El nuevo espacio nacido tras la techumbre de San Juan se viste de escultura. Volumen contra volumen. Diecisiete autores burgaleses arropan las desnudas y frías piedras de la antigua iglesia con sus obras. Madera, piedra, hierro. Raquel Condado, Teodoro Ruiz, Humberto Abad, Ángel Gil Cuevas, Antonio Lindstrom, Eugenio Cabello, Carlos Armiño, Josefa León Tejero, Ana Núñez, José Luis Ramos, Alberto Bañuelos, Ángel Bustillo, Carlos Cermeño, Julio Carazo, Javier Sanz, Guadalupe Óscar y Óscar Martín se conjuran en Volumen en el Monasterio, una colectiva que peleará contra la furia de los elementos hasta el 14 de abril.

Caen las gotas sobre el retrato de cerámica de Raquel Condado -¿lloran esos ojos de mujer?- y un oxímoron se apodera de Teodoro Ruiz en El nacimiento de la muerte.

Por la deconstrucción apuesta Alberto Bañuelos. También Humberto Abad. Misma palabra, conceptos, materiales y propuestas dispares.

El primero presenta Deconstrucción 919, un canto rodado que juega con la ambivalencia. De texturas. De emociones. Suavidad y salvajismo. «Lo más simple que hay en el mundo es un canto rodado y actuamos en él como alquimistas», reflexiona Bañuelos, que pronto viajará a México, donde sus creaciones siguen de gira, y que, entre las viejas piedras del cenobio, sopesa si su abuelo, médico, como toda la familia, fue director de este viejo hospital.

Mientras que el segundo, que está a punto de llevar su obra a Lisboa, acaba de recogerla de Cáceres y mostrará nueva producción en diciembre en el Arco de Santa María, se pone a tono con el espacio, «construido, deconstruido y vuelto a construir», en una suerte de puzle. Pieza a pieza se articula un diálogo entre una silla de pino de Soria y una cara de castaño de Indias que grita. ¿Qué?
La sensibilidad hace equilibrios en hojalata de la férrea mano de Ana Núñez. La Victoria es una pieza nacida tras una visita al Museo Louvre de París. Cuenta la artista que la Victoria Alada de Samotracia la impresionó y he ahí su versión.

Volumen en el Monasterio supone igualmente la vuelta a las salas de Carlos Cermeño. Hacía tiempo que el que fuera director de la Escuela de Arte no exponía, aunque su estudio siguiera activo.
Comparte espacio en el ábside con una instalación de Julio Carazo; una cerámica de Guadalupe Óscar, El olmo y su gracia, con su huella de fantasía; Sentirse-sentarse, de Javier Sanz, en gres pétreo, que abre el abanico de significados y donde unos verán el retrato de un hombre y una mujer, otros advertirán un guiño por la igualdad; y un altar de Óscar Martín, Shivaratri (un compromiso de amor y paz), realizado en bronce, aluminio y acero.

En la otrora nave central, San Juan se miden con las curvas de secuoya de Carlos Armiño y las de olivo de Eugenio Cabello, los fieros cuernos de acero del Homenaje a la tauromaquia de José Antonio Bustillo, la evolución del Preneandertal de Antonio Lindstrom y el avance de Josefa León Tijero en Viendo circular el mundo. Se estremecen con Una historia en la piel de Ángel Gil Cuevas y se cuelgan de la Morfología de un sueño en rakú de José Luis Ramos. Volumen contra volumen

Iglesia del Monasterio de San Juan.

Del 10 de marzo al 14 de abril.

“Volumen en el Monasterio”. Exposición de escultores burgaleses.

El artista plástico y asociado de la AEPE. Manuel  ChouciÑo, presenta junto con otros 55 artistas más, cuatro obras, expuestas como si un cuadríptico fuera, en la Galería del Ateneo de Madrid, Calle Prado 19, desde el 4 hasta el día 15 de Marzo.

El motivo protagonista ésta vez es el agua como inspiración, agua como elemento, agua en color, en formas, en brillos; el agua como envoltorio del sujeto, de la persona, del niño, de la mujer…….fondo cambiante y en constante movimiento.

Las cuatro obras están elaboradas en acrílicos sobre lienzo y tienen unas medidas de 40x40x3 cms. un formato no muy grande porque forman parte de una serie de estudios previos para realizar una obra de mayor envergadura.

Manuel ChouciÑo nace en Cádiz donde desde pequeño su mayor afán es dibujar, recibe clases en la Escuela de Artes Aplicadas y pronto se desvincula del  academicismo y va por libre, realizando lo que el alma y el corazón le dictan sin seguir ninguna corriente determinada. El retrato es una de sus pasiones, y el óleo y los acrílicos sus técnicas más utilizadas para realizarlos.

