morales, en Córdoba. La muestra constituye una ocasión excepcional para contemplar de forma conjunta las obras reconocidas por el Premio Reina Sofía durante los últimos años y conocer mejor la labor que la AEPE desarrolla en favor de la pintura y la escultura.

Con esta participación, la Asociación Española de Pintores y Escultores reafirma su voluntad de establecer vínculos con otras instituciones culturales, impulsar proyectos de colaboración y seguir llevando el trabajo de sus artistas a nuevos espacios y públicos. Una labor que forma parte de su identidad desde 1910 y que encuentra en iniciativas como esta una expresión especialmente significativa.

La Semana de Gala continuará hasta el domingo 15 de noviembre con conferencias, presentaciones de libros, exposiciones y conciertos, dentro de una programación multidisciplinar que celebra la creación en todas sus formas.

Para la AEPE, la inauguración supone, además, una ocasión para compartir con la Fundación Antonio Gala una misma apuesta por el talento artístico y por el futuro de la cultura.

Los artistas ganadores del Premio Reina Sofía de Pintura y Escultura de la AEPE de su 50 a 61 edición han sido:

2015: Juan José Vicente Ramírez

2016: Cristina Gamón Lázaro

2017: Coderch & Malavia Sculptors

2018: Pedro Quesada Sierra

2019: Jorge Gallego García

2020: Manuel Díaz Meré

2021: José Manuel Martínez Pérez

2022: Alejandro Martínez García

2023: César Orrico

2024: Francisco Vera Muñoz

2025: José Carlos Naranjo

2026: Sergio Romero Linares

 

 

 

Exposición Premio Reina Sofía de Pintura y Escultura de la

Asociación Española de Pintores y Escultores

Obras ganadoras del Premio Reina Sofía de Pintura y Escultura (2015-2026)
XXV Aniversario de la Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores

Del 9 de noviembre de 2026 al 10 de enero de 2027
Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores
C/ Ambrosio de Morales, 20

14003 Córdoba

La AEPE en la inauguración de la exposición dedicada a Teresa Sánchez Gavito

El Museo Ulpiano Checa y el Ayuntamiento

de Colmenar de Oreja inauguran una

muestra que recupera la figura de una

de las primeras socias de la

Asociación Española de Pintores y Escultores

El Museo Ulpiano Checa ha inaugurado hoy la exposición dedicada a la pintora Teresa Sánchez-Gavito Perdomo, una destacada artista vinculada a la historia de la Asociación Española de Pintores y Escultores (AEPE), en una iniciativa organizada por el propio museo en colaboración con el Ayuntamiento de Colmenar de Oreja.

El acto inaugural contó con la asistencia del Consejero de Cultura de la Comunidad de Madrid, el Alcalde de Colmenar de Oreja, el Director del Museo Ulpiano Checa y de Mª Dolores Barreda Pérez, Secretaria General de la Asociación Española de Pintores y Escultores, invitada expresamente por la organización como representante de la entidad a la que perteneció la artista.

La exposición supone un importante reconocimiento a la trayectoria de Teresa Sánchez-Gavito Perdomo, una creadora cuyo nombre ha sido recuperado gracias a las investigaciones históricas que desde hace años viene desarrollando la AEPE para rescatar la memoria de las mujeres artistas que formaron parte de la institución desde sus primeros tiempos.

Precisamente, la biografía de la pintora fue publicada en febrero de 2024 en la página web de la Asociación Española de Pintores y Escultores, dentro de un amplio proyecto de investigación dedicado a las primeras socias de la entidad. Un trabajo que ha permitido documentar y difundir las trayectorias de numerosas artistas injustamente olvidadas por la historiografía tradicional.

Durante la inauguración se puso de relieve la importancia de seguir recuperando estas figuras femeninas que contribuyeron al desarrollo de las Bellas Artes españolas y que, en muchos casos, apenas habían recibido el reconocimiento que merecen. La muestra dedicada a Teresa Sánchez-Gavito constituye así un ejemplo de cómo la investigación histórica, la colaboración institucional y el compromiso con el patrimonio cultural permiten devolver visibilidad a nombres fundamentales de nuestra historia artística.

Para la AEPE, la invitación recibida reviste además un especial significado al tratarse de una de sus antiguas socias y por celebrarse en el Museo Ulpiano Checa, dedicado a quien fuera Delegado de la Asociación en París y una de las personalidades más relevantes de la pintura española de su tiempo.

Mª Dolores Barreda Pérez destacó que «cada vez que una de nuestras socias históricas vuelve a ocupar el lugar que merece, no solo se hace justicia a una artista, sino también a una parte esencial de la historia de la Asociación Española de Pintores y Escultores y de las Bellas Artes españolas. Teresa Sánchez-Gavito deja hoy de ser un nombre olvidado para convertirse nuevamente en patrimonio vivo de nuestra cultura».

La inauguración ha supuesto, en definitiva, un reconocimiento institucional a una artista recuperada para la historia y una nueva demostración de la necesidad de continuar investigando y difundiendo el legado de tantas mujeres que contribuyeron al enriquecimiento del panorama artístico español y cuyo recuerdo merece permanecer vivo para las generaciones futuras.

El Alcalde de Colmenar de Oreja, Miguel Ángel Pulido Cobos, el Consejero de Cultura de la Comunidad de Madrid, Mariano de Paco, Ángel Benito García,

Director del Museo Ulpiano Checa de Colmenar de Oreja y Mª Dolores Barreda Pérez, Secretaria General y Secretaria Perpetua de la Asociación Española de Pintores y Escultores

La Gaceta de Bellas Artes alcanza su número 800 con una edición extraordinaria

La publicación de la Asociación Española de Pintores y Escultores

conmemora un hito editorial único

 

Detrás de este número 800 está la dedicación, la pasión y el esfuerzo

de Mª Dolores Barreda Pérez, impulsora de una Gaceta

renovada, viva y más relevante que nunca

La Asociación Española de Pintores y Escultores (AEPE) ha publicado el número extraordinario 800 de la Gaceta de Bellas Artes, una edición histórica que celebra la larga trayectoria de una publicación que se ha convertido en testigo privilegiado de la evolución artística española, en una de las señas de identidad más importantes de la centenaria institución y en una de las publicaciones artísticas más emblemáticas del panorama cultural español.

Alcanzar el número 800 supone mucho más que una cifra. Representa la continuidad de un proyecto cultural que, a lo largo de décadas, ha documentado la actividad de la AEPE, ha difundido el trabajo de miles de artistas y ha contribuido a preservar la memoria de las Bellas Artes españolas para las generaciones presentes y futuras.

Este número es por sí mismo un acontecimiento de especial relevancia para una revista que, desde sus páginas, ha sabido acompañar la evolución de las Bellas Artes y dar voz a generaciones de creadores, críticos, historiadores y amantes del arte.

Esta edición extraordinaria reúne artículos, colaboraciones, reflexiones y testimonios de artistas, académicos, críticos, historiadores y representantes institucionales que han querido sumarse a una celebración que pone de manifiesto la vigencia de una publicación que ha sabido adaptarse a los nuevos tiempos sin perder su vocación fundacional de servicio al arte.

Todos sus testimonios se convierten así en un homenaje al valor de la cultura, la creación y la memoria artística colectiva.

La publicación repasa además algunos de los hitos más significativos de la historia de la Asociación Española de Pintores y Escultores, fundada en 1910, una institución que ha desempeñado un papel fundamental en la promoción y defensa de los artistas españoles a lo largo de más de un siglo, impulsando iniciativas tan relevantes como el histórico Salón de Otoño, una de las exposiciones de arte más prestigiosas y longevas de España.

El presidente de la Asociación Española de Pintores y Escultores, José Gabriel Astudillo López, ha destacado la trascendencia de este acontecimiento señalando que:

«Alcanzar el número 800 de la Gaceta de Bellas Artes es un motivo de inmenso orgullo para toda la familia de la AEPE. No se trata únicamente de celebrar una publicación, sino de reconocer una historia compartida por miles de artistas que han encontrado en estas páginas un lugar de encuentro, reflexión y difusión. La Gaceta es memoria, presente y futuro de nuestra institución, y constituye uno de los legados culturales más valiosos que hemos sabido conservar y proyectar hacia las nuevas generaciones«.

El presidente ha querido además reconocer de forma especial la labor realizada por la directora de la publicación, Mª Dolores Barreda Pérez, cuyo trabajo continuado ha contribuido decisivamente a reforzar la relevancia de la cabecera:

«Gran parte del extraordinario momento que vive hoy la Gaceta de Bellas Artes se debe al esfuerzo, la dedicación y la visión de su directora. Mª Dolores Barreda Pérez ha sabido otorgar a la publicación la importancia que merece, convirtiéndola en una herramienta fundamental de comunicación, documentación y difusión cultural. Su trabajo constante, riguroso y apasionado ha elevado el nivel de la revista y la ha consolidado como una referencia indispensable para el mundo del arte«.

Bajo su dirección, la Gaceta ha ampliado contenidos, recuperado episodios fundamentales de la historia de la Asociación Española de Pintores y Escultores, dado voz a destacados creadores contemporáneos y fortalecido su papel como vehículo de divulgación artística y patrimonial. El resultado es una publicación que combina actualidad, investigación, historia y reflexión, convirtiéndose en un espacio único dentro del panorama cultural español.

La edición número 800 supone también un homenaje a todos los colaboradores, autores, socios, artistas e instituciones que han contribuido a escribir esta larga historia editorial. Cada página publicada a lo largo de los años constituye una pieza de la memoria colectiva de una institución fundada en 1910 que ha desempeñado un papel esencial en la defensa y promoción de los artistas españoles.

En una época caracterizada por la rapidez de la información y la fugacidad de los contenidos, la Gaceta de Bellas Artes continúa apostando por el rigor, la profundidad y el compromiso con la cultura, manteniendo viva una tradición editorial que forma parte del patrimonio histórico de la Asociación Española de Pintores y Escultores.

Con este número extraordinario, la AEPE mira al futuro con la satisfacción del camino recorrido y con la determinación de seguir haciendo de la Gaceta un punto de encuentro para todos aquellos que entienden que el arte no sólo merece ser creado y contemplado, sino también contado, estudiado, preservado y compartido.

Ochocientos números después, la Gaceta de Bellas Artes sigue cumpliendo la misma misión que inspiró sus primeras páginas: servir al arte, dar voz a los artistas y custodiar una memoria que pertenece a todos.

Puedes verla pinchando aquí abajo

Nº 800 Extraordinario noviembre 2026

 

8.000 visitantes en dos días: el Salón de Otoño arrasa en Madrid

La exposición de la AEPE firma un arranque espectacular en su 93 edición

Hay cifras que hablan por sí solas. Y luego están las que hacen historia.

El 93 Salón de Otoño de la Asociación Española de Pintores y Escultores ha superado todas las expectativas al recibir 8.000 visitantes durante su primer fin de semana de apertura, una afluencia extraordinaria que confirma el enorme interés que despierta la cita artística más veterana y prestigiosa de España.

Miles de personas han recorrido ya las salas de exposición atraídas por una muestra que reúne algunas de las propuestas más destacadas de la creación contemporánea, consolidando al Salón de Otoño como un acontecimiento cultural de primer orden en el panorama nacional.

Lo que comenzó hace más de un siglo como una iniciativa impulsada por artistas rebeldes que aspiraban a abrir nuevos caminos para el arte español, continúa hoy demostrando una vigencia sorprendente. El público ha respondido de forma masiva, convirtiendo las primeras jornadas de la exposición en un auténtico fenómeno de asistencia.

Familias, coleccionistas, críticos, estudiantes de Bellas Artes, aficionados y visitantes procedentes de distintos puntos de España han coincidido en las salas para contemplar las obras seleccionadas en esta nonagésimo tercera edición, una muestra que refleja la diversidad, calidad y riqueza del arte actual.

Un éxito que desborda las previsiones

La cifra de 8.000 visitantes en tan solo dos días sitúa al 93 Salón de Otoño entre los grandes acontecimientos culturales de la temporada madrileña y pone de manifiesto que el arte sigue ocupando un espacio esencial en la sociedad.

El notable respaldo del público adquiere además un significado especial en un momento en el que la oferta cultural es más amplia que nunca. Frente a la dispersión de propuestas, el Salón de Otoño vuelve a demostrar su capacidad de convocatoria y el prestigio construido a lo largo de más de cien años de historia.

