Presenta Estructuras en equilibrio cromático en la Galería Lourdes

 

Madeira, junio de 2026. La Galería Lourdes de Madeira presenta la exposición individual Estructuras en equilibrio cromático, del artista y arquitecto Federico Echevarría, abierta al público desde el 26 de junio hasta el 26 de agosto. La muestra fue inaugurada el pasado 26 de junio a las 17:00 horas, consolidando la presencia internacional del artista en un proyecto que reúne algunas de sus investigaciones más recientes en torno al color, el volumen y la percepción espacial.

La exposición pone de manifiesto el estrecho vínculo existente entre la práctica artística y la formación arquitectónica de Echevarría, dos disciplinas que, lejos de desarrollarse de manera paralela, convergen en una misma búsqueda estética y conceptual.

En palabras del propio artista:

“En «Estructuras en equilibrio cromático» presento un conjunto de obras que reflejan la constante intersección entre mi práctica artística y mi formación en arquitectura. Mi trabajo se basa en una lógica constructiva en la que cada elemento —forma, color, plano o volumen— se considera parte de una estructura mayor. La arquitectura no aparece como una referencia literal, sino como una forma de entender el espacio, el equilibrio y la organización. En este sentido, cada obra responde a una búsqueda donde coexisten lo estructural y lo sensible, dando lugar a composiciones construidas con la misma atención al detalle que una arquitectura.

Me interesa el hecho de que las piezas no se agoten en una sola lectura. Cada obra puede recorrerse visualmente de diversas maneras, generando distintas relaciones según la mirada del espectador. Las configuraciones abiertas, los desplazamientos de los módulos y las tensiones entre los elementos permiten que la percepción varíe constantemente, haciendo que cada encuentro con la obra sea diferente. No hay una única forma de verlo, sino un campo de posibilidades que se activa con la experiencia.

Expresiones Cromáticas Volumétricas explora la relación entre color, forma y espacio a través de estructuras tridimensionales de composición modular. Las obras generan ritmo visual y profundidad a través de secuencias cromáticas, luces y sombras que transforman la percepción del volumen. Entre la pintura y la escultura, cada pieza propone una experiencia sensorial donde el color se convierte en materia, movimiento y lenguaje espacial. La exposición invita al espectador a caminar por una atmósfera de equilibrio, vitalidad y transformación visual.”

La muestra propone un recorrido por obras en las que el color adquiere una dimensión física y espacial, generando estructuras dinámicas que transforman la percepción del espectador. A través de composiciones modulares, secuencias cromáticas y juegos de luces y sombras, Echevarría desarrolla un lenguaje visual propio que se sitúa entre la pintura, la escultura y la construcción arquitectónica.

Conferencia en el Colegio de Arquitectos de Madeira

La visita de Federico Echevarría a Madeira se completó con su participación en el programa cultural del Colegio de Arquitectos de Madeira, donde el 25 de junio ofreció la conferencia Arquitectura en movimiento.

Durante el encuentro, el arquitecto y artista compartió una panorámica de su trayectoria profesional, presentando diversos proyectos arquitectónicos y reflexionando sobre los puntos de encuentro entre arquitectura y arte. La charla abordó cómo conceptos como la estructura, el ritmo, la proporción, el espacio y la percepción atraviesan ambas disciplinas, convirtiéndose en elementos fundamentales de su proceso creativo.

Tanto la conferencia como la exposición constituyen una oportunidad para acercarse al universo conceptual de Federico Echevarría y comprender cómo su producción artística se nutre de la experiencia arquitectónica para generar nuevas formas de relación entre el color, el espacio y el espectador.

https://www.dnoticias.pt/2026/6/24/496651-arquitecto-federico-echevarria-sainz-participa-em-palestra-e-inaugura-exposicao-na-madeira/

 

 

Federico Echevarría

Exposición: Estructuras en equilibrio cromático

Conferencia relacionada: Arquitectura en movimiento. Colegio de Arquitectos. Madeira

Galería Lourdes, Madeira

Quinta de São João. Estr. Joäo Gonçalves Zarco, 496

9300-027 Câmara de Lobos. Madeira-Portugal

Fechas: Del 26 de junio al 26 de agosto de 2026

Horario: Domingo y lunes: cerrado

Martes, miércoles, jueves y viernes: de 14 a 18 h.