En estos momentos prepara varias exposiciones colectivas e individuales siempre teniendo como protagonista al ser humano metamorfoseado por lo que le rodea, elementos físicos y psíquicos que cambian la realidad en un sueño.

El pasado viernes se dio fin a las clases del Taller de Acuarela que ha impartido en nuestra sede social el acuarelista Justo San Felices y que tan buena acogida ha tenido por parte de los socios y otros artistas que han acudido al mismo deseosos de aprender y dejarse fascinar por la maestría de este pintor navarro (Luquin, 1951) que vive en Basauri.

Justo San Felices tiene una larga la lista de exposiciones y premios. Recibió en 2008 la medalla de plata de la Academia de las Artes, las Ciencias y las Letras de París, lo que supuso para él un espaldarazo definitivo. Pinta muy suelto a la acuarela y cuando los cuadros van a una exposición, pinta al óleo. Óleos y acuarelas van pintados con parecida técnica, aunque esta afirmación parezca un contrasentido. Si no fuera por el cristal del enmarque, no distinguiríamos a primera vista un óleo de una acuarela. El óleo va diluido y la acuarela concentrada, de modo que los colores que el pintor consigue andan parejos en viveza. Hoy en día, la acuarela ya no se lleva con el rigor de la definición académica tradicional. Si se mezclan las vanguardias, también se producen mestizajes de técnicas.

Durante todo el mes de marzo el socio José Domínguez mantendrá abierta en la Galería de Arte Zúccaro de Madrid (C/ Hermosilla, 38. 28001 Madrid), una exposición de óleos que ha titulado “José Domínguez y el sentido de lo natural”.

La muestra nos la presenta así Francisco Arroyo Ceballos,  De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

“Todo proceso regido por el ser humano esta claramente encaminado a la búsqueda del disfrute, al devenir del placer al cual se puede acceder por múltiples caminos, por diversas vías que no se hacen anchas o estrechas sino más largas o cortas.

En dichas vías nos encontramos pausas obligadas que provocan reflexión e imprimen carácter diferenciador a cada individuo.

Una de esas pausas necesarias para la persona es el mero placer contemplativo, el mero disfrute de la belleza, de la cual el arte es pilar base.

La representación de lo natural ha condensado sin lugar a dudas durante siglos una parte primordial para discernir sobre el sentido de la existencia y su deambular.

En estas líneas quiero destacar la figura de un gran acaparador, de un magnífico captador del “sentido de lo natural”, el creador jienense José Domínguez el cual refleja de manera singular elementos de la naturaleza susceptibles de ser variados por la sinrazón humana lo que provoca constatación de lo autóctono, de lo habido, dando muestra patente de un entorno no sólo deseado, bello o enaltecido sino, lo que es más importante, acaecido en un lugar y tiempo determinados.

Domínguez resalta en su obra el valor de ello, afronta con premura la necesidad de reflejar los parajes idílicos que nos vienen rodeando a lo largo de la historia del ser para así dar fe de un sentido obligado, de una contundencia tal que muestra el principio de la vida.

La pincelada del autor se presenta a la sazón pletórica desgranando con cierta difuminación nuestros paisajes, repletos de arboledas, senderos, manantiales y demás.

Una ensoñación costumbrista invade el lienzo y transporta al espectador llenando en su mente un vacío difícil de completar en el ambiente urbano actual en el cual la vida vegetal se nos muestra degradada y casi inexistente.

De ahí destacamos la importancia del trabajo de José Domínguez.

Seria muy fácil indicar el virtuosismo con el que trata el espacio, la luz y tonalidad con la que lo dota pero sin duda hay que ir mas allá, al concepto, al trasfondo del tema.

El autor se posiciona en la idea transmisora de lo necesario que es para el hombre el mantener esos parajes representados, el procurar respetar un bien común de difícil perdurabilidad si no se toman medidas urgentes que acaricien la idea de que en el respeto al entorno se encuentra el respeto al “yo”.

Catálogo

Del 25 al 28 de febrero pasado, el socio Pedro Pozzo expuso en la XV Feria DEARTE Contemporáneo en el Palacio de Neptuno, a escasos metros del Museo Thyssen-Bornemisza y de El Prado, y colindante con dos importantes hoteles que suelen alojar a grandes coleccionistas de arte, el Palace y el Ritz.