La exposición se ha convertido así en uno de los temas más comentados del fin de semana cultural madrileño, con visitantes que han destacado tanto la calidad de las obras presentadas como la emoción de participar en una muestra que forma parte del patrimonio artístico español.

El arte sigue importando

Lejos de quienes sostienen que las Bellas Artes viven tiempos difíciles, estos miles de visitantes lanzan un mensaje rotundo: el arte interesa, emociona y sigue siendo capaz de movilizar a la sociedad.

Cada una de las 8.000 personas que han cruzado las puertas de la exposición durante este primer fin de semana representa algo más que una visita. Representa la curiosidad, el encuentro con la belleza, la reflexión y el apoyo a los creadores que mantienen viva la cultura.

Y mientras las cifras continúan creciendo día tras día, el 93 Salón de Otoño confirma que no solo es una exposición. Es un acontecimiento. Un punto de encuentro entre artistas y público. Una tradición centenaria que sigue escribiendo nuevas páginas de éxito.

Porque cuando 8.000 personas deciden dedicar su tiempo al arte en apenas un fin de semana, no estamos ante una cifra. Estamos ante una auténtica noticia.

El 93 Salón de Otoño ya es un éxito. Y esto no ha hecho más que empezar.

Recogida del carnet de nuevos socios de la AEPE

En la sede social

 

La Asociación Española de Pintores y Escultores celebró el pasado viernes 4 de septiembre un emotivo acto institucional en su sede social, enmarcado dentro de las actividades periódicas que realiza la entidad. Durante el encuentro, se procedió a la entrega oficial de carnets a los nuevos miembros que pasan a formar parte de la histórica institución centenaria.

Ante un numeroso público integrado por creadores, socios y amigos del arte, el Presidente de la Asociación Española de Pintores y Escultores, José Gabriel Astudillo López, dio una calurosa bienvenida a los nuevos integrantes.

Bajo la atenta mirada de los miembros de la Junta Directiva, el presidente hizo entrega de las credenciales que los acreditan oficialmente como parte de esta gran familia artística a: Eugenia Costa Pérez, Amelia Mendivil Blanco y a Marta Ranz.

De izquierda a derecha: José Gabriel Astudillo López, Eugenia Costa Pérez, Amelia Mendivil Blanco y Marta Ranz

 

Inaugurado el 93 Salón de Otoño

En la gran gala de las Bellas Artes en España

 

La Asociación Española de Pintores y Escultores entregó el 29 de octubre de 2026 los premios correspondientes al 93 Salón de Otoño, organizado por esta entidad centenaria, en una gran gala del arte que tuvo lugar en la Casa de Vacas del Parque del Buen Retiro, en la exposición de obras que se podrá visitar hasta el próximo domingo 29 de noviembre, de lunes a viernes, entre las 10 y las 21 h.

Fotografía de familia del 93 Salón de Otoño de la AEPE

 

El acto de inauguración de la exposición contó con la presencia del Presidente de la Asociación Española de Pintores y Escultores, José Gabriel Astudillo, del Vicepresidente, Juan Manuel López Reina, de Mª Dolores Barreda Pérez, Secretaria General,  y los Vocales de la Junta Directiva Carmen Bonilla Carrasco, Juan Ramón Luque Ávalos y Delia García Laredo, así como de Juan Pedro Jordá Espina, biznieto del creador del Salón de Otoño, Juan Espina y Capo, que asistió orgulloso a la nonagésimo tercera edición de un certamen nacido en 1920 que se ha convertido en el más antiguo y prestigioso de los que se convocan en España.

Además, estuvieron presentes los representantes de las entidades colaboradoras del 93 Salón de Otoño: Cristina Morales, Concejala de Cultura, del Ayuntamiento de Móstoles, Mercedes Neria, Concejala de Cultura de Leganés, José Luis Manzanares y Pablo Martínez de Tritoma Gestión Cultural, Alan Hernández, de Inmobiliarias Encuentro, Miguel Ángel Codina, de la Fundición Codina Escultura, Juan Luis Olleros, Presidente de la Agrupación Española de Acuarelistas, Begoña Alcalá-Galiano, en representación de la familia Alcalá-Galiano y por la Fundación Down Madrid, Ignacio Egea.

Contamos además con la presencia de la mayoría de los miembros del Jurado reunido para la ocasión como son Alejandro Aguilar Soria, Paula Varona, Ricardo Sanz, Soledad Fernández, Mª Dolores Chamero y Tomás Paredes, Wifredo Rincón, José Luis Fernández así como otros Socios de Honor de la centenaria entidad como Luis Javier Gayá…

La Junta Directiva de la AEPE: Juan Ramón Luque Ávalos, Delia García Laredo, Carmen Bonilla Carrasco, Juan Manuel López Reina y José Gabriel Astudillo López

Los miembros del Jurado que asistieron a la gala: Dolores Chamero, Tomás Paredes, Soledad Fernández, Ricardo Sanz y Alejandro Aguilar Soria

 

Presentes estuvieron también numerosos socios, los artistas seleccionados venidos desde todos los rincones de la geografía nacional especialmente para el Salón de Otoño, así como un elevadísimo número de público que no pudo acceder al Salón de Actos de la Casa de Vacas, por tener un limitado aforo de 125 personas, y que esperaron pacientemente la salida de cuantos allí estaban, para departir y charlar sobre los trabajos premiados y seleccionados.

La presentación del acto corrió a cargo de la Secretaria General y Secretaria Perpetua de la AEPE, Mª Dolores Barreda Pérez, y se inició con las siguientes palabras:

«Buenas tardes:

Con el alma encogida.

Es imposible ignorar el profundo dolor que nos embarga hoy.

La Dana nos inundó de tristeza y hoy el tren ha arrollado nuestros corazones.

Hoy nos une el luto sincero y compartido.

Seguir adelante con esta gala de las Bellas Artes de España ha sido una decisión difícil y dolorosa.

Pero si estamos aquí es porque nos sostiene el enorme agradecimiento hacia los artistas, llegados de muchos lugares de todo el mundo y de toda España, cruzando fronteras para acompañarnos.

El arte nos enseña a mirar el mundo con sensibilidad. Y hoy esa sensibilidad nos obliga a detenernos un instante.

Les pido que guardemos un minuto de silencio y que este silencio sea nuestro abrazo para las víctimas, sus familias y cuantos sufren por la espantosa tragedia que tiñe de luto a España».

Un profundo silencio y una emoción contenida se instaló entre los presentes

 

Tras el emocionado minuto de silencio, dio comienzo el acto:

“Señoras y señores, queridos amigos:

Como seguramente sabrán, en los Salones de Otoño siempre había una Sala del Recuerdo, en la que se rendía homenaje a quienes habían engrandecido el arte español. En esas salas la AEPE ha conseguido exponer cuadros de Velázquez, Goya, Madrazo, Rosales… ante la imposibilidad de hacerlo en la actualidad, a lo largo de este año 2026 venimos rindiendo homenaje a seis socios muy especiales que me gustaría recordar con todos ustedes, sobre todo porque su vida y obra están pasando inadvertidas para el Ministerio de Cultura, que es quien debería homenajearlos a todos con acciones y hechos.

Celebramos el 160 aniversario del nacimiento del escultor Miguel Blay, Socio Fundador de la AEPE y Presidente de la AEPE. Uno de los grandes referentes de la escultura modernista y realista en España, bautizado por nuestro Mariano Benlliure como el “príncipe de la elegancia y la corrección”.

Conmemoramos el 160 aniversario del nacimiento de José Garnelo y Alda, Socio Fundador de la AEPE, Secretario General de la AEPE y Director de la Gaceta de Bellas Artes, Subdirector del Museo del Prado, profesor de Picasso… un ejemplo de artista respetado por su talento, su magisterio y su compromiso con el arte.

Recordamos el 160 aniversario del nacimiento de Aniceto Marinas, Socio Fundador de la AEPE, Vocal de la AEPE y un escultor que alcanzó el máximo reconocimiento por la excelencia de su obra, sin necesidad de artificios ni modas pasajeras.

Nos acordamos también  del 150 aniversario del nacimiento de Pilar Montaner, Socia Fundadora de la AEPE, pionera de la pintura española y referente del talento femenino en el arte de su tiempo.

Celebramos el 150 aniversario del nacimiento de Lorenzo Coullaut Valera, Vocal de la AEPE, el escultor que llevó la historia y la literatura españolas a plazas y grandes monumentos como el de Cervantes en la Plaza de España.

Y por último, recordamos el 160 aniversario del nacimiento de Ulpiano Checa, Delegado de la AEPE en París y uno de los referentes de la pintura española con proyección internacional y precursor de la estética del cine de Hollywood.

Y por supuesto, nuestro recuerdo, homenaje y reconocimiento a Juan Espina y Capo, el fundador del Salón de Otoño.

Vaya nuestro sentido homenaje con este aplauso para todo ellos y nuestro agradecimiento a sus familiares que hoy nos acompañan.

Contamos también con la presencia de otros Socios de Honor, miembros de esta casa común, como le gusta llamar a la AEPE a nuestro Presidente, artistas y amigos de las bellas artes.

Queridos amigos, queridos artistas:

Como ya sabéis, en esta gala me dirijo a vosotros desde mi responsabilidad como Secretaria General y Secretaria Perpetua de la Asociación Española de Pintores y Escultores.

En otras ocasiones he aprovechado este momento para denunciar aquello que considero injusto: el abandono de las artes plásticas por parte de quienes deberían protegerlas; la arbitrariedad con la que se reparten premios, becas y subvenciones; el cierre de espacios a muchos artistas por razones ideológicas; la sustitución del mérito por la corrección política; y la pérdida de libertad que sufre el mundo del arte cuando se pretende dirigirlo desde los despachos.

Y todo eso lo sigo defendiendo hoy. Pero esta noche quiero compartir una excelente noticia.

Como seguramente sabréis, la Comunidad de Madrid ha concedido al Salón de Otoño el Premio de Cultura de las Artes Plásticas.

No es un premio cualquiera. Es el reconocimiento a la exposición artística más antigua de España. Es el reconocimiento a una institución que lleva más de un siglo defendiendo el arte sin privilegios, sin favoritismos y sin depender de nadie.

De ahí nuestro profundo y emocionado agradecimiento a la Comunidad de Madrid por comprender el valor de una tradición cultural que forma parte de la historia artística de España.

El Salón de Otoño nació porque un grupo de artistas decidió rebelarse contra la arbitrariedad. Creyeron que el arte podía juzgarse de otra manera: con libertad, con honestidad y con igualdad de oportunidades.

Por eso aquí no hay cuotas. Aquí no hay amiguismos. Aquí no hay privilegios. Aquí las obras hablan por sí mismas. Aquí el talento compite en igualdad de condiciones. Y aquí son los artistas quienes reconocen a otros artistas.

Esa es la razón por la que nuestras medallas poseen un prestigio tan especial. Porque no nacen de modas pasajeras ni de consignas administrativas. Nacen del respeto de los iguales.

En tiempos en los que tantas instituciones culturales viven pendientes de subvenciones, de relatos oficiales o de tendencias efímeras, la AEPE sigue siendo independiente. Y la independencia tiene un precio. A veces supone invisibilidad. Pero también tiene un valor inmenso: la credibilidad.

La Asociación Española de Pintores y Escultores lleva 116 años trabajando por el arte español. Ha sobrevivido a todos los cambios políticos imaginables. Ha organizado miles de actividades culturales. Ha defendido a generaciones enteras de artistas.

Y lo ha hecho sin costarle un euro al contribuyente. Gracias al esfuerzo de sus socios. Gracias al trabajo desinteresado de quienes la dirigen. Gracias a una convicción sencilla pero poderosa: que el arte debe ser libre.

Hoy este premio reconoce precisamente eso.

Reconoce a una institución que nunca ha dejado de creer en la pintura, en la escultura, en el dibujo, en el grabado, en la acuarela y en todas aquellas disciplinas que algunos consideran tradicionales, pero que siguen siendo plenamente contemporáneas porque hablan el lenguaje eterno de la belleza, la creatividad y el talento.

Este premio no es de una Junta Directiva, ni de una generación concreta de artistas. Este premio pertenece a todos los que, durante 116 años, han mantenido viva esta casa.