Sábados: 10 a 17,30 h.

 

 

Cuenta con la colaboración de la AEPE

El libro, en formato cuadrado y digital a todo color, está pensado para ser la mejor herramienta de promoción de la obra de un conjunto referente de artistas plásticos y visuales residentes en nuestro país.

De distribución gratuita con el claro objetivo de que llegue al mayor número de espectadores, coleccionistas, galeristas, etc. Una forma rápida y eficaz de poner en contacto a los artistas con potenciales clientes ya que todos ellos podrán compartir el libro con quien deseen, provocando una visión exponencial del mismo. También se podrá descargar desde diversas revistas culturales.

Material e información (datos contacto, 4 imágenes máximo en jpg y 14 líneas de texto en Word máximo por página) a franciscoarroyo2@gmail.com o al whatsapp 653 943 806 (Francisco Arroyo).

Fecha aproximada de presentación: Finales de verano

IMPORTANTE: Al enviarnos el material el autor da permiso, sólo para este libro y su promoción, de publicar lo que en él aparece a la vez que se compromete al abono previo de 25 euros por una página y 40 euros si son dos páginas, como apoyo a la edición y su correspondiente promoción.

50 años de gráfica. Luz y sombra

Del 10 de julio al 9 de agosto de 2026, José Manuel Chamorro presenta una exposición retrospectiva bajo el título de 50 años de gráfica de José Manuel Chamorro. Luz y Sombra, en las Cuevas de Hércules de la ciudad de Toledo.

El comisario de la exposición, Manuel Bonilla, nos la presenta así:

“La obra de José Manuel Chamorro se inscribe en la tradición de los grandes maestros del grabado, donde la línea, la luz y la sombra se entrelazan para dar vida a mundos que oscilan entre la realidad y la imaginación. Su trayectoria de más de medio siglo, abarca disciplinas como la pintura, el dibujo, el collage y la escultura, pero es en la gráfica, y en especial en la calcografía, la xilografía y las técnicas aditivas, donde emerge su voz más personal y depurada.

Chamorro explora los límites entre lo onírico y lo tangible, entre la penumbra y la revelación, integrando esta visión en su propia obra.

El propio artista confiesa: «La fuerza expresiva que adquiere la línea y las calidades plásticas que la presión del tórculo confiere a la estampa, así como el proceso de elaboración de la plancha, han ejercido en mí una poderosa atracción». Esta declaración no solo revela su compromiso técnico, sino también la pasión que subyace en cada una de sus obras.

Esta exposición, que abarca un largo período de tiempo, representa una oportunidad excepcional para acercarse a la obra de un artista que ha dedicado su vida a la exploración del grabado como medio expresivo”.

 

José Manuel Chamorro

Exposición: 50 años de gráfica. Luz y Sombra

Cuevas de Hércules

Callejón de San Ginés, 3

45001 – Toledo

10 de julio a 9 de agosto de 2026

Inauguración: 10 de julio de 2026, de 18 a 20 h.

Horario: De martes a sábados: de 10 a 14 h. y de 16 a 20 h.

Mención Especial de la AEPE

para Germán Gabriel Rodríguez Onetto

 

El VI Premio de Pintura organizado por la Real Academia Nacional de Medicina de España (RANME), con la colaboración de la Fundación ASISA, ha sido concedido a Manuel Pérez Gómez Pastrana por su retrato realizado sobre Alexander Fleming, médico y bacteriólogo escocés que destacó por descubrir en 1928 la penicilina, el primer antibiótico eficaz, a partir de un hongo del género Penicillium.

Asimismo, se ha otorgado el Premio Mención Especial de la Asociación Española de Pintores y Escultores (AEPE) a Germán Gabriel Rodríguez Onetto.