Se trata de una exposición colectiva de Arte Contemporáneo, en la que intervienen artistas nacionales e internacionales y desde aquí animo a aquellos que puedan acercarse, esperando que disfruten con las formas, los colores y las sensaciones.
La Feria coincidió además con la Gran Semana Internacional del Arte que ha vivido Madrid a finales de febrero, en la que coleccionistas de toda España y de varios países has visitado Madrid en busca del arte que ofrecen las distintas ferias que se han celebrado en esa semana.
Las fotografías que ha expuesto son profesionales y corresponden a obras realizadas en los últimos seis meses. Son obras registradas, pero con libertad de uso «particular» para el que lo desee.

Primera exposición individual en Barcelona del socio José Luis Ceña , malagueño que vive en Madrid desde los 18 años, y bajo el título de » Miradas «, se podrá ver en la Galería Jordi Barnadas del 4 al 26 de marzo de 2016.

Impresionados por sus obras premiadas en los diferentes certámenes de pintura donde se ha ido presentando desde muy joven, la galería Jordi Barnadas tuvo la oportunidad de dar a conocer en 2013 y desde entonces ha ido participando en diferentes exposiciones colectivas.

La pintura de Ceña inscribe en una generación de pintores que quiere profundizar en la tradición y no reniega del pasado pero que a la vez incorpora técnicas actuales, como reflejos o tonalidades que sólo puede captar la cámara fotográfica.

El uso del color fuertemente contrastado y su pincelada rápida y valiente dan fuerza a su obra, que parece querer ir mucho más allá de la figuración.
La figura femenina es casi siempre presente, dando un toque intimista, cálido y sugerente que cautiva el espectador.

La socia Carmen Montero está exponiendo su obra más reciente en una muestra individual titulada “Escenas cotidianas”, en el Centro Cultural Aravaca (C/  Zarza, 20, 28023 Madrid), desde el pasado 19 de febrero, fecha en que se inauguró, y que se prolongará hasta el próximo día 11 de marzo.

Como a través de una ventana, vemos una serie de pinturas donde observamos paisajes, y personajes interactuando con él.

La mirada nos lleva más allá cuando atravesamos otras ventanas adentrándonos en escenas intimistas dentro de un entorno doméstico y misterioso.

Carmen Montero es una pintora madrileña que cuenta con exposiciones tanto individuales como colectivas dentro del territorio nacional e internacional.

Su pintura, se caracteriza por su sensibilidad en el uso del color y la variedad de sus motivos, donde veremos paisajes, paisajes urbanos, multitud de personajes que nos trasmiten infinidad de sensaciones.

Su obra «La cena» que se podrá ver dentro de la exposición recibió mención de honor el el IX Salón de primavera organizado por AEPE en el 2015.

El socio Manuel Gracia está exponiendo su obra más reciente en una muestra individual titulada “Logos”, en la Galería Movart de Madrid (C/ Conde Duque, 28, 28015 Madrid), desde el pasado 19 de febrero, fecha en que se inauguró, y que se prolongará hasta el próximo día 26 de marzo.

Logos es el título que recoge la última serie pictórica emprendida por el artista Manuel Gracia (Madrid, 1964).

Con la consecución de un lenguaje de extraordinaria depuración, el conjunto de la serie Logos se constituye en una invitación a la suspensión de lo cotidiano, que conduce a un territorio de extrañeza, liberado de cualquier constreñimiento interpre-tativo. La serie se constituye, así, en un abrazo de la sensación y el transporte a una introspección personal.

La serie supone una búsqueda estética que persigue el establecimiento de una comunicación de su espectador con lo esencial. Para ello, Gracia ha recurrido al con-cepto heraclíteo de Logos, sirviéndose del mismo ya en el título mismo de esta fasci-nante serie pictórica. El filósofo presocrático Heráclito, conocido ya en la antigüedad como “el oscuro” por lo misterioso de su pensamiento, afirma la presencia de un Lo-gos esencial que habita en todo lo existente, una unidad que se manifiesta en un in-cesante contraste entre opuestos. Una secreta armonía que se desarrolla en un di-namismo imperturbable, perpetuo, en un fluir constante, generador de cuanto acon-tece: “todo fluye” (panta reî).

Gracia accede al reto de detener la creación en una imagen para excitar en el espec-tador la ilusión de lo sutil, de lo móvil, de lo voluble, de la afección mutua. En ello estriba el reto de su planteamiento estético.

Julio César Abad Vidal. Doctor en Estética y Teoría de las Artes.

Comisario, crítico y curador de arte contemporáneo.

CATALOGO Manuel Gracia