Pertenece a quienes pintaron y esculpieron cuando hacerlo era difícil. A quienes siguieron creando cuando nadie miraba. A quienes expusieron aquí siendo jóvenes y hoy son maestros. A quienes ya no están, pero dejaron su huella en estas salas y en nuestra historia.

Pertenece a los socios de la AEPE, a sus artistas, a sus trabajadores, a quienes han dedicado su tiempo, su esfuerzo y hasta sus propios recursos para que esta Asociación siguiera en pie cuando tantos la daban por amortizada.

Porque las instituciones verdaderamente importantes no son las que más dinero tienen, ni las que más aparecen en los medios de comunicación. Son las que resisten. Las que permanecen. Las que son capaces de atravesar generaciones enteras sin renunciar a sus principios. La Asociación Española de Pintores y Escultores es una de ellas.

Y este reconocimiento de la Comunidad de Madrid viene a decirnos algo que quizá nosotros ya sabíamos, pero que hoy queda confirmado públicamente: que ha merecido la pena. Ha merecido la pena defender la libertad creadora. Ha merecido la pena mantener la independencia. Ha merecido la pena creer que el talento está por encima de las modas, de las consignas y de los intereses pasajeros.

Y ha merecido la pena porque, después de ciento dieciséis años, el Salón de Otoño sigue aquí. Sigue convocando artistas. Sigue despertando emociones. Sigue demostrando que el arte verdadero no necesita tutelas para sobrevivir.

Porque mientras exista un artista dispuesto a crear con honestidad, mientras exista una obra capaz de conmover a otra persona, mientras exista la libertad de imaginar y de expresar, habrá razones para seguir defendiendo el arte.

Y podéis tener la seguridad de que la AEPE seguirá haciéndolo. Con la misma independencia. Con la misma convicción. Con el mismo amor al arte con el que comenzó esta historia hace más de un siglo.

Muchas gracias y enhorabuena a todos, porque este premio también es vuestro. Hoy celebramos un reconocimiento, sí, pero sobre todo celebramos algo mucho más importante: que el arte libre, honesto y creado desde la verdad sigue vivo. Y seguirá vivo mientras existan artistas como vosotros.

Porque frente a quienes quieren un arte dirigido, nosotros seguiremos defendiendo un arte libre.

Y mientras haya libertad, habrá artistas; y mientras haya artistas, habrá esperanza.

Muchas gracias. Viva el arte español, y viva la libertad de crear”.

 

La Secretaria General y Secretaria Perpetua de la AEPE, Mª Dolores Barreda Pérez, en un momento de su intervención

 

Seguidamente, tomó la palabra el Presidente de la Asociación Española de Pintores y Escultores, José Gabriel Astudillo López, quien se dirigió a los presentes con estas palabras:

“El Salón de Otoño alcanza en esta edición su 93ª convocatoria, una cifra que trasciende lo meramente numérico para convertirse en testimonio de permanencia, compromiso y fidelidad al arte. Noventa y tres ediciones consecutivas no son fruto de la casualidad ni de coyunturas favorables: son el resultado de una voluntad firme, sostenida durante más de un siglo, de defensa y promoción de la pintura y la escultura en España.

Desde su creación en 1920, el Salón de Otoño de la Asociación Española de Pintores y Escultores se ha consolidado como el certamen artístico más antiguo, prestigioso y respetado del mundo, solo precedido por el histórico Salón de París. A lo largo de estas décadas, ha sabido mantener intacta su esencia: ser un espacio de libertad, rigor y excelencia, donde las obras se presentan al juicio del arte, y solo del arte. Un legado inquebrantable que este año alcanza su máxima consagración histórica al ser galardonado con el prestigioso Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid en la categoría de Artes Plásticas.

Esta edición vuelve a demostrar que la creación artística sigue viva, plural y vigorosa. Las obras que conforman este catálogo son reflejo del talento, el esfuerzo y la honestidad de artistas procedentes de todos los rincones de España, del mundo, que han encontrado en el Salón de Otoño un lugar de encuentro, reconocimiento y diálogo. Aquí conviven la experiencia y la juventud, la tradición y la contemporaneidad, unidas por un mismo respeto al oficio y a la búsqueda sincera de la calidad artística.

La Asociación Española de Pintores y Escultores, entidad centenaria, independiente y sin ánimo de lucro, continúa asumiendo con responsabilidad y orgullo una labor que va mucho más allá de la mera organización de un certamen. A través de esta alta distinción institucional, la sociedad civil y sus instituciones nos reconocen formalmente como legítimos guardianes del patrimonio histórico-artístico y cultural de nuestra nación. Con este galardón, el Salón de Otoño no solo se consolida, sino que se eleva definitivamente a la categoría de patrimonio vivo y protegido de la Comunidad de Madrid, convirtiéndose en un acto de perseverancia cultural en tiempos complejos y en una afirmación rotunda de que la pintura y la escultura siguen siendo pilares esenciales de nuestra identidad colectiva.

Nada de esto sería posible sin el trabajo constante, riguroso y generoso de quienes sostienen día a día esta institución, a mi Junta Directiva, que trabaja de forma entregada y generosa, y quiero expresar un agradecimiento muy especial a Mª Dolores Barreda Pérez, Secretaria General y Secretaria Perpetua de la AEPE, alma mater de esta Asociación, cuyo compromiso incansable, visión, entrega y amor al arte han sido y continúan siendo fundamentales para la continuidad, el prestigio y la vitalidad del Salón de Otoño y de la AEPE en su conjunto.

Nuestro sincero reconocimiento también al Ayuntamiento de Madrid, a la Comunidad de Madrid —cuya distinción este año nos honra profundamente— y al Centro Cultural Casa de Vacas, por su apoyo, colaboración y sensibilidad hacia el arte y la cultura, facilitando espacios y medios para que este certamen pueda celebrarse con la dignidad que merece y consolidando a Madrid como escenario privilegiado del arte contemporáneo.

Mi gratitud se extiende, por supuesto, a los artistas participantes, auténticos protagonistas de este Salón de Otoño, sin cuyo talento, esfuerzo y confianza este proyecto carecería de sentido. Asimismo, agradezco a los colaboradores y entidades que aportan premios, cuya implicación supone un estímulo esencial para la creación artística y un respaldo tangible a los creadores.

No puedo dejar de señalar que esta larga trayectoria se ha sostenido sin subvenciones estructurales y sin privilegios, únicamente gracias al esfuerzo desinteresado de los artistas, de los miembros de las distintas Juntas Directivas y de todos aquellos que creen firmemente que el arte debe ser valorado por su calidad, su rigor y su honestidad, al margen de modas, etiquetas o intereses ajenos a la creación.

El 93 Salón de Otoño es, por tanto, una celebración compartida, una celebración del arte, una celebración de los artistas y una gran celebración de una institución que ha sabido mantenerse fiel a sus principios a lo largo del tiempo.

Que este catálogo sirva como testimonio de esta edición y como reafirmación del compromiso inquebrantable de la Asociación Española de Pintores y Escultores con el arte, con los creadores y con la defensa de un legado cultural que, hoy más que nunca, nos pertenece a todos.

Muchas gracias”.

 

El Presidente de la AEPE, José Gabriel Astudillo López, en un momento de su intervención

 

Después, y como viene siendo tradicional, en el acto de inauguración se hizo entrega del galardón honorífico que otorga anualmente la Asociación Española de Pintores y Escultores.

La Secretaria General pidió la subida al escenario de Antonio Lara Quero, galardonado con el título de Socio de Honor, procediendo a la lectura de la designación:

“En la reunión de la Junta Directiva celebrada el 17 de septiembre de 2026, se acordó nombrar Socio de Honor a Antonio Lara Quero, quien ha desarrollado una destacada labor de mecenazgo, promoción cultural y defensa de las Bellas Artes, convirtiéndose en una figura clave para la difusión del arte contemporáneo en Andalucía. Como responsable cultural de la localidad cordobesa de Villa del Río, ha impulsado importantes proyectos museísticos, contribuido a la conservación del patrimonio artístico español y promovido la incorporación de obras y legados de relevantes artistas a colecciones públicas.

Su compromiso con la cultura se ha visto reflejado también en generosas donaciones al Museo de Bellas Artes de Córdoba y a la Asociación Española de Pintores y Escultores, enriqueciendo de forma significativa sus fondos patrimoniales y contribuyendo a preservar la memoria histórica del arte español.

Amigo y colaborador constante de la AEPE, su trayectoria ejemplifica los valores de servicio, mecenazgo, lealtad institucional y apoyo a los artistas que inspiran esta distinción, razón por la que se le concede el título de Socio de Honor del Salón de Otoño en reconocimiento a una vida dedicada a la protección, promoción y difusión de las Bellas Artes.

Con inmenso orgullo la Asociación Española de Pintores y Escultores tiene el honor de realizar este pequeño reconocimiento por tan grata colaboración e inmensa  aportación a esta casa común, en cuya familia ya eres uno más. Y como tal, te recibimos con los brazos abiertos”.

Antonio Lara Quero ha venido acompañado del Alcalde de Villa del Río, Jesús Morales Molina, y del Concejal de Cultura del Ayuntamiento de Villa del Río. Una presencia que no solo representa el respaldo oficial y el orgullo institucional de toda una localidad, sino que escenifica el profundo respeto de sus vecinos hacia su brillante trayectoria. Con este gesto, Villa del Río celebra el éxito de su homenajeado como un logro compartido por todo su pueblo, reafirmando además su sólido compromiso con el arte, el talento y el patrimonio cultural.

Antonio Lara recogió el diploma y la placa acreditativos de su título de Socio de Honor de manos del Presidente de la AEPE, José Gabriel Astudillo López

Antonio Lara agradeció con unas sencillas palabras el galardón, destacando la importante labor de fomento del arte que viene haciendo la Asociación Española de Pintores y Escultores

El Alcalde de Villa del Río no quiso perderse esta distinción hacia uno de sus paisanos y colaboradores

Después, la Secretaria General procedió a dar lectura al acta del Jurado:

“En Madrid, a 29 de septiembre de 2026, reunido el Jurado de Selección y Calificación del 93 Salón de Otoño, organizado por la Asociación Española de Pintores y Escultores, compuesto por los siguientes miembros: Presidente: José Gabriel Astudillo López, Presidente de la Asociación Española de Pintores y Escultores; Secretaria: Mª Dolores Barreda Pérez, Secretaria General de la Asociación Española de Pintores y Escultores, ambos con voz y sin voto, y los Vocales: Eduardo Naranjo, Alejandro Aguilar Soria, Paula Varona, Ricardo Sanz, Soledad Fernández, José Luis Fernández, Tomás Paredes, Dolores Chamero y Wifredo Rincón, acuerdan otorgar los siguientes premios:

 

PREMIOS DE LIBRE ACCESO

PREMIO AGRUPACIÓN ESPAÑOLA  DE ACUARELISTAS

Entrega el premio Juan Luis Olleros, Presidente de la Agrupación Española de Acuarelistas,

a PABLO LINARES AMOR

 

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PREMIO EXTRAORDINARIO ÁLVARO ALCALÁ-GALIANO

Entrega el premio Begoña Alcalá-Galiano

a ISABEL ORTUÑO

 

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PREMIO DE ESCULTURA SANTIAGO DE SANTIAGO

Entrega el premio Rosa M López-Maroto de Carranza

a ÓSCAR MANUEL CALLEJA (que no pudo asistir)

 

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PREMIO INMOBILIARIAS ENCUENTRO AL TALENTO JOVEN

Entrega el premio Alan Hernández, Director Gerente de Inmobiliarias Encuentro, a

a ÓSCAR MANUEL CALLEJA (que no pudo asistir)

 

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PREMIO FUNDICION CODINA

Dotado con un trofeo salido de sus talleres y diploma de la AEPE. Entregan el premio Mª Luisa y Miguel Ángel Codina, de la Fundición Codina,

a   CHARO SANTAMARINA

 

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PREMIO CIUDAD DE LEGANÉS

Entrega el premio Mercedes Neria, Concejala de Cultura del Ayuntamiento de Leganés,

a Mª ÁNGELES BRET

 

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PREMIO EXCMO. AYTO. DE MÓSTOLES

Entrega el premio Cristina Morales, Concejala de Cultura del Ayuntamiento de Móstoles

a   ISABEL ÁVILA

 

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PREMIO CIUDAD DE GETAFE

Entrega el premio Juan Manuel López Reina

a   DANIEL GARCÍA ANDERSON

 

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PREMIO TRITOMA GESTION CULTURAL

Entrega el premio Pablo Martínez, Gerente de Tritoma

a   FRANCISCO ORTEGA GUZMÁN

 

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Llegamos ahora a uno de los momentos más entrañables, inspiradores y esperados de este certamen: la entrega de la Medalla Down Madrid. Un galardón que llega a su novena edición y que celebra el arte sin barreras, la mirada pura y el inmenso talento que nace desde la inclusión.