El jurado estuvo formado por el Prof. Eduardo Díaz-Rubio, presidente de la RANME; el Prof. Antonio Campos, vicepresidente; el Prof. José Miguel García Sagredo, secretario general; el Prof. José Luis Carreras, tesorero; los profesores y académicos de número Javier Sanz y Emilio Bouza, así como Hernán Cortés, académico de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (RABASF).

El acto de entrega de los galardones tuvo lugar el 7 de julio y el pintor Germán Gabriel Rodríguez Oneto recibió el Premio Mención Especial de la Asociación Española de Pintores y Escultores (AEPE) de manos de Carmen Bonilla Carrasco, vocal de la junta directiva de AEPE.

 

Durante el acto de entrega de premios, la Dra. María Tormo, presidenta de la Fundación Asisa, así como el Prof. Eduardo Díaz-Rubio, presidente de la RANME, han subrayado la estrecha relación entre la medicina y el arte, destacando que la medicina constituye, por excelencia, la disciplina más humanista, y recordando la larga tradición de médicos que han encontrado en la pintura una forma de expresión y reflexión.

Asimismo, la Dra. Tormo puso de manifiesto que, en una sociedad cada vez más dominada por la inmediatez de los titulares y los mensajes breves, la imagen artística —y, de manera especial, el retrato— adquiere un valor singular al ser capaz de revelar aspectos que trascienden la primera impresión y de ofrecer una mirada más profunda sobre la realidad y la condición humana.

Por último, se ha recordado que el Certamen de Pintura nació en 2020 como una iniciativa destinada a estrechar los vínculos entre la medicina y las artes plásticas, consolidándose, edición tras edición, como un proyecto de gran acogida y reconocido éxito.

Todas las obras presentadas quedarán expuestas en la sede de la Academia (calle Arrieta 12, Madrid) hasta el martes 14 de julio de 2026, en horario de 10 h a 14 h y los martes también de 16 h a 20 h. Las obras no premiadas deberán ser recogidas por los autores a partir del día 14 de julio.

 

Sobre la Fundación ASISA

La Fundación ASISA es una entidad sin ánimo de lucro creada por el Grupo Asisa, que tiene el propósito de llevar a la práctica el firme compromiso social de ASISA y contribuir a la mejora de la salud, la calidad de vida de las personas y al desarrollo y asistencia social, potenciando el desarrollo de actividades académicas, científicas y culturales en beneficio del conjunto de la sociedad.

Panorámicas Madrid: Plaza Mayor

Ver Madrid, desde el aire, tal como la ve un pájaro, como si fuera en globo. Esa era la idea. Siempre hemos visto la ciudad desde dentro, pero cuando esta desbordó la escala doméstica, el hombre, para comprender sus lugares de tránsito, se subía a algún lugar en alto, a un otero, cerro aislado que domina un llano. De ahí la palabra “otear” derivada de otra del romance, “oto”, degeneración de “alto”: “Registrar desde un lugar alto lo que está abajo”. Cuado algo te desborda en dimensiones de tal forma que cabes dentro de el o ello, mirar desde arriba es hacerlo desde fuera, puesto que, como pasa en el caso de la ciudad, la mirada es casi siempre desde dentro, de tal manera que, para hacerte una idea aproximada de su configuración, hemos de recurrir a la memoria para unir mentalmente distintos vistazos, como pinceladas de una pintura impresionista, para componer un todo virtual. De ahí que haya sido histórico y frecuente el subir a una cumbre a la hora de fundar una ciudad, como, entre otros muchos, lo hiciera Pedro de Valdivia subiéndose al cerro de Santa Lucía el 12 de febrero de 1.541 para decidir la ubicación de Santiago de Chile. El alarife que lo acompañaba, persona encargada de levantar los planos de la ciudad, tomó cumplida nota de la idea de Valdivia a fin de ir fijando lugares públicos, civiles y religiosos, en torno a los cuales habría de desarrollarse el entramado urbano.