Pero esta edición del Salón de Otoño es verdaderamente única. El altísimo nivel de las obras y la sensibilidad de los artistas han conmovido de tal forma al jurado que, de manera excepcional y por primera vez, se ha decidido otorgar, además de la medalla, un Accésit de honor. Una doble celebración del talento que nos demuestra que el arte, cuando es auténtico, no conoce límites.

Entregó el premio Ignacio Egea, Presidente del Patronato de la Fundación Down Madrid

Accésit: María Castaño García

Y la Medalla Down Madrid ha sido para

a ELENA MUÑOZ MARTÍN

 

 

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PREMIOS HONORÍFICOS RESERVADOS A SOCIOS DE LA AEPE (EXCEPTO A LOS MIEMBROS DE LA JUNTA DIRECTIVA)

MEDALLA DE GRABADO JUAN ESPINA Y CAPO

ha quedado desierta

MEDALLA DE DIBUJO ROBERTO FERNANDEZ-BALBUENA

Entrega el premio: Dolores Chamero

a FRANCISCO ORTEGA GUZMÁN

 

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MEDALLA DE ACUARELA JOSE PRADOS LÓPEZ Entrega el premio: Ricardo Sanz

a OLEGARIO ÚBEDA

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MEDALLA DE ESCULTURA CARMEN ALCOVERRO Y LOPEZ

Entrega el premio: Soledad Fernández

a LUZ MARI MORALES

 

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MEDALLA DE PINTURA MARCELINA PONCELA DE JARDIEL

Entrega el premio: José Gabriel Astudillo López

a RICARDO RENEDO

 

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MEDALLA DE ESCULTURA MIGUEL BLAY Y FABREGAS

Entrega el premio: Tomás Paredes

a  PEDRO ANÍA

 

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MEDALLA DE PINTURA CECILIO PLA Y GALLARDO

Entrega el premio: Alejandro Aguilar Soria y el Cónsul de Perú

a LEOVIGILDO CRISTÓBAL

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MEDALLA DE ESCULTURA MARIANO BENLLIURE Y GIL

Entrega el premio: Carmen Bonilla Carrasco

a PAZ ESTEBAN

 

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MEDALLA DE PINTURA JOAQUIN SOROLLA Y BASTIDA

Entrega el premio: Antonio Mollá, biznieto de Joaquín Sorolla y José Gabriel Astudillo

a JUAN ANTONIO LASTRAS

 

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MEDALLA DE ESCULTURA MATEO INURRIA Entrega el premio: Juan Ramón Luque Ávalos

a ADOLFO ALCAIDE

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MEDALLA DE PINTURA EDUARDO CHICHARRO

Entrega el premio: Delia García Laredo y José Gabriel Astudillo López

a DAVID SÁNCHEZ

 

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Para finalizar, la Secretaria General declaró “Desde este mismo momento, queda convocado el 94 SALÓN DE OTOÑO DE LA ASOCIACION ESPAÑOLA DE PINTORES Y ESCULTORES”.

 

La gran gala finalizó con la fotografía de familia de las instituciones, colaboradores, Junta Directiva y premiados de esta inolvidable edición del 93 Salón de Otoño de la AEPE

 

Los artistas seleccionados en el 93 Salón de Otoño han sido:

Eduardo Acero Ruche (Eduardo Acero Mata) – Adolfo Alcaide Hervás – Pedro Anía (Pedro Anía Gérez) – Alberto Artigas Azcoaga – Fernando Asián del Barco – Isabel Ávila Rubio               – Barberán (Juan Antonio Díaz Barberán) – Francisco Bertrán (Francisco Enrique Bertrán Hernández) – María Ángeles Bret (María Ángeles Bret Franco) – Patricia Caldevilla (Patricia Caldevilla Egea) – Óscar Calleja (Óscar Manuel Calleja Hermosa) – José Fernando Camacho (José Fernando Camacho Díaz) – Paloma Casado (Paloma Casado López) – Carmela del Casar (Carmela del Casar Ximénez) – Gloria Cediel (Gloria Cediel Lafuente) – Mónica Cerrada (Mónica Cerrada Macías) – Rui Chen (Rui Chen Chen) – Ricardo CID シド(Ricardo Cid Pérez) – Eugenia Costa (Eugenia Costa Pérez) – Leovigildo Cristóbal Valverde – Maryla Dabrowski (Carmen Dabrowska Pernas) – Carmen Durán (Carmen Durán Sanz) – Federico Echevarría (Federico Echevarría Sainz) – Paz Esteban (Paz Esteban Vacas) – Ramón Estévez Abeytua – Fiona Olimpia (Laura Fiona Cunillés Mulá) – Daniel Garbade – Daniel García Andersson – Susana García Bravo – Ana Gutiérrez (Ana Gutiérrez Mengual) – Helen (Elena Fernández Camazón) – Pepe Ernesto Hernández M. (José Ernesto Hernández Melo) – Ana Hernando (Ana María Hernando Torres) – Juan Luis (Juan Luis Barud Dabrowski) – Karfer Eguía (Karlos Fernández Eguía) – Juan Antonio Lastras (Juan Antonio Lastras López) – Pablo Linares (Pablo Linares Amor) – Amelia Mendivil Blanco – Alice Moira Lyn (Alicia Pérez Gómez) – Carlos Montero – Javier Mora (Javier Mora Company) – Luz Mari Morales (Luz Mari Morales Abiega) – Odín Manuel (Odín Manuel Fuentes Martínez) – Javier Ortas (Javier Ortas González) – Francisco Ortega Guzmán – FOG (Francisco Ortega Guzmán) – Isabel Ortuño (Isabel Ortuño Gómez) – c.pascual artepintura (Carlos Pascual Alonso) – José María Pinto Rey – Ricardo Poyato (Ricardo Poyato Pérez) – Ricardo Renedo (Ricardo Renedo Herranz) – Pablo Reviriego (Pablo Reviriego Moreno) – Juan Rodríguez Rodríguez – Jesús Antonio Rubio (Jesús Antonio Rubio Escudero) – Trinidad Rubio (Trinidad Rubio Gómez) – David Rus (David Martín Rus) – Antonio San Gil (Antonio San Gil Cela) – David Sánchez (David Sánchez Sánchez) – Alfonso Sánchez García         – Juan Antonio Sánchez López – Charo Santamarina (Rosario Santamarina Esteban) – Tomás Santos Alcalá – Juan Carlos Santoscoy (Juan Carlos Santoscoy García) – Olegario Úbeda (Olegario Úbeda Sánchez) – Rodrigo Valdés Mora – José Valladares (José Valladares Moreno) – Diego Villalba (Diego Villalba Millán)

Toda la información, fotografías del acto y catálogo digital lo puedes encontrar en esta misma web, pestaña «Salón de Otoño».

 

93 Salón de Otoño

de la Asociación Española de Pintores y Escultores

29 de octubre a 29 de noviembre de 2026

Casa de Vacas

Parque del Buen Retiro de Madrid

Pº de Colombia, 1. 28009 Madrid

De lunes a domingo, de 10 a 21 h.

Metro: Retiro (Línea 2)

Bus: 2, 20, 28

BICIMAD: Estación 102 (C/ Alcalá, 95) y Estación 60 (Plza. Independencia, 6)

 

 

 

 

Firmas con sello de lujo. Tomás Paredes

Elogio de la Galería de Arte,

Bajo el signo de «Marmurán»

 

¿Qué es una “Galería de Arte”? Pareciera una obviedad, pero, a fuer de insistente, quiero explicar qué es para mí. Una “Galería de Arte” es una empresa privada, un espacio físico donde se exhibe obra de artistas, en diferentes técnicas. Además, es un centro difusor del arte de cualquier tiempo y su principal objetivo consiste en hacer coleccionistas, captar clientes a los que proporcionar obras para su colección o su disfrute personal. También, un centro de reunión, de contactos, de amigos del arte.

El coleccionismo, sobre todo el privado, es fundamental para el desarrollo del arte y ese no lo hacen los Museos, ni los Centros Culturales, lo hacen los galeristas, porque en ello les va su sueldo y su vida. La fragilidad del coleccionismo actual está en relación directa con el trabajo de los galeristas, no siempre tan eficaz y profesional como debiera. En el mundo del arte a ningún gestor se le exigen resultados, salvo al galerista, pues si no son buenos, tiene que cerrar y quedarse en la calle.

Al tener un carácter privado, de empresa, debe obtener beneficios de su actividad, porque de lo contrario no podrá ejercer la labor que la justifica. Es decir, la misión fundamental de la galería, del galerista, es mostrar el arte, que estime oportuno, para venderlo, obteniendo a cambio una rentabilidad. El galerista tiene un sueldo, el espacio tiene un costo, los gastos generales son la otra parte del negocio, que hay que satisfacer para que permanezca. La galería está obligada a cobrar al expositor una parte de las ventas ya que media con el comprador y promociona al artista.

¿Por qué es necesaria una “Galeria de Arte”? Sirven al interés general cultural de un país, informan a los amantes del arte, porque saben a dónde pueden acudir a ver lo que se hace o lo que se ha hecho. Proporcionan a los artistas la oportunidad de mostrar su trabajo, de venderlo y poder seguir viviendo y trabajando. Es el lugar que deberían visitar los directores de museos, centros culturales, instituciones públicas para tener una visión de lo que se está haciendo y poder comprar o promocionar aquello que esté en sus intereses estéticos, históricos o intelectuales, o sobresalga como un milagro. También los críticos, informadores de prensa e historiadores del arte deberían visitarlas.

Tapa del catálogo exposición José Ortega-José Díaz

 

Cada periódico, revista, portal digital tienen su equipo de profesionales que con sus pareceres ahorman la publicación. La mayoría recibe órdenes del espacio que deben visitar y los caracteres que han de escribir; otros, proponen nombres y se les asignan caracteres. Lo que indica que no todos los críticos son visitantes de las galerías, sino que por lo general sólo van a aquellas de las que tienen que dar noticia y emitir su criterio.

Y utilizo el condicional en ía, porque lo que debería suceder muy pocas veces pasa. ¿Irá el director del Reina Sofia o alguien de su equipo a ver la extraordinaria exposición de acuarelas de Juan Díaz en la Galeria Tamara Kreisler? Me temo que no. ¿Irá alguien de Babelia a ver lo que expone el maestro Cumadí en la Galería Estampa? ¡Ojalá, pero no! ¿Se acercarán los directores de Salas Institucionales de Exposiciones de Madrid a ver la obra de Inés Medina en la Galería José de la Mano? ¡Difícil y mira que la tienen cerca!

Pero, tampoco van los informadores y críticos a la Casa de la Entrevista de Alcalá de Henares a contemplar la gran exposición de escultura y de pintura de Alcántara. Ni a los centros municipales con la excusa de que están mal gestionados. Yo visito galerías y apenas me encuentro con nadie, siquiera profesionales, en Leandro Navarro, Casado Santapau o Ponce + Robles, siempre con muestras dignas, importantes, con hurmiento.

¡Hay tantas galerías de arte, con propuesta tan plural que no hay excusa para no visitarlas! Quien está habituado, al final, las ve casi todas, pero, tampoco se trata de verlo todo, sino aquello que seleccionamos según nuestros intereses y sensibilidad. Las galerías ofrecen de manera gratuita una lección de cultura cada día y el ciudadano debería compensarlo en visitas. No estoy insinuando que deban de estar subvencionadas con dinero público por su función, no; pido que se visiten y que se compre. ¿Por qué las instituciones públicas y privadas van a ARCO y compran, pero no van a las galerías?

Cartel de la mesa redonda exposición Marmurán

 

En ARCO hay de todo, pero, el conjunto de galerías ofrece más diversidad que una feria y menos ruido; más serenidad, mejores condiciones de observación. El arte es plural y esa condición incontestable se aprecia cuando vemos algo por separado, no todo a la vez en jornadas maratonianas, agobiantes. Las ferias existen, están bien, pero el trabajo de un año de una galería no puede ser suplantado por una muestra conjunta de cuatro días.

En el rubro de estas líneas se lee “Bajo el signo de “Marmurán”, por razones diversas: por ser un espacio pequeño, por su excentrismo en un medio rural, su programa, sus actividades de funcionamiento y, ante todo, por su exposición actual: José Ortega, José Diaz. Dos miradas comprometidas. La Galería Marmurán está ubicada en la C/ Castellanos 37 de Alcázar de San Juan (Ciudad Real) a 150 km de Madrid, a 133 km de Ciudad Real, y ha cumplido ya más de veinte y seis años, es decir, goza de cierta estabilidad y no se trata de un experimento, aunque muchos no quieren enterarse.

Como pueden comprobar su programa es muy amplio a través de la obra de artistas nacionales y reputados cabe la de alguna promesa joven. Entre las temáticas, este año montó un homenaje al Postismo, celebrando los ochenta años de su fundación, con un éxito desbordado, tal que Guillermo de Osma la quiso mostrar en su prestigioso espacio de Madrid, lo que ocurrió a principios de julio y con repercusión.

Ahora, con el comisariado de Ángel Maroto, exhibe una muestra de consideración: José Ortega, José Diaz. Dos miradas comprometidas, abierta hasta el 30 de noviembre. El contenido es excelente, el montaje gustoso. Hay óleos, grabados, carteles, tablas, textos, fotografías, catálogos de sus trayectorias, ordenado con gran nivel y estética evidente. Piezas recuperadas del olvido de dos artistas opacados, es triste y hermoso al tiempo que sea una pequeña galería la que se ocupe de recuperar patrimonio histórico-artístico.

Serie homenaje a El Greco, Apostolario: Ángel Maroto; grafito, acrílico y tinta, 2013/14, Romeral

 

Y por si fuere poco, siguiendo su modus operandi, Ángel Maroto organizó una mesa redonda en torno a la muestra, el 21 de octubre, en la que intervinimos Francisco Matas, presidente de la Asociación Amigos Pintor Ortega; Andrés Escribano, creador multi; Ángel Maroto, fundador de Marmurán y yo mismo. Y aunque el espacio era escaso, estaba repleto, una sorpresa, dada la asistencia raquítica habitual a los actos culturales.

Y este lo era en alto grado, ya que hablamos de sus trayectorias, de sus lenguajes, de sus exilios, de una España negra y una España gris, de sus maneras de comprometerse con el arte y con la vida. José Ortega (Arroba de los Montes 1921-París 1990) y Pepe Díaz (Campo de Criptana 1930-Madrid 2015). Alguien puso ardiente énfasis en su militancia comunista, para mí lo importante es que se trata de dos creadores que tenían algo que decir y lo dijeron creando un idiolecto y evidenciando su compromiso con la vida, con la cultura, con una existencia rica en acontecimientos de toda laya.

La época abstracta de Pepe Díaz es magnífica, algún crítico dice que se anticipa a Tápies, no es cierto y además es muy diferente. Los ensueños grises de Pepe Díaz son un retrato de seda de un tiempo preciso y oscuro, parcos y bellos como como una luna en un cielo raso de enero. Bohemio, torero, buen cocinero, jugador de póker, canturreaba flamenco y vivía entre el hedonismo y el peligro hermoso. ¿Tuvo amigos o se le acercaron los rufianes? Su final fue triste como un atardecer de invierno.

Ortega es otra cosa, cofundador de Estampa Popular, en clave de Clavé algún tiempo, en los sesenta/setenta deja unas huellas propias que le dan sentido. Esa figuración vanguardista y poética presenta signos de presencia y dimensión. En Italia, su país de acogida, tiene museos y consideración, aquí reina el olvido. No es fácil que una exposición tan breve en un espacio mínimo diga tanto y señale a tantos.

Santiago Carrillo y José Diaz, 28.IV.91, fotografía de T.P.R.

 

Pues, las galerías también cumplen esta misión, absolutamente altruistas, porque nadie compra ni un sello para una carta, ocupándose en hacer el trabajo que deberían hacer las instituciones públicas. En Castilla-La Mancha, como en otras instancias, hay dinero para lo que se quiere, pero no para lo que la cultura necesita. Se malrotan millones en proyectos estrafalarios- dígase el caos Polo en Santa Fe, o los colorines de Okuda en plena Mancha- y se escamotea la atención a acciones urgentes y necesarias.

¡Que hay galerías piratas que juegan como trileros! De acuerdo, pero eso no puede empañar la función de profesionales que hacen un trabajo privado que siempre acaba teniendo un beneficio público y social respecto a nuestro patrimonio histórico-artístico. ¡Visiten la exposición de Marmurán y verán cuantas cosas descubren! No es una propuesta para expertos, ellos lo saben todo, si no para el espectador normal, que no ha dejado las ganas de aprender y de sentir, que continúa con hambre de conocer, que sabe que el arte hace  una vida vivida, aportando nuevas expectativas.

 

 

Tomás Paredes

                                                                                               Presidente H. de AICA/Spain

Dos robos separados por un siglo que revelan las mismas debilidades

Del Rembrandt de 1929 al Tesoro de Villena de 2026

 

Por extraño que parezca, el gran robo de grabados de la Biblioteca Nacional de Madrid en 1929 y el reciente asalto al Tesoro de Villena parecen reflejar una misma historia con casi cien años de diferencia: la lucha permanente entre el patrimonio cultural y quienes quieren convertirlo en mercancía.

Sin embargo, tras esa aparente similitud se esconden dos delitos muy distintos, dos épocas diferentes y dos maneras opuestas de entender el robo de arte.

El robo que avergonzó a la España de Alfonso XIII

Cuando en octubre de 1929 se descubrió la desaparición de decenas de grabados antiguos de la Biblioteca Nacional, el escándalo fue monumental. Las piezas sustraídas incluían obras de Rembrandt van Rijn y Alberto Durero, dos de los mayores maestros de la historia del grabado.

La investigación reveló algo todavía más inquietante: el robo no había sido un golpe espectacular ejecutado en una sola noche, sino una sustracción lenta y silenciosa realizada durante meses desde el interior de la propia institución. El principal acusado fue Antonio López Santos, mecanógrafo de la biblioteca, que presuntamente aprovechó su acceso a las colecciones para ir retirando grabados sin levantar sospechas.

Hay una anécdota que resume el caso. Cuando algunas de las estampas aparecieron en Berlín, el vendedor contó a los anticuarios una historia digna de una novela: aseguró que pertenecían a una gran familia española arruinada que se veía obligada a vender su patrimonio artístico. La explicación parecía plausible, muchas familias aristocráticas estaban efectivamente desprendiéndose de colecciones artísticas tras los problemas económicos de los años veinte. Esa versión retrasó inicialmente las sospechas, pero los especialistas reconocieron las obras y comenzaron las dudas. Aquellos grabados eran demasiado conocidos para pasar desapercibidos. Entre las obras desaparecidas había al menos cinco grabados originales de Durero considerados prácticamente irreemplazables.

Paradójicamente, lo que hacía valiosas las piezas fue también lo que permitió recuperarlas. Los grabados de Rembrandt y Durero eran tan célebres y estaban tan estudiados que resultó imposible introducirlos discretamente en el mercado internacional. Una de las ironías del caso es que fueron los movimientos del mercado mundial de arte los que ayudaron a descubrir el origen ilícito de las estampas. Al examinarse las obras en Alemania, surgieron dudas sobre su procedencia y se terminó relacionándolas con la colección nacional española. La policía berlinesa intervino los grabados antes de que se dispersaran en distintas colecciones privadas y las obras regresaron a España por vía diplomática.

Diversos relatos posteriores sobre el caso señalan que muchas estampas podían ocultarse con relativa facilidad entre carpetas y documentación ordinaria. Esa aparente sencillez hizo todavía más escandaloso el robo, porque quedó en evidencia la falta de medidas de seguridad para piezas que hoy se considerarían tesoros nacionales.

 

El Tesoro de Villena: un golpe de apenas unos minutos

El robo del Tesoro de Villena, perpetrado en agosto de 2026 en el Museo de Villena (MUVI), fue exactamente lo contrario. No hubo infiltración lenta ni desapariciones progresivas. Se trató de un asalto profesional y extremadamente rápido. Según las informaciones publicadas, los ladrones actuaron en apenas unos minutos, accediendo al museo de madrugada y llevándose gran parte de uno de los conjuntos de orfebrería de la Edad del Bronce más importantes de Europa.

El Tesoro, descubierto en 1963 por el arqueólogo José María Soler, está formado por piezas excepcionales fechadas hacia el año 1000 a. C., con cuencos, botellas, brazaletes y otros objetos de oro, plata, hierro y ámbar.

Las circunstancias del robo tienen tintes cinematográficos. Las alarmas del museo saltaron hacia las 5:23 de la madrugada y los investigadores sospecharon incluso que una alarma previa en otra instalación municipal pudo haber servido para distraer la atención de los sistemas de respuesta. Los ladrones actuaron con rapidez, rompieron el acceso y desaparecieron antes de la llegada de las fuerzas de seguridad.

 

Dos robos, una misma herida

La gran diferencia entre ambos casos es que los ladrones perseguían objetivos distintos.

En 1929 se buscaba vender las obras como arte. Los grabados tenían valor precisamente porque eran originales de Rembrandt y Durero. El objetivo era introducirlos en el mercado de coleccionistas.

En Villena, en cambio, el miedo de muchos especialistas es mucho más terrible. Si las piezas fueran fundidas para vender el metal precioso, desaparecería para siempre información arqueológica irrepetible acumulada durante tres mil años. Lo perdido no sería únicamente oro, sino contexto histórico, tecnológico y cultural.

En otras palabras, un grabado de Rembrandt puede identificarse aunque aparezca décadas después en una colección privada. Un cuenco del Tesoro de Villena, una vez fundido, deja de existir para siempre.

Las anécdotas que rodean ambos casos

Los dos robos han generado historias que parecen salidas de una novela:

El ladrón de la Biblioteca Nacional intentó justificar la posesión de los grabados alegando que procedían de una familia aristocrática venida a menos.

En el caso de Villena, resulta casi irónico que el tesoro pudiera haber sido ocultado hace tres mil años, según los arqueólogos, precisamente por temor a un robo, para acabar desapareciendo en pleno siglo XXI.

El robo de 1929 fue descubierto porque las obras aparecieron en el mercado internacional. El de Villena se conoció en tiempo real gracias a los sistemas de alarma y videovigilancia.

Tras el escándalo de la Biblioteca Nacional, se revisaron los procedimientos de custodia de las colecciones gráficas. Tras Villena, se ha abierto un intenso debate sobre la seguridad de los museos locales y la protección de piezas arqueológicas excepcionales, pero no se han establecido medidas urgentes para evitar que esta situación se repita en museos provinciales con escasos sistemas de vigilancia.

Para los historiadores del arte, este episodio sigue considerándose uno de los mayores robos de patrimonio cultural de la España anterior a la Guerra Civil… por no hablar del robo del llamado oro de Moscú que a día de hoy, sigue siendo el más importante de todos los tiempos.

Y es que el tesoro de Villena tiene un valor histórico y arqueológico en el mercado negro a todas trazas, incalculable.

Un siglo después, la misma pregunta

El robo de los grabados de Rembrandt y Durero en 1929 parecía pertenecer a una España lejana, con inventarios manuscritos, controles limitados y una circulación internacional del arte difícil de vigilar. Sin embargo, casi cien años después, el asalto al Tesoro de Villena demuestra que la vulnerabilidad del patrimonio sigue siendo una realidad y una importantísima asignatura pendiente.

A pesar de los avances en los sistemas de seguridad digital y de la aparente robustez de las vitrinas de los museos, la protección del legado histórico continúa enfrentándose a desafíos obsoletos pero letales: el expolio físico, la falta de inversión crónica en los museos locales y la existencia de un mercado negro que sigue codiciando lo insustituible.

Este incidente no debe leerse como un hecho aislado, sino como un síntoma de un problema estructural más profundo. En primer lugar, evidencia la brecha de seguridad entre los grandes museos nacionales y las instituciones custodias de ámbito local o regional. Mientras las capitales concentran presupuestos millonarios en blindaje tecnológico, los museos rurales e históricos locales —que a menudo custodian piezas de valor incalculable de la prehistoria o la antigüedad europea— operan con plantillas mínimas de vigilancia y sistemas técnicos desactualizados, convirtiéndose en blancos asequibles para el crimen organizado.