Querer observar desde arriba implica, en cierto modo, un afán de dominio y se experimenta un cierto regusto de posesión al confirmar que comprendes el todo que observas y dominas. Es conocido que en un lugar habitado por simios, el jefe del clan se reserva para si la cumbre, el sitio más alto, porque cualquier ataque contra su autoridad casi nunca pude venir desde el aire.

Al querer pintar esta vista panorámica de Madrid deseaba ofrecer una mayor comprensión de la ciudad. Mostrar un mundo de contrastes entre el desorden del entramado urbano, fruto de su fundación árabe por Mohamed I, aquel emir de Córdoba que teñía sus barbas claras con kotem y hené para parecer más Omeya, y razón por la cual brillan en esta parte de Madrid, especialmente y por su ausencia, el cardo y el decúmano de origen romano, y mostrar el afán patente de orden que se observa en los espacios y edificios públicos, como el Palacio de la Opera, el Palacio Real, la Catedral de La Almudena o la misma Plaza Mayor.

Elegí a esta última como foco principal de la composición porque me parecen una auténtica maravilla, no solo la manzana que la conforma, sino sobre todo, el espacio público que delimita.

Ese rectángulo de una superficie aproximada de una hectárea, cuyo más lejano antecedente parece ser la stoa griega, tiene vocación de atrio, el patio de la domus romana, y te ofrece, como  aquel, el refugio contra el sol y la lluvia. Pero si el atrio lo era de un lugar de propiedad privada, en este caso lo era de una pública, por lo que esa dotación de espacio protegido, límite entre lo privado y lo público, se convirtió desde siempre en un lugar de comercio en el que los productos a la venta ni se mojaban ni tenían que soportar las excesivas temperaturas que afectan a algunas mercancías expuestas al sol. En nuestra cultura hispana, de La Península y América, los hemos llamado “soportales”, pero abundan en toda Europa. En Italia les llaman logia, en Polonia kaménica, en Francia passage, y te los encuentras por todas las latitudes del viejo continente.

Decíamos que, desde el punto de vista pictórico, deseaba dejar patente ese contraste entre el orden que se manifiesta en la plaza y el desorden de las viviendas que parecen arremolinarse en torno a ella. A primera vista me sugirió el caos que se observa en una drusa que se formara en una piedra plana o cóncava y en la que, en medio de esa amalgama de cristales surgidos de forma aleatoria, te encontraras con una joya tallada por un joyero auténtico, una joya fuera de escala y en la que su mayor atractivo se percibe, no en el macizo sino en el vano, no en el objeto sino en el espacio que enmarca. La belleza de la ausencia. Ese espacio que se me antoja como el molde previo de una escultura y que de alguna manera así surgió. La que fuera llamada en sus orígenes Plaza del Arrabal, fue remodelada por Juan de Herrera por encargo de Felipe II en 1.580, y el arquitecto, como si de un gran bizcocho se tratara y como si de un enorme cuchillo dispusiera, dio cuatro cortes en la ciudad antigua dejando el rectángulo actual  al que luego se fueron cosiendo las sucesivas casas que fueran recortadas. Esa operación quirúrgica, ese implante, tan solo puede observarse desde el aire, porque hay cosas, como las figuras de Nazca en Perú, en las que puedes caminar durante siglos entre ellas sin llegar a comprender qué es lo que pisas, sin sospechar siquiera como es el sitio donde estás, sin haber entendido nunca lo que miras.

Ese era, en concreto el objeto esencial de esta pintura. Mostrar el encanto singular de esta Plaza Mayor y poder contemplar a la vez a esta plaza, al Palacio Real, la Catedral de La Almudena y el Palacio de la Opera, las distancias que guardan entre si  y el sentido y carácter que en cierta manera le otorgan a Madrid.

Alfonso Calle García

El arte figurativo uniendo culturas

El 1 de julio de 2026 se inaugura la exposición colectiva e internacional “La armonía de la visión / The Harmony of Vision” en el prestigioso Museo de Arte de Hsinchu, ubicado en el número 116 de Zhongyang Road, en el Distrito Este de la ciudad de Hsinchu (Taiwán).