Por otra parte, la vulnerabilidad del patrimonio pone de manifiesto la insuficiencia de los marcos legales internacionales y de la concienciación social, imprescindible para entender una custodia con tantas necesidades económicas. El robo de piezas de oro y plata de esta magnitud activa alarmas no solo por la pérdida material, sino por el riesgo inminente de destrucción: la fundición del metal para borrar su rastro. Cuando el patrimonio se reduce al valor del peso de sus materiales en el mercado ilegal, se destruye para siempre la información arqueológica y el nexo cultural de una comunidad con su pasado.

Finalmente, este suceso reabre el debate sobre la causa pendiente del inventario, la digitalización tridimensional y la centralización de la custodia de los grandes tesoros de la humanidad. Proteger el patrimonio en pleno siglo XXI exige una reforma integral que combine una mayor financiación pública en infraestructuras de seguridad periféricas con una cooperación policial internacional más ágil. Solo entendiendo que la pérdida de una pieza arqueológica local es una amputación a la memoria colectiva global, se podrá revertir la fragilidad actual de nuestra historia compartida.

¿Se ha abierto ya un debate sobre si el patrimonio arqueológico de primer orden debería centralizarse en grandes instituciones como el Museo Arqueológico Nacional (MAN) en Madrid para garantizar su protección, o si debe permanecer en sus lugares de origen?

Mudar las piezas a museos nacionales por seguridad es una postura lógica a primera vista, pero el asunto enfrenta dos filosofías profundamente encontradas: la seguridad centralizada frente a la identidad y el derecho al patrimonio local.

Los museos nacionales cuentan con presupuestos significativamente mayores que les permiten implementar búnkeres, vitrinas con blindaje militar, presencia física permanente de fuerzas de seguridad y sistemas de detección inteligente que los museos periféricos o locales difícilmente pueden costear.

Y es que en el caso de piezas compuestas por metales preciosos (como los 10 kilos de oro del Tesoro de Villena, el riesgo no es solo el robo, sino su fundición inmediata por parte del crimen organizado. Centralizarlas mitigaría este peligro crítico.

Además, un museo nacional concentra un volumen de visitas masivo e internacional, lo que garantiza que la relevancia histórica de la pieza sea estudiada y apreciada por un público mucho más amplio.

Sin embargo, los grandes hallazgos de las regiones donde se descubrieron castiga doblemente a la periferia. Despojar a una localidad de su mayor hito histórico perpetúa la concentración de riqueza cultural en las capitales, debilitando el turismo cultural y la economía local. El patrimonio pierde parte de su significado cuando se descontextualiza. No hay que olvidar que el Tesoro de Villena narra la historia de su territorio; conservarlo in situ respeta el vínculo directo entre los ciudadanos actuales y los antepasados que poblaron esa misma tierra.

Los defensores de la permanencia local recuerdan que los grandes museos nacionales tampoco son infalibles (el Museo Británico o el Museo del Louvre, por ejemplo, han sufrido robos internos masivos de piezas no catalogadas).

La solución que proponen muchos expertos no pasa por vaciar las provincias, sino por reformar las exigencias de custodia a través de dos vías: la financiación estatal condicionada: Si el Estado o la Comunidad Autónoma determinan que un hallazgo es un «Tesoro Nacional», deberían estar obligados por ley a financiar directamente el 100% de la infraestructura de seguridad del museo local que lo acoge, equiparándolo al nivel de un museo nacional. Y la exhibición compartida y réplicas de alta tecnología: Custodiar los originales en cámaras de alta seguridad (o en instituciones preparadas) y exhibir réplicas exactas tridimensionales de resina o metal en los museos locales, o bien implementar un sistema de «colonias de exhibición» donde las piezas originales viajen de forma temporal y controlada bajo estrictos protocolos de seguridad itinerante.

Pero como vemos, este debate no se ha planteado aún, no se ha encontrado urgencia en comenzar a actuar y abordar de raíz el problema, más centrados en otro tipo de cuestiones políticas. Recordemos que la cultura siempre es algo que no corre prisa.

Mientras los partidos políticos se enzarzan en reproches cruzados dentro de la comisión de investigación local, discutiendo sobre presupuestos recortados o sobre quién firmó los informes de unas vitrinas que a todas luces carecían de blindaje militar, el verdadero problema estructural sigue intacto. La inercia burocrática trata el expolio patrimonial como un suceso fortuito y no como la amenaza sistemática y transnacional que es en la actualidad. Al postergar los cambios legislativos y la financiación de un escudo de seguridad periférico, las administraciones demuestran una peligrosa miopía: asumen que el pasado siempre esperará su turno en el cajón de las prioridades, olvidando que, para las mafias del arte, cada minuto de inacción política es una ventana abierta para destruir de forma irreversible nuestra memoria colectiva.

La cultura siempre es el último vagón en el tren de las prioridades del Estado, una materia que solo acapara titulares cuando la tragedia ya es consumada e irreparable. En el juego de la política diaria, la protección del patrimonio se despacha con declaraciones institucionales de lamento y promesas de comisiones que solo sirven para dilatar las responsabilidades en el tiempo. Se olvida, con una temeridad pasmosa, que las piedras y el oro que han resistido miles de años bajo tierra pueden desaparecer para siempre en cuestión de cuatro minutos debido a la desidia institucional. Al tratar el legado histórico como un elemento accesorio y no como un asunto de estricta seguridad nacional, se condena a los museos de provincias a seguir desprotegidos, dejando la puerta abierta para que el crimen organizado continúe mutilando nuestra identidad mientras las administraciones siguen debatiendo si la cultura merece, o no, un presupuesto de urgencia.

La gran lección que une ambos episodios es que el patrimonio cultural no desaparece únicamente por guerras o catástrofes. A veces basta con un empleado que retira una estampa de un cajón. O con tres encapuchados que actúan durante cuatro minutos en plena madrugada. Y las consecuencias pueden sentirse durante generaciones.

El robo de los grabados de Rembrandt van Rijn y Alberto Durero en la Biblioteca Nacional de Madrid acabó resolviéndose porque las obras conservaban su identidad. Era posible reconocerlas, seguir su rastro y reclamarlas allí donde aparecieran.

Con el Tesoro de Villena el drama es diferente. Sus piezas no son únicamente objetos valiosos; son fragmentos irrepetibles de la historia de Europa conservados durante más de tres mil años. Si desaparecen en colecciones ocultas, España pierde parte de su memoria. Si son fundidas, desaparece para siempre la información arqueológica que contenían.

Quizá esa sea la diferencia esencial entre ambos robos. Los grabados de 1929 podían volver a colgarse en una sala. Un cuenco de oro del Tesoro de Villena, una vez destruido, jamás podrá recuperarse. No se pierde sólo un objeto; se extingue para siempre una página de la historia.

El caso invita además a una reflexión inevitable. Si un conjunto considerado uno de los más importantes de la Edad del Bronce europea ha podido desaparecer en cuestión de minutos, quizá haya llegado el momento de replantear la protección de los grandes tesoros arqueológicos españoles, buscando un equilibrio entre su permanencia en los lugares donde fueron hallados y los recursos necesarios para garantizar su conservación y seguridad.

 

Recordando… Gustavo de Maeztu y Whitney

Obras, artistas, socios, pequeñas historias…

Por Mª Dolores Barreda Pérez

 

Gustavo de Maeztu y Whitney

MAEZTU Y WHITNEY, Gustavo      P       1918     30 ago.1887     VITORIA                             ESTELLA

Autorretrato

 

Gustavo Jorge Pelayo Maeztu y Whitney nació en Vitoria el 30 de agosto de 1887. Pintor y escritor, fue miembro fundador de la Asociación de Artistas Vascos. Era hermano del escritor Ramiro de Maeztu y de la pedagoga María de Maeztu. Falleció en Estella el 9 de febrero de 1947, a los cincuenta y nueve años.

Autorretratos

Su padre, Manuel de Maeztu Rodríguez, era ingeniero y hacendado cubano, nacido en Cienfuegos y de ascendencia riojana. Su madre, Juana Whitney Boné, nació en Niza y era hija del cónsul británico en esta ciudad, Fernando Whitney, natural de Milán, y de Sara Boné, natural de Londres. Esta diversidad de orígenes familiares contribuyó a forjar el carácter cosmopolita que caracterizaría al artista.

Sus padres no llegaron a casarse y tuvieron cinco hijos: Ramiro, Ángela, Miguel, María y Gustavo. La muerte de su padre en Santa Clara, Cuba, en 1898, unida a los problemas administrativos relacionados con la herencia y al hundimiento de los negocios familiares en la isla, dejó a la familia en una situación económica precaria.

Ante estas circunstancias, Ramiro fue enviado a París con la familia materna, mientras el resto de la familia se trasladó a Bilbao. Allí, Juana Whitney fundó la Academia Anglo-Francesa, posteriormente conocida como Academia Maeztu, donde ella impartía inglés y Ángela enseñaba francés.

Foto familia Maeztu Whitney. Arriba, de izquierda a derecha: Ramiro de Maeztu, Ángela, Gustavo,

Ana de la Cortina, Miguel y María. Abajo, de izquierda a derecha: Mabel Hill,

Juan Manuel Maeztu, Juana Whitney y Mariuca Rosales de Maeztu

 

Tras una primera etapa de formación en Vizcaya, Gustavo de Maeztu viajó a París entre abril y junio, acompañado por artistas e intelectuales como Paco Durrio, Ignacio Zuloaga y Tomás Meabe. Durante esta estancia conoció también a Picasso y descubrió, a través de sus visitas al Louvre, la obra de algunos de los grandes maestros de la pintura española, entre ellos Herrera el Viejo, Zurbarán, El Greco, Velázquez y Ribera.

En 1905 participó en la que será su primera exposición colectiva al presentar obra a la Exposición de Bellas Artes de Bilbao.

En 1908 regresó a España y se instaló en Bilbao junto a su amigo y también pintor José Arrue. Ambos participaron en la creación de El Coitao, un periódico impulsado por un grupo de jóvenes artistas e intelectuales que contó con la colaboración de figuras como Miguel de Unamuno, Ramón de Basterra, Juan de la Encina, Tomás Meabe y José María Salaverría.

Ese mismo periodo estuvo marcado por su estancia en Sevilla. Durante la Semana Santa y la Feria de Abril, Maeztu y José Arrue entraron en contacto con el ambiente artístico y popular de la ciudad, y el mundo taurino despertó especialmente su interés. Allí coincidieron con Pablo Arriarán, José y Manuel Gutiérrez Solana y Ricardo Baroja. Maeztu, Arrue y Arriarán llegaron a instalarse durante unos meses en Triana, frente a la Torre del Oro, desde donde continuaron trabajando y recorriendo el entorno sevillano.

El artista pintando en su estudio

El artista en una fotografía de 1933

 

Gustavo de Maeztu retratando al General Zumalacárregui en 1937

 

En 1909, en un contexto político convulso, Maeztu se trasladó junto a su amigo Tomás Meabe, que se encontraba desterrado en Saint-Jean-le-Vieux, donde ambos se alojaron en el caserío Lutchienea. Durante esta etapa continuó pintando y acumulando experiencia, al tiempo que desarrolló su faceta literaria, que daría lugar posteriormente a varias novelas.

En 1910 se creó la Asociación de Artistas Vascos, iniciativa destinada a impulsar y difundir el arte vasco también fuera de España. Maeztu participó activamente en este ambiente artístico y cultural, junto a otros artistas e intelectuales que escribían en la prensa y mantenían reuniones destinadas a promover nuevas iniciativas relacionadas con las artes.

Paralelamente, desarrolló una importante actividad literaria. En 1910 publicó Andanzas y episodios del Sr. Doro y, al año siguiente, El gato azul, que el propio autor definió como una novela de acción.

En 1907 en París

1917: Homenaje a Pablo Picasso

1932 En su exposición de Autolitografias en Madrid

 

El 29 de octubre de 1910 surgió finalmente el proyecto asociativo en cuya junta directiva figuraba Alberto Arrue como presidente y Gustavo de Maeztu como uno de sus miembros.

En la Exposición de Arte e Industrias Decorativas de 1910, celebrada en México con ocasión del I Centenario de la Independencia de aquel país, logró Medalla y Diploma.

En 1913, debido a sus vinculaciones familiares, participó como actor en Fulano de tal se enamora de Manón, película dirigida por Benito Perojo y considerada una de las primeras producciones cinematográficas españolas bien documentadas. En ella compartió participación con la cupletista Consuelo Torres, conocida artísticamente como Manón.

Ese mismo año, participó en la II Exposición de Arte Moderno celebrada en los salones de la Sociedad Filarmónica de Madrid.

El 15 de mayo de 1914 celebró en las Galerías Dalmau de Barcelona su primera exposición individual. Fue el inicio de un amplio recorrido expositivo que, durante los años siguientes, le llevó a diferentes ciudades españolas, entre ellas Madrid, San Sebastián, Bilbao, Salamanca y Vitoria.

Dos chinos

Café de la Paix

 

En 1915 volvió a exponer en Barcelona, en la sala Can Parés.

En 1917 consiguió la Tercera Medalla de la Exposición Nacional de Bellas Artes por su tríptico Tierra ibérica y ofrenda de Levanta a la Tierra Española.

Su actividad artística traspasó pronto las fronteras nacionales. En 1920 expuso en Sheffield y Leeds, en el Reino Unido, y al año siguiente regresó a Londres para presentar su obra en la Walker’s Gallery.

En 1921 participó en la Exposición de Artistas Vascos celebrada en Bilbao, y también en la edición de 1923.

En 1922 expuso en París, en las Galerías Devambez.

Su trayectoria internacional continuó en los años siguientes. En 1934 participó en una exposición itinerante de grabadores españoles que recorrió las ciudades de Graz, Viena y Múnich.

A partir de 1933, Navarra adquirió una importancia creciente en la vida y trayectoria de Gustavo de Maeztu. Entre el 1 y el 15 de julio de ese año, con el apoyo del doctor Juaristi, participó en una exposición organizada por la Escuela de Artes y Oficios de Pamplona. Era la primera vez que su obra se mostraba en Navarra, donde presentó óleos, estampas y grabados —que denominaba autolitografías—, además de ejemplos de un procedimiento pictórico sobre cemento, las encaústicas.

Anochecer en la Catedral de Tuy

Alegoría de Cantabria

Copla andaluza

 

Durante esta primera estancia aprovechó para conocer diferentes lugares de Navarra, entre ellos los monasterios de Irache y La Oliva.

El 17 de mayo de 1935, la Diputación Foral de Navarra le encargó la decoración mural del nuevo Salón de Sesiones del Palacio de Navarra, en Pamplona. El trabajo quedó terminado en mayo de 1936.

En junio de ese mismo año se instaló con su madre en Estella, donde ambos pensaban pasar el verano. El comienzo de la Guerra Civil alteró sus planes. Su hermano Ramiro, que había viajado a Estella para visitarlos, regresó a Madrid el 12 de julio y fue posteriormente hecho prisionero y finalmente fusilado el 29 de octubre de 1936, en las tapias del cementerio de Aravaca de Madrid por las milicias republicanas, como represión contra su pensamiento conservador, católico y monárquico.

En 1940 participó en la I Exposición de Artistas Navarros celebrada en Pamplona.

Eva

Bailarina semidesnuda

Dos toreros

La musa nocturna

 

Durante sus años en Navarra, Maeztu continuó desarrollando una intensa actividad artística. Realizó varios murales en edificios proyectados por su amigo Víctor Eusa, entre ellos el Hospital de San Juan de Dios. También pintó numerosas obras para la familia Baleztena y para la nueva parroquia de San Francisco Javier, donde realizó un cuadro dedicado al santo misionero.

Gustavo de Maeztu falleció en Estella el 9 de febrero de 1947, a los cincuenta y nueve años de edad.

Pamplona le honró poniendo una calle a su nombre: Pintor Maeztu, mientras que en Estella, además de una calle Gustavo de Maeztu, también existe en su recuerdo una placa conmemorativa en la casa donde residió, en la calle Mayor.

En el año 2011, el Museo de Bellas Artes de Álava tuvo lugar una Exposición Retrospectiva de 50 de sus obras.

El general Zumalacárregui

El orden

 

El mayor número de sus obras se conserva en Estella, donde se creó en su honor el Museo Gustavo de Maeztu, ubicado en el Palacio de los Reyes de Navarra.

Otro importante número de obras se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Vitoria, su ciudad natal, mientras que el Museo de Bellas Artes de Bilbao guarda también muchas de sus obras al ser la ciudad en la que vivió muchos de sus mejores años.

Mi hermana María

Las samaritanas

 

José María Iribarren, amigo íntimo del pintor y escritor, caracterizó con estilo ágil y afecto sincero a Gustavo de Maeztu en dos artículos que publicó en la revista Pregón en 1947, que a su vez también publicara la revista de la Sociedad de Amigos del Arte Arte Español. En el titulado “Genio y figura de Gustavo de Maeztu” Iribarren describe, al que fuera su gran y admirado amigo:

“Aún me parece verle, con su puro en la boca y su bastón, con su pelliza gris, guarnecida de piel de carnero (medio bohemia y medio pastoril) y aquella gorra horrible, aquella gorra azul de maletero, con visera de brillo, de la que él, a pesar de nuestras bromas, se mostraba tan orgulloso… Aún me parece ver su rostro inconfundible, su rostro vago y pálido, lampiño, casi blanco, aquel rostro sin cejas, donde los ojos, mínimos y azules, la nariz corta de anchas aletas, la boca grande y húmeda y el pelo escaso, con un mechón siempre rebelde en el cogote, le daban un aspecto de augusto, de un augusto aristócrata y jovial que tratase de ahogar, a voces y risadas, un viejo fondo de melancolía. Aún me parece oír sus carcajadas explosivas, que eran como una tos enorme, como un sifón de selz que se dispara de repente. Hablaba a ráfagas, como a brochazos, a frases sueltas y axiomáticas que remataba con un gesto de brazo, con un sacudimiento de cabeza, con una interjección rotunda, inapelable…

Era un hombre fantástico, mezcla de ingenuidad y de alegría, de ilusión y de excentricidad…

Cuando estaba de vena hablaba por los codos, de un modo arrollador, sentían admiraciones exageradas e indignaciones furibundas, porque era genialmente extremoso”…

Los novios de Vozmediano

Nieve en Jaundegui

 

Distingue también su poco aprecio del dinero, su falta de mercantilismo y su pródiga generosidad, que le hacía sentir admiración por la figura del “avaro”, en una oposición de valores.

También relata Iribarren cómo amaba a los animales, que incorporaba a sus pinturas humanizándolas o presentándoles como depositarios de ideas sublimes que el autor tenía en mente, acerca del valor de la raza o del futuro de la Patria.

Y sobre el pasado artístico de Gustavo, comentaba:

“A los 20 años se escapó a París. Era entonces casi un adolescente de revuelto cabello y ojos sagaces de un azul marinero, espigado y romántico, rebelde y descontentadizo. Soñaba con realizar un arte propio, colorista y dramático, fuerte y conmovedor. Dibujaba incansable y febril, semanas y semanas, para lanzar al fuego, en una racha de desilusión, sus apuntes de ayer. Vivió al día, una vida bohemia y agitada, absurda y turbulenta”.

Puente de San Juan, Estella

Pareja de club

Torada

 

Y de su paso por Londres: “Era momento en que “tenía mucho de perro vagabundo y un poco de ambicioso”, era entonces “muy poco serio y bastante divertido”. Gustavo, al que presenta como admirador de Turner, de Gavarni, de Goya, quiso renovar su arte, y por las noches, cuando marchaba en taxi desde el taller al club, a través de las calles en niebla, soñaba con hacer una pintura que, sin perder su raíz ibérica, tuviese una emoción universal. “Hay que hacer -se decía- un arte vario, trágico y grotesco”.

Y es entonces cuando, europeizado, siente el artista deseos de recorrer España movido por la nostalgia del emigrante, como escribe Iribarren “al estilo bohemio, con el álbum de apuntes al brazo, y los zapatos a la espalda, en carro y en caballería, conviviendo en ventorros y mesones con los tipos rurales, con el pastor y el trajinante, el arriero y la maritornes, dibujando retratos y apuntes para sus cuadros y sus aguafuertes.

España entera está en sus lienzos, dramatizada en su paisaje y en sus tipos más representativos, sin desdeñar el decorativismo, preocupado el autor por la belleza ideal.

Sintió el “regeneracionismo” de la misma manera que su hermano Ramiro, al igual que los literatos y pintores adscritos a la llamada Generación del 98, manteniendo una actitud semejante a la de otros pintores, como los vascos Zuloaga, R. Baroja, J. de Echeverría y V. de Zubiaurre; como Gutiérrez Solana y hasta Pablo Ruiz Picasso en un momento de su vida.

Por eso Maeztu viaja a los pueblos abandonados como a las ciudades. Madruga para ser testigo del amanecer, que frecuentemente plasma en sus lienzos. Vive y se zambulle en el paisaje, especialmente castellano. Es el interior mesetario donde trata de encontrar la España esencial, las raíces. Es el espacio en que bulle el repertorio humano, que en la figura del cura, del labrador, del boticario, de un sinfín de tipos, trasluce el espíritu de un pueblo.

Ante el altar. La Misa

 

Pero el Modernismo, surgido en la América Latina e importado a España por Rubén Darío, toca a algunos escritores y pintores españoles, cuyos estilos personales se inclinarán en lo sucesivo hacia el esteticismo. Es el caso de Gustavo de Maeztu que, mitad escritor y mitad pintor, será en parte noventayochista y en parte también modernista.

Como escritor, Maeztu coincidirá con el 98 en la actitud crítica con lo establecido, en su estilo directo; pero tomará del Modernismo una buena dosis de imaginación.

Como pintor, también puede decirse lo mismo.

Pero la búsqueda del esteticismo, que le conducirá a un decorativismo en su pintura mural, es plenamente modernista. Por modernista su estilo tiende a la grandiosidad, es imaginativo, fantasioso, metafísico. Por eso se ha calificado de simbolista la obra de Gustavo de Maeztu, que en sus invenciones de índole técnica pone especial cuidado en la preparación de una pintura al fresco sometida al fuego, en la consecución de cementos de color, en la compatibilidad del arte y la artesanía, en la recuperación del arte olvidado de la litografía.

Reclamó, como los renacentistas italianos, la colaboración de escultores y arquitectos con el pintor para la creación de obras inmortales. Posiblemente fuera idealista, pero es muestra del gran concepto que tenía del arte.

La tierra ibérica

Copla andaluza

Maja con cántaro

Pierrot en la taberna

Paisaje con búho

Valencianas de Estella

 

En su artículo “A Gustavo de Maeztu”, Iribarren habla del dolor de los estelleses ante su pérdida:

“¡Y si hubierais visto Estella el día de su entierro! El cielo gris, las calles mudas y el paisaje invernizo daban a la mañana una impresión silente y funeral. Doblaban las campanas en el aire pasmado y friolento, y las gentes de la ciudad, las que iban hacia el campo en sus caballerías, las que hacían sus compras en las tiendas de la calle Mayor, marchaban con el cesto adolecido y tácito de quien siente en el alma la muerte de un paisano queridísimo”.

1947: el entierro del artista

 

Gustavo de Maeztu y la AEPE

Socio de número inscrito en 1918: Maeztu, D. Gustavo de.-Orueta, 8, Bilbao

Congresista en la sección y mesa de Pintura el I Congreso Nacional de Bellas Artes de la AEPE

1920: El martes 30 de noviembre, día prorrogado oficial de clausura, el importe de las entradas fue a beneficio del proyectado monumento a Rosales y, hasta el día 3 de diciembre, se admitían inscripciones, para el homenaje que se pensaba hacer al Secretario General de la Asociación. De acuerdo con Heraldo de Madrid, de 15 de setiembre, por problemas de transporte las obras de Gustavo de Maeztu llegaron tarde al Salón, pero se instalaron.

En el IV Salón de Otoño de 1923, en el acta figuraba una larga lista de unos sesenta propuestos para socios, entre ellos Pablo Picasso y Rafael Botí, y una nota final comentada en otro punto: “El jurado hace constar que su deseo era hacer socios de honor a Pablo Ruiz Picasso y Gustavo de Maeztu, pero se han visto imposibilitados de hacerlo porque el Reglamento del Salón de Otoño sólo permite tal cosa respecto a aquellos artistas que ya sean socios”.