Esta ambiciosa muestra, que podrá visitarse hasta el 15 de julio, ha sido organizada por José Enrique González, director de la Galería Artelibre, en estrecha colaboración con la entidad CHiZhi.

La jornada inaugural contará con un completo programa oficial. A las 10:30 h se celebrará una rueda de prensa para presentar la exposición a los medios de comunicación y al público asistente. Más tarde, a las 14:30 h, tendrá lugar el acto institucional de inauguración, que contará con la intervención de las autoridades locales y la asistencia de la alcaldesa de la ciudad, quienes ofrecerán los discursos de presentación previos a la apertura oficial de la muestra.

Las actividades culturales continuarán el día 2 de julio a las 10:00 h en la Universidad, donde se celebrará una mesa redonda abierta al público bajo el título “Métodos de creación de pintura realista contemporánea y práctica docente”, un seminario dedicado al análisis del arte figurativo y la enseñanza de la pintura en el que se compartirán experiencias y procesos creativos.

Este proyecto cultural nace con el firme objetivo de tender puentes entre diferentes culturas y sensibilidades a través del arte. Para ello, se ha diseñado un circuito internacional de exposiciones de arte figurativo que recorrerá Taiwán, China y España durante todo el segundo semestre de 2026, convirtiéndose en un escaparate global del talento realista contemporáneo. El evento se presenta como un gran acontecimiento artístico gracias al talento, dedicación y extraordinaria calidad de las obras de los ciento veinte artistas internacionales seleccionados para formar parte de esta iniciativa.

Entre los creadores elegidos para esta destacada cita internacional se encuentra Jesús Lozano Saorin, conocido artísticamente por Saorin, quien asiste a la muestra con su obra titulada “Lo que el polvo deja ver”. Se trata de una delicada pintura a la acuarela que se ciñe al formato común establecido para el proyecto: unas dimensiones unificadas de 20 x 20 cm.

La exposición propone un diálogo visual único donde la singularidad y la sensibilidad de pintores de diversas procedencias geográficas se une bajo un mismo concepto, logrando que el proyecto sea mucho más que una exposición colectiva: un verdadero encuentro cultural y un marco de gran relevancia internacional. Tras su paso por el Museo de Arte de Hsinchu, la muestra continuará su itinerancia internacional con próximas paradas en diferentes sedes de China y España, completando así este gran intercambio cultural a lo largo del año.

Saorin

Exposición internacional «La armonía de la visión»

Galería Artelibre en colaboración con la entidad CHiZhi.

Museo Hsinchu Art

Taipei (Taiwán)

Del 1 al 15 de julio de 2026

La escultora española Inmaculada Lara Cepeda «Maku» entra en la élite mundial del arte al ser incluida en el índice internacional “Artists of the World”

La escultora y artista multidisciplinar Inmaculada Lara Cepeda (Maku) ha sido incorporada al prestigioso índice global Artists of the World (AOW), la mayor base de datos internacional de artes visuales gestionada por la editorial científica alemana De Gruyter. Su entrada, realizada de forma autónoma por el comité documental del archivo, sitúa a la creadora española en el mismo circuito de referencia utilizado por museos, universidades y expertos del mercado del arte en todo el mundo.

La inclusión de Maku, supone un aval institucional de máximo nivel, ya que AOW no admite solicitudes, propuestas externas ni pagos. Solo los artistas cuya trayectoria ha dejado huella en catálogos oficiales, colecciones públicas o exposiciones de relevancia son indexados tras un proceso de verificación independiente.

Con más de 1,26 millones de artistas registrados, Artists of the World es la evolución digital del histórico Allgemeines Künstlerlexikon (AKL), considerado el archivo documental más extenso del ámbito académico. La ficha de Maku, publicada en alemán e inglés, la reconoce oficialmente como escultora, adscribiéndola al censo histórico de su localidad natal, Tomelloso, junto a figuras como Antonio López.

Una creadora española integrada en el circuito europeo

La trayectoria de Maku destaca por su carácter interdisciplinar y su presencia en el espacio público. Formada en la Universidad de Salamanca y en la Escuela de Artes de Ávila, su obra abarca la escultura monumental, el arte sonoro, la performance, la poesía y la pintura. Entre sus piezas permanentes figuran “Tren” (Salamanca), “Papiroflexia I” (Pontevedra), “Bella Quiteria” (Albacete), “Istmo” (Segovia) y la serie “Happy Machine” en España y Portugal.

Instalada en Berlín, la artista forma parte de redes profesionales como GEDOK Berlín, BBK Berlín, IGBK/UNESCO, AIESM, AEPE, AVAM y MAV, consolidando una presencia activa en el panorama europeo contemporáneo.

Un reconocimiento que consolida una trayectoria internacional.

La indexación en AOW sitúa a Maku en el núcleo de las fuentes oficiales de consulta del arte contemporáneo, garantizando que su obra forme parte del corpus documental utilizado por instituciones culturales de referencia. Para la artista, este reconocimiento supone un hito que refuerza su posición en el ámbito internacional y valida una carrera marcada por la investigación material, la experimentación interdisciplinar y la presencia en el espacio público.

Inmaculada Lara Cepeda junto a una de sus primeras esculturas, el retrato de la «Bella Quiteria» en Munera (Albacete)   en 2005

Bajo el título de “SUTURAS: Paisaje y Tránsito en Zarautz”

 

Elena Arrese presentará del 9 de julio al 13 de septiembre, en la Torre Luzea de la localidad guipuzcoana, la exposición de pinturas Suturas: Paisaje y tránsito en Zarautz, un diálogo multidisciplinar entre pintura, relieve y collage que explora la regeneración matérica. A través de tres estaciones visuales, la muestra contrasta la inmensidad del paisaje costero en grandes formatos con la escala íntima de rostros abstractos y piezas modulares sobre papel. Utilizando materiales reciclados y fragmentos de obras previas, el proyecto plantea una reconstrucción ética y estética donde el arte actúa como bálsamo, transformando el desecho y la erosión en una metáfora de reparación y memoria.

Elena Arrese es una artista multidisciplinar vasca. Pintora, escultora (miembro del grupo de escultores vascos ESKUAHALDUNAK), muralista y gestora cultural vasca cuya obra se desarrolla principalmente en el expresionismo matérico contemporáneo. Su singular trayectoria es notable por el equilibrio entre una fase de gran proyección internacional en el diseño y un posterior retorno a la plástica pura, caracterizado por el compromiso e investigación con la escultura reciclada, el muralismo y una fuerte implicación en proyectos de calado cultural de la cultura vasca

La muestra nos la presenta así la propia artista:

Siempre me ha encantado Zarautz, definida por ese azul intenso, el horizonte abierto y la silueta del Ratón de Getaria.

Su playa, brava e infinita, y el carácter acogedor de su gente, lo convierten en un entorno único.

En SUTURAS, mi proyecto actual, planteo un diálogo entre la pintura y el relieve para explorar cómo lo rechazado puede regenerarse. Es una búsqueda sobre la transformación de la materia.

En Zarautz, las suturas están en cualquier lugar donde la cicatriz de la erosión se convierte en el inicio de algo nuevo, integrando el daño como parte de la belleza final del objeto.

Para la Torre Luzea de Zarautz he seleccionado piezas que funcionan como un diálogo de contrastes, por un lado, la inmensidad del paisaje costero a modo de vistas aéreas frente a una escala más íntima y efímera de los retratos de los paseantes del malecón.

He traído conmigo la arena, el cielo y el mar, también su personalidad a través de sus gentes, pero por encima de todo he pintado el azul. Ese azul ultramar y cobalto intensos, tanto de los días claros como el profundo antes de la tormenta que creo representa la sutura perfecta entre la tierra y el infinito.

Web: www.elenaarrese.com

Elena Arrese Villanueva

Exposición de pintura: SUTURAS: Paisaje y Tránsito en Zarautz

Torre Luzea

Kale Nagusia, 28.

Zarautz, Guipuzkoa

Del 9 de julio al 13 de septiembre 2026

Todos los días de 18:00 a 20:00