La Gaceta de Bellas Artes informó periódicamente de las exposiciones que realizaba, en 1925, en 1928, 1930 en la Bienal de Venecia, en la Exposición en Oslo de 1931…

Participó en las siguientes ediciones del Salón de Otoño:

I Salón de Otoño de 1920: El orden y La fuerza.

IV Salón de Otoño de 1923: Retrato del Arquitecto Zuazo, Retrato del Dr. Basterra y Retrato del Arquitecto Ularqui.

V Salón de Otoño de 1924: Misa nocturna.

VIII Salón de Otoño de 1928: Invierno en un canal de Haarlem y Barco de Ávila.

El museo Gustavo de Maeztu

En 1936, la Guerra Civil llevó a Gustavo de Maeztu a permanecer en Estella, ciudad en la que vivió hasta su fallecimiento en 1947. Poco antes de morir, fue nombrado hijo adoptivo de la localidad y manifestó su deseo de dejar allí su patrimonio artístico. Tras su muerte, y con la colaboración de José María Iribarren, se hizo realidad la donación de la obra conservada en su estudio.

En 1949 se creó el Museo Gustavo de Maeztu en el Palacio de los Reyes de Navarra. Las posteriores obras de restauración del edificio obligaron a trasladar los fondos a diferentes ubicaciones, lo que afectó a su conservación. Desde 1973, el legado permaneció almacenado y sometido a procesos de restauración, hasta que el impulso ciudadano y el apoyo del Gobierno de Navarra favorecieron la recuperación del museo.

Actualmente, el Museo Gustavo de Maeztu pertenece al Ayuntamiento de Estella-Lizarra, que gestiona la colección, mientras el Gobierno de Navarra aporta el edificio y colabora en su financiación. En 2010, el museo se incorporó al Sistema de Museos y Colecciones Museográficas Permanentes de Navarra.

La colección del museo está compuesta por más de 500 obras de Gustavo de Maeztu distribuidas en varias salas. En la planta noble se exhiben sus pinturas más representativas, óleos, acuarelas y obra gráfica, mientras que la segunda planta muestra dibujos, grabados, litografías y encáusticas que ilustran su proceso creativo.

Más allá de custodiar y poner en valor el legado de su protagonista, el centro actúa como un dinámico motor cultural que da voz a grandes creadores nacionales y navarros, desde figuras clásicas como Javier Ciga o Jesús Basiano hasta propuestas contemporáneas de vanguardia. Con entrada gratuita y una programación continua de muestras temporales, talleres y actividades, es el lugar perfecto para inspirarse, aprender y disfrutar del arte en todas sus dimensiones.

 

La AEPE: Pionera indiscutible en la conquista del Estatuto del Artista en España

Historia viva de la Asociación Española

de Pintores y Escultores

Un recorrido por la memoria y

el legado de la centenaria institución

 

Por Mª Dolores Barreda Pérez

 

El debate contemporáneo en torno al Estatuto del Artista en España (institucionalizado formalmente a partir de las reformas parlamentarias de 2018) tiende a ser analizado como un fenómeno estrictamente coetáneo.

Sin embargo, el análisis histórico de las políticas culturales en España revela que la arquitectura conceptual de esta legislación transversal fue proyectada de manera pionera por la Asociación Española de Pintores y Escultores.

Si en un artículo anterior publicado en la sección “Historia viva de la AEPE”, pudimos comprender la importancia que tuvo en la historia del arte en España, la convocatoria del I Congreso Nacional de Bellas Artes de 1918, un hito logrado en solitario por la Asociación Española de Pintores y Escultores, ahora analizaremos un texto encontrado en los archivos de la AEPE titulado “Notas para la redacción del Anteproyecto del Estatuto del Artista”, que pese a no estar fechado, podemos situar en la década de los 70, en base a varios detalles técnicos y legales que recoge el propio documento y así lo demuestran.

Del documento hay que analizar varias cuestiones:

Habla de la ley del 1% Cultural: esta medida protectora se introdujo por primera vez en España en la Ley de Patrimonio Histórico Artístico de 1933, y ya no volvió a hablarse de ella hasta la aprobación de la Ley de Patrimonio Histórico de 1985.

En cuanto al concepto de Diseño Industrial: el documento debate si el «Diseño, capaz de industrializarse» debe considerarse arte. Este debate sobre el diseño industrial y los derechos de reproducción masiva es característico de la segunda mitad del siglo XX y anterior a las leyes educativas de la democracia.

Y finalmente, el lenguaje y formato: Usa términos como «Seguridad Social» bajo convenios autónomos, y además, la tipografía de máquina de escribir eléctrica sitúan el documento en plena transición española.

Un documento que tiene un enorme valor histórico, ya que demuestra que la Asociación Española de Pintores y Escultores no solo abrió el debate en el Congreso de 1918, sino que décadas después, volvió a adelantarse a todo el país redactando un borrador formal cuando nadie hablaba aún de un Estatuto del Artista moderno.

El estudio de este hallazgo pone de relieve la trascendencia de la AEPE como un vector prelegislativo indispensable. La corporación no solo articuló la transición del paradigma romántico de la «vocación» al modelo moderno de la «profesión», sino que diseñó los mecanismos de protección fiscal, laboral y de propiedad intelectual que hoy cimientan el derecho cultural español.

Introducción: La redefinición institucional de la AEPE

El actual Estatuto del Artista, aprobado en sus primeros bloques en 2018, suele presentarse como un logro estrictamente contemporáneo. Sin embargo, la justicia histórica exige volver la mirada hacia la Asociación Española de Pintores y Escultores (AEPE), una institución centenaria que ha actuado como el motor ideológico y legislativo de la profesión en España desde hace más de un siglo.

La historiografía tradicional del arte en España ha confinado con frecuencia el papel de las asociaciones decimonónicas y de principios del siglo XX al ámbito de la dinamización estética, la gestión de certámenes o la representación gremial. No obstante, una revisión crítica de la trayectoria de la Asociación Española de Pintores y Escultores (AEPE), fundada en 1910, obliga a reformular este marco analítico. La AEPE debe ser entendida como una institución de carácter prelegislativo; un foro de pensamiento crítico y técnico que operó de forma sistemática para dotar al creador visual de un marco jurídico autónomo dentro del entramado del Estado social.

Mapear los esfuerzos de la AEPE implica conectar dos grandes hitos de su historia: la convocatoria del I Congreso Nacional de Bellas Artes de 1918 y la posterior redacción interna, hacia el último tercio del siglo XX, de las Notas para la redacción del Anteproyecto del Estatuto del Artista. Juntos, ambos momentos demuestran que la corporación poseía una clarividencia sociolaboral que se adelantó por décadas a la propia administración pública.

Un análisis de sus archivos históricos demuestra que la AEPE no solo plantó la primera semilla en 1918, sino que fue la primera entidad en poner sobre papel un borrador real y estructurado bajo el nombre de «Anteproyecto del Estatuto del Artista».

El punto de inflexión de 1918: El nacimiento de la conciencia laboral

El Primer Congreso Nacional de Bellas Artes, celebrado en Madrid entre el 14 y el 21 de mayo de 1918 bajo el auspicio directo de la AEPE, constituye el acta de nacimiento de la política cultural contemporánea en España. En un contexto europeo convulso y una realidad nacional fracturada por la crisis de 1917, la AEPE demostró una inusitada capacidad de interlocución institucional, logrando reunir en el Paraninfo de la Universidad Central a la Corona, los ministerios competentes, las reales academias y los patronatos de los principales museos nacionales.

La relevancia de la AEPE en este congreso no radicó meramente en su éxito organizativo, sino en la mutación ontológica que propuso para la figura del artista. Por primera vez en un foro de dimensión estatal, se combatió la mitificación del arte como una actividad puramente espiritual o desinteresada. La ponencia de la AEPE introdujo conceptos disruptivos para la época: la dignificación económica, la estabilización profesional y la necesidad de regular las relaciones mercantiles entre el creador y la administración. Aunque las conclusiones del congreso encontraron resistencias bucráticas y una asimilación institucional lenta, la AEPE logró elevar la ordenación del sistema artístico a la categoría de debate público y cuestión de Estado.

El «Anteproyecto del Estatuto del Artista»: Un laboratorio de vanguardia técnica

El verdadero alcance de la AEPE como entidad pionera se manifiesta en su producción documental interna posterior. El texto mecanografiado Notas para la redacción del Anteproyecto del Estatuto del Artista es un testimonio archivístico de valor excepcional. El documento —cuya indexación temporal se sitúa en la horquilla de la transición política y la configuración de las leyes de patrimonio moderno— evidencia que la AEPE no limitó sus reclamaciones a la retórica, sino que asumió la responsabilidad técnica de legislar el sector.

El rigor del anteproyecto se despliega en cuatro ejes fundamentales que estructuran de forma idéntica las demandas que hoy en día, ya en el siglo XXI, configuran el Estatuto del Artista real:

  1. La acotación jurídica y laboral del creador: Consciente de la complejidad de definir la figura del artista ante la emergencia de las técnicas industriales y el diseño en serie, la AEPE propuso la creación de un Censo Nacional de Artistas. Este censo no pretendía una exclusión elitista, sino la delimitación de un sujeto de derecho protegido, diferenciando la praxis profesional de la actividad amateur o «dominguera» para posibilitar la asignación de ventajas y derechos laborales.
  2. La intermitencia y la especificidad de la Seguridad Social: Uno de los mayores logros del documento es la propuesta de un convenio especial de cotización a la Seguridad Social adecuado a las particularidades de los creadores plásticos, anticipando la actual fórmula de la intermitencia. El texto de la AEPE preveía tanto el régimen de autónomos como las especificidades de aquellos creadores vinculados por contratos de exclusividad con galerías o editoriales (que se nos vende como uno de los mayores logros del estatuto actual).
  3. El blindaje de la Propiedad Intelectual y el Droit de Suite: El documento muestra una profunda preocupación por la vulnerabilidad del artista frente a los agentes del mercado (marchantes, subastas y editoriales). La AEPE propuso una defensa férrea de los derechos morales y patrimoniales, exigiendo de manera pionera la aplicación efectiva del derecho de suite o de participación en las sucesivas reventas públicas de las obras, así como el consentimiento expreso del autor para evitar la destrucción o fragmentación caprichosa de su producción por parte de los adquirentes. (El droit de suite, o derecho de participación, es un derecho de propiedad intelectual que permite a los artistas plásticos y visuales (como pintores o escultores) recibir un porcentaje económico cada vez que sus obras originales son revendidas en el mercado secundario).
  4. Fiscalidad y Mecenazgo (El 1% Cultural): La propuesta de vincular el Censo Nacional de Artistas con las adjudicaciones de las obras derivadas del 1% Cultural denota una visión macroeconómica de la cultura. La AEPE exigió que las comisiones provinciales y un Consejo Superior de Bellas Artes fiscalizaran estos proyectos para arrebatar la selección artística del «capricho de criterios poco formados» de constructores y promotores, garantizando que los fondos públicos revirtieran directamente en el tejido profesional.

Conclusión: La relevancia de la AEPE en la historiografía del derecho cultural

Reducir la memoria de la Asociación Española de Pintores y Escultores a sus méritos puramente academicistas o a su rol de cronista de la memoria visual del país es incurrir en un reduccionismo histórico. La AEPE se erige, por derecho propio, en la piedra angular de la legislación cultural española.

La correlación entre las demandas mecanografiadas en su anteproyecto histórico y el cuerpo de Reales Decretos aprobados por el Gobierno de España entre 2018 y 2026 es casi simétrica. Conceptos como la compatibilidad de las prestaciones, la cotización adaptada a la intermitencia o la regulación de la propiedad intelectual frente a los abusos del mercado —que hoy celebramos como conquistas de la modernidad— ya habían sido estructurados, razonados y defendidos por los equipos jurídicos y artísticos de la AEPE. Por consiguiente, este hallazgo documental no solo enriquece el patrimonio de la centenaria institución, sino que resitúa a la AEPE como el faro intelectual e indispensable que trazó la hoja de ruta hacia la dignidad de la profesión artística en España.

La AEPE no solo ha pintado y esculpido la historia de España; también redactó las leyes de su dignidad.

 

 